Arcangelo Sassolino

Né en 1967 à Vicenza, Italie où il vit et travaille.

Il a d’abord étudié l’ingénierie mécanique, ce qui lui permet de concevoir des micro-composants de jouets pour Nextoy-Asahi, une filiale new-yorkaise de Casio au début des années 90. Il a notamment participé au développement des jeux comme Rhino Rush ou Turbo Shot. Quelques années plus tard, il fréquente la fameuse School of Visual Art de New York.
Il retourne en Italie en 1996, pour s’établir à Vicenza et démarrer une carrière artistique en collaboration avec la galerie Grossetti de Milan où se tiennent trois expositions personnelles.

Il a la particularité d’employer des matériaux industriels comme le ciment et l’acier avec lesquels il réalise des sculptures et des projets architecturaux réalisés spécifiquement pour un espace donné. Les travaux de l’artiste sont la plupart du temps conçus en totale symbiose avec l’espace qui les contient. Les mots qui viennent à l’esprit sont le poids, la tension et la forme dans l’espace. Son approche de la sculpture n’est pas sans rappeler celle des Minimalistes, pourtant dans le cas de Sassolino, c’est davantage son passé d’ingénieur qui l’incite à concevoir de telles formes.
Ses travaux explorent les comportements mécaniques et les propriétés physiques de la force. Chaque pièce requiert beaucoup de travail minutieux, de longues recherches, et le résultat est époustouflant : la densité des matériaux et la précision mécanique entrent en discussion avec les différentes forces appliquées à l’objet. Une particularité récurrente : ces objets ne sont pas fonctionnels, ils fonctionnent…

Du 14 Septembre au 18 Novembre 2007 s’est tenue au FRAC Champagne-Ardenne l’exposition What You See is What You Guess / WYSIWYG sous le commissariat de la critique d’art italienne Alessandra Pace. Les œuvres présentées questionnent la notion d’intuition : jusqu’où la perception informe-t-elle la conscience ? Le titre de l’exposition est, bien entendu, un écho à la locution What you see is what you get signifiant ce que vous voyez est ce que vous obtenez.
La pièce de Sassolino n’a pas de titre (Untitled, 2006) mais elle est très vite rebaptisée l’Araignée ou le Crabe par les visiteurs. Il s’agit en effet de six pinces hydrauliques de couleur noire assemblées entre elles. La machine se déplace de manière aléatoire au moyen de celles-ci, les faisant par la même occasion crisser sur le sol, provoquant un son étrange et inquiétant. Les lames d’acier jouent le rôle de leviers, permettant le déplacement mais laissant des marques, exécutant alors un dessin aléatoire sur le sol.

Untitled, 2006, Courtesy de la Galerie Nicola von Senger, Zürich

Il y a une certaine violence dans l’interaction de la machine avec son environnement, car elle entraîne de façon irrémédiable l’altération de la surface. De temps à autre, lorsque les pattes sont complètement repliées, elle vacille et semble être sur le point de basculer.
La machine, croisement du vivant et de la mécanique, semble dotée d’une âme. Le visiteur, quant à lui, se trouve à la fois amusé et pris d’effroi face à cet étrange objet menaçant.

Dans le cadre de l’exposition Superdome, qui se tient au Palais de Tokyo du 29 Mai au 24 Août 2008, Arcangelo Sassolino présente Afasia 1. Il s’agit d’une sculpture conçue pour projeter des bouteilles de bière à plus de 600km/h au moyen d’air comprimé. Les morceaux de verre s’accumulent au fur et à mesure que le temps de l’exposition passe pour former un amoncellement de débris.

Afasia 1, vue de l’exposition “Superdome”, Courtesy du Palais de Tokyo, 2008

Photographie de Didier Barroso

La pièce se compose d’un bloc contenant 16 bouteilles d’azote de 50 litres chacune, empilées les unes sur les autres par rangée de quatre. L’azote se classe dans la catégorie des gaz inertes, c’est-à-dire présentant très peu de caractéristiques réactives du fait de leur couche externe saturée en électrons. Il est par ailleurs neutre et non-inflammable et constitue majoritairement l’atmosphère terrestre (78% de l’air).
Ces bouteilles d’azote sont la source d’énergie pour la pièce, couplées avec des batteries.
Là encore, le visiteur se trouve confronté à une menace potentielle : la machine elle-même.
“Mes sculptures sont les émetteurs d’un temps physiquement comprimé, d’une mémoire permanente, d’un équilibre dangereux. Je ne veux pas créer des images mais un état des choses tendu, que j’essaie de construire grâce à la pression, au poids, au son produit par le frottement de masses.”

Expositions personnelles (sélection)
2007 Galerie Nicola von Senger, Zürich
2006 Momento, Galerie Galica, Milan
2004 Rimozione, Galerie Arte Ricambi, Vérone
2001 Concrete Matters, Galerie Grossetti, Milan

Expositions collectives (sélection)
2007 What You See is What You Guess / WYSIWYG, Frac Champagne-Ardenne, Reims
2007 …e ricomincio da tre, Studio La Città, Vérone
2006 Progetti per C4, C4 (Regione Veneto / Guggenheim), cur. Luca Massimo Barbero et Elena Ciresola
2006 Faster / Bigger / Better, ZKM, Karlsruhe
2005 Constellations, Artissima, Turin

Floria Sigismondi

Floria Sigismondi (born 1965 in Pescara, Italy) is a photographer and director.

Self Portrait with cat, 1998, Courtesy of Floria Sigismondi

Apart from her art exhibitions she is best known for directing music videos for Christina Aguilera, Muse, Interpol, The White Stripes, David Bowie, Sigur Rós, Sheryl Crow, The Cure, Björk, Amon Tobin and Marilyn Manson. Her trademark dilating, jittery camerawork, noticeable as early as her video for Manson’s The Beautiful People, has been replicated by a great number of directors since.

Marilyn Manson, 1996, Courtesy of Floria Sigismondi

Her parents were opera singers. Her family moved to Hamilton, Ontario, Canada when she was two. In her childhood she became obsessed by drawing and painting. Later, from 1987 she studied painting and illustration at the Ontario College of Art, today’s Ontario College of Art & Design (OCAD). When she took a photography course, she became obsessed once more, and graduated with a photography major.
Floria Sigismondi started a career as a fashion photographer. She came to directing music videos when she was approached by the production company The Revolver Film Co., and directed music videos for a number of Canadian bands. Her very innovative, but also very disturbing video works, located in sceneries she once described as entropic underworlds inhabited by tortured souls and omnipotent beings, attracted a number of very prominent musicians.
With her photography and sculpture installations she had solo exhibitions in Hamilton and Toronto, New York, Brescia, Italy, Göteborg, Sweden and London. Her photographs also were included in numerous group exhibitions, together with those of photographers like Cindy Sherman and Joel-Peter Witkin.

Floria Sigismondi interviewed by Uleshka & Kyoko for Ping Mag (2005)

Many of your videos use imagery from your childhood: gothic opera dresses, industrial towns, religious imagery. Would you say all your work mirrors your real life?

I express my angers and loves through my work. Things that preoccupy me and elate me. Subconsciously it creeps into the images I create.

After graduating with a photography major, you worked as a fashion photographer, then started directing music videos. How did you make the transition?

I was interested in making moving images when I realized my photos started to be part of a series of 5 or more photos at a time. I would light the subject so I was able to move the camera 360 degrees around the person and it would look good from every angle. I loved the dimension sound and movement brought. It was a whole new experience.

Throughout your photography, music videos and installations – you always manage to create a distinctive Floria Sigismondi world. How would you describe what you do, it’s more than simply directing, right?

I think of myself as a visual artist…take my camera and materials away and I would sit here and draw pictures in he sand.

And how would you describe your style, then?

Maybe dream interpreter …maybe capturing signals from other worlds.

I want to make a music video. How do I start?

I tend to listen to the music over and over again until I don’t hear it anymore or it drives me crazy. Then it is ingrained into memory and the images start to present themselves. I don’t question the initial thought…I do not judge it. I let it grow and take me somewhere and hopefully somewhere I’ve never been before. I usually go a little crazy before I get it out though.

How long does it take to make one of your music videos?

Creating one video, it takes about 1 month from prep to final edit, if there are special effects then it may take a bit longer.

In your work, it is obvious that the body concerns you a lot. What does modifying the body mean to you?

I was disconnected from my body for a long time…I lived in my head and was far from the physical. I think this was my way in dealing with it…the way I saw it…from an aliens point of view. I could take it apart and put it back together in order to try and understand it.

Your first book, Redemption became a bible for the Japanese goth girls.  What’s your opinion on them?

Great! I think the Japanese gothics dress the most creative in all the world. There is really a sense of individualism in the way it’s put together. It is a walking theater. You can imagine how into that I am. I would love one day to come to Japan.

Your imagery revolves around fear, warnings and anger. Do you consider yourself to be an optimist or a pessimist?

I am an optimist of course, but I am a realist also. It is evident that the course of the future will be very different than we enjoy it now. I depict a world gone wrong because that is part of nature…our human nature. We play god. Whether it be through war, the environment or genome manipulation, there is plenty of room for corruption and corrupted it will be.

Floria Sigismondi, Redemption, Gestalten Verlag, 1999
Floria Sigismondi, Immune, Gestalten Verlag, 2005

http://www.floriasigismondi.com/

David Bowie (book cover), 1997, Courtesy of Floria Sigismondi

Guillaume Herbaut

Photographer and reporter born in 1970.
Provides information in places where everything will not be the same anymore.
Lives and works in Paris.
Founded French agency L’Oeil Public in 1995 with other photographers.

He was trained in the use of 24×36 black and white silver photography in the way Magnum agency does but he dropped it for color pictures in 2001. As he states : Color brings some information. Then he chooses to shoot in a much more simple way, with less  move. He wants to incorporate people in a particular background to make the viewer understand instantaneously where it takes place. He is also interested in what is out-of-focus in its providing information capability.

To prepare each project, Guillaume Herbaut must find a local contact. Then he begins to investigate by gathering various documents such as press articles, books, movies, comics, music…
He also does a story-board because he tells a story : I am not a photographer who is wandering to find some images by chance (…). In my work there is little place to random things (…).
For the agency, Herbaut does mainly political and social coverages. He focuses on portraits on one side and these people’s lifestyle on the other side. Most of the time they are shown in a place which qualifies their occupation (police station, sport center, swimming pool) or at home (alone or with relatives).

5/7: Urakami, 2005, Courtesy de la Galerie Paul Frèches, Paris

Guillaume Herbaut usually designs portrait with an American shot and a frontal position. Subjects are shooted standing and looking at the camera. They are often posing.
Text means a lot to him. In the two Shkodra cycles, it is as much important as the pictures. Located in the North of Albania, Shkodra is a small town where the so-called Kanun law kills a lot of people among enemy families. Kanun is a 15th century text which defines revenge when somebody is murdered. Texts are being very important in this work. How could I tell the vendetta when all I meet are home locked-in families ? It is not easy. I had to put some texts. They are as much displayed as the photographs. They are framed, on a black background, the same size as the pictures themselves, explains Herbaut.

4/7: Slavoutich, 2002, Courtesy de la Galerie Paul Frèches, Paris

He went to places where tragedies happened to depict some dramatic situation mostly invisible today. Oswiecim is named from Auschwitz, city of Poland where the Nazis built the death camp and exterminated more than 900 000 people.
Herbaut depicts two kinds of events : the past ones which have been the headlines and the current ones which are not the most discussed.

Guillaume Herbaut devises his work 7/7 in seven parts as follows :

1/7 Livry (autobiographical)

2/7 Shkodra

3/7 Oswiecim

4/7 Slavoutich (built nearby Chernobyl to welcome homeless victims)

5/7 Urakami (suburbs of Nagasaki where the atomic bomb exploded on August 9, 1945)

6/7 Ciudad Juarez (located in Mexico across the border from El Paso, Texas. Since more than ten years by now about 400 women were tortured and killed).

http://www.oeilpublic.com/

http://www.paulfreches.com/

4/7: Slavoutich, 2002, Courtesy de la Galerie Paul Frèches, Paris

Liza Lou

Name : Liza Lou

Occupation : bead the world

Born in 1969, Liza Lou attended the San Francisco Art Institute where she was a painting student. A trip to a local bead store changed her artistic course completely. She began to experiment with beads, sequins and spangles on everyday objects. It was a different way of painting to her. This is the most amazing tone, the most amazing color, the most amazing kind of light that you can work with, says Lou. I thought, how great. Put that in your sculpture. Put that on your canvas.

At the San Francisco Art Institute, her teachers did not approve and most of them thought she was making jewelry. If you’re doing something with beads then you’re a craft person. If you’re making paintings, you’re an artist. […] there were very distinct categories, she recalls.

Liza Lou left the art school at 21 and continued to create beaded objects.

Kitchen, 1991-1994, Courtesy of Deitch Projects, NY

A 168 square feet kitchen (almost 16m2) with every pie, every muffin, every bit of cereal covered with beads. She bought household appliances and put beads directly onto their surfaces. For the cereal boxes and cherry pie, Lou first built the form out of papier-mâché. It took an estimated 30 million beads to complete her work and 5 years of intense work. From the turquoise sink to the cherry pie, Liza Lou beaded every detail by hand. It was completed in 1995 and brought her fame immediately. She was 26 at the time.

Contemporary art world thought her work was pretty subversive. Indeed Kitchen both satirizes and celebrates the notion of woman’s work : I’m referencing women’s experience in the piece, says Lou. The requirement is to have a really fastidious clean house. And, in today’s culture, to be a babe at the end of the day. You have to be cute… The task never ends.

Kitchen (sink detail), 1991-1994, Courtesy of Deitch Projects, NY

For her next project Back Yard (1997), she asked for help. Several hundred volunteers came at the Museum of Art near her home for beading parties. Although it covers 600 square feet (almost 56m2) It took only two years to complete. This work contains 250 000 blades of beaded grass and is made of more than 30 millions glass beads. It features a shiny lawn with a picnic table,  a clothesline and a barbecue grill. Beads were twisted onto wires which were then inserted into a papier-mâché surface. Papier-mâché was a key element in Back Yard in order to make the installation lighter, and easier to strike up and down for travelling. Liza Lou possibly regretted choosing a real kitchen stove for her previous project.

Each piece takes years to complete, and causes her physical agony because the task is incredibly fastidious. Her work doesn’t seem to be a parody, it rather refers to  self-will with the picture of a working ant in mind. Her beads make the surface of objects glitter and shine. Using this method, her fingers touch each and every surface inch.

At the same time, Lou worked on other projects linked with the notion of the American ideal such as a beaded Barbie (the ultimate American female icon) and a set of portraits of all the 42 American Presidents.

John F. Kennedy, American Presidents Series, 1996 to present, Courtesy of Deitch Projects, NY

The following installation also features a presidential desk, a draped American flag, a chandelier and a cigar. It resembles historic black and white photographs : Portrait Gallery (1996) using black, white and grey beads. Each portrait is bordered with a wide band of gold beads, creating the illusion of a gilded frame. It is humorous to see men in beads, Lou says in an interview. Herbert Hoover is not someone you associate with glitter.

http://www.deitch.com/

Ron Mueck

1958: Born in Melbourne, Australia

His parents were both toymakers: his father carved from wood and his mother made rag dolls.
Mueck spent much of his childhood modeling playthings. He had no formal art training and he never attended art school. He recalls: I spent my whole childhood alone in a room making stuff. […] I’m still mainly doing that….I try to put the ego into the work.
Eventually the family moved to Great Britain when he was a small boy.

His early career was as a model maker and puppeteer for children’s television, including The Muppets and Sesame Street. He also worked for the movie industry, notably Labyrinth, a fantasy film released in 1986 directed by Jim Henson (creator of The Muppet Show) and featuring David Bowie.

Mueck had his own company in London, making photo-realistic props and animatronics for the advertising industry. Although highly detailed, these props were usually designed to be photographed from one specific angle hiding the mess of construction seen from the other side.

At 37, though, Ron Mueck walked away from his lucrative career as a model maker, frustrated by the constrictions of the job: Everything I was doing was geared towards that final flat image, the piece of print. […] Everything was predetermined. I was always telling someone else’s story. I wanted to make something that a photograph wouldn’t do justice to.
He wanted to produce realistic sculptures, which looked perfect from all angles.

Boy (foot detail), 1999

Mueck’s eventual entry into the contemporary art world was almost accidental. His stepmother is artist Paula Rego. On a family holiday in America, Rego watched, mesmerized, as Mueck created a giant sand sculpture of a dragon for his two young daughters. Later, when she was working on a series of drawings for a group show in a London gallery, she asked him to create a model of Pinocchio. He did a 33-inch-tall (83cm), ultra-realist Pinocchio in silicone.

Paula Rego showed it to famous publicist Charles Saatchi who was impressed and started to collect Mueck’s work. He put Dead Dad in the Sensation show at the Royal Academy in 1997. Dead Dad is a silicone and mixed media sculpture of the naked corpse of Mueck’s father reduced to about two thirds of its natural scale. It is said to be the only work that uses Mueck’s own hair for the finished product.

Dead Dad, 1996

Then he gained mass appeal with his huge Boy, a 16 feet high (5m) sculpture which was displayed at the Millennium Dome and at the Venice Biennale in 2001. It shows a crouching boy, who seems to be scared.

Boy, 1999

Ron Mueck has a profound knowledge of anatomy, it allows him to create sculptures that faithfully reproduce human body but play with scale to produce disconcertingly images. He elaborates details to such a point that it causes powerful reactions in the visitor. When larger-than-life-size figures seem threatening, as In Bed, smaller-than-life-size creations such as Spooning Couple evoke confidence and humor.

His sculptures are made of fibreglass and silicone. In Mask II (Mueck’s face on its side) you can see teeth, gums and even a little faux saliva. Every hair, eyebrow or eyelash is fixed in a specifically hole. All the hairs are sanded and painted. The lashes are hand-tapered to a point with a scalpel. He cooks up a resin with a never-seen-the-sun Caucasian flesh color and he delicately paints every blue vein afterwards.

It looks so life-like that visitors want to touch the works. People often quote Madame Tussaud’s famous wax museum or hyper-realistic sculptures of Duane Hanson.

A Girl being installed at the Brooklyn Museum, 2007

Marcos Lopez

Born in Santa Fe, Argentina in 1958.

Currently living in Buenos Aires, Argentina where he’s working as a photographer and director of independent videos. He’s involved in painting and photojournalism as well as art and photographic direction for television commercials.

Around the end of the seventies he studied engineering for several years and began self-taught to learn photography.

In 1982 he moved to Buenos Aires, where he continued his training. The city is still a strong source of inspiration these days.

Lopez became highly involved in various group activities with other photographs and artists from other media.

In 1993 he won the Prize of the Andy Goldstein Foundation and a grant to complete his portraits in black and white. On this occasion, a book was released : Fotografias (La Azotea, 1993).

His black and white pictures are mostly portraits. People are standing at their work place or at home, they are all looking at the viewer. Style was close to the documentary with classic composition,  dark backgrounds and directional light on the character. At this time he used Rollei cameras with two lenses and long shot poses.

But then Lopez stepped over from black and white to color photography : I thought that in that way I could combat my melancholic side and take life easier.

In the mid nineties comes a cycle of photographs taken in Buenos Aires, Santa Fe and Cuba. Colors are bright, even garish and some of the characters appear as icons.

Antenna, 1996, Courtesy of Marcos Lopez

It was labelled Pop Latino because the pictures seem close to advertisings such as billboards and television images.

Pop Latino images are often considered as kitsch. It is about capturing the ordinary in daily life by taking a picture. As regards the choice of the subject, Lopez declares : It’s hard to say why someone takes on certain subjects. It’s like asking myself why I like to make pictures of the maids in the hotels I’m staying at. At the beginning I was interested in the Fatherland. Taking this series as a subjective chronicle of the end of this Menemistic century (taken from Menem, the president of Argentina from 1989 to 1999). I also wanted to emphasize the fact that I’m an artist who looks from the South and from the underdeveloped world.

Martyr, 2002, Courtesy of Marcos Lopez

In the mid nineties when asked about his method, Lopez answers: I don’t use Photoshop nor Macintosh or anything like that. I’m interested in doing real collages and touching up manually the white of the eye and to work all over the copies with paints. In my shots I use two or three assistants with banners on the back of the characters and producing smoke with machines.

http://www.marcoslopez.com/

Roast in Mendiolaza, 2001, Courtesy of Marcos Lopez

Oh Shit !

“Mon travail est motivé par la curiosité et par le désir de produire des images ayant un impact.”

Andres Serrano par Alexander Scott, 2006

On ne présente plus Andres Serrano, photographe américain né en 1950 à New York. D’origine hondurienne et afro-cubaine, il a reçu une éducation catholique assez stricte. Il fréquente l’école d‘art rattachée au Brooklyn Museum de 1967 à 1969. Il dit être inspiré par Luis Buñuel, Federico Fellini, Pedro Almodovar ou Marcel Duchamp. Le sexe, la religion et l’identité sociale sont des thèmes récurrents dans son travail. L’exposition de la série Shit à la galerie Yvon Lambert est une excellente occasion d’évoquer cet artiste qui fascine autant qu’il dérange. À ce jour, il existe de nombreuses publications sur son travail : quelques ouvrages lui sont consacrés, la liste des articles s’agrandit régulièrement et les essais critiques sont abondants.

Mort
La série The Morgue, réalisée en 1991, est constituée de photographies couleur de grand format (1,52 x 1,25 m). Comme son nom l’indique, elle montre certains détails de corps et de cadavres.
Les visages en gros plan laissent apparaître quelques tuméfactions. Serrano réalise des portraits de défunts dans une palette de tons froids, éclairés par une lumière blanche qui donne à voir le moindre détail.

The Morgue (Fatal Meningitis II), 1991, Courtesy de la Galerie Yvon Lambert

Cette fascination pour la représentation de la mort était présente dans le Romantisme au XIXe siècle, et notamment chez Géricault. Évoquons aussi les portraits mortuaires de cette époque qui consistaient à prendre les défunts vêtus de leurs plus beaux atours sur leur lit de mort juste avant l’inhumation. Serrano a pu s’introduire dans une morgue et y travailler. Il a essayé de respecter l’intégrité des modèles tout en s’assurant que leur identité demeurerait secrète. C’est pourquoi les photographies ont toutes des cadrages très serrés, il n’y a aucune vue d’ensemble. Le mystère de leur mort reste donc intact. L’auteur s’en explique : “Les cadavres photographiés ne représentent pas la mort mais bien au contraire. Ils sont très présents, presque vivants. (…) La chair se ressent. D’ailleurs, dans la plupart des photographies, la couleur spécifique de la mort n’est pas encore visible. J’ai cherché avant tout à trouver la vie dans la mort.” Il décide de montrer la mort au plus près, prenant ainsi le contre-pied de la pensée occidentale, pour qui la mort est devenue sujet tabou. On pourrait dire qu’il montre ce que l’on ne saurait voir, ce que l’on considère comme abject, poussé à son paroxysme. On peut parler de photographie plasticienne car Serrano tente de rendre esthétique un sujet qui ne l’est – à priori – pas du tout, en ayant recours au clair-obscur. Il travaille avec cette matière : les corps des défunts, qu’il parvient à sculpter grâce aux jeux de lumière.

The Morgue (Heart Failure I), 1991, Courtesy de la Galerie Yvon Lambert

Beaucoup d’individus ressentent un malaise face à ces images, se sentent voyeurs et en même temps fascinés. En effet, la mort est un sujet universel qui nous concerne car c’est la fin inéluctable, celle qui nous attend tous.

Religion
En 1987, Andres Serrano plonge un petit crucifix en plastique dans un verre rempli d’urine et prend des clichés. Piss Christ fait couler beaucoup d’encre.  Car s’il est vrai que certaines cultures considèrent que l’urine renferme des propriétés bienfaitrices (beaucoup de yogis en Inde la consomment quotidiennement), elle suscite davantage le dégoût chez les Occidentaux. L’œuvre témoigne surtout de l’intérêt de Serrano pour les fluides corporels : il utilise souvent le sang, l’urine, le lait, le sperme.

Piss Christ (immersions), 1987, Courtesy de la Galerie Yvon Lambert

La relation entre le trivial et le sacré est ici explorée, pourtant, Serrano se défend d’avoir voulu créer une œuvre portant atteinte à Dieu (il se dit d’ailleurs croyant mais non pratiquant). “La photo et son titre sont provocants d’une manière ambiguë, mais certainement pas blasphématoires. Depuis des années, je me suis régulièrement intéressé à la religion dans mon travail. Cette œuvre dans laquelle mon éducation catholique transparaît, m’a permis de redéfinir et de personnaliser mon rapport à Dieu. Je mets en parallèle le fait d’utiliser des fluides corporels comme le sang ou l’urine -dans ce cas précis- avec l’obsession du catholicisme pour le corps et le sang du Christ. Dans mon travail, j’explore les symboles forts du Christianisme.” Wendy Beckett, nonne catholique et critique d’art, a déclaré dans une interview que Piss Christ ne lui paraissait pas sacrilège, mais qu’il s’agissait d’une représentation de “ce que nous avions fait au Christ” et du regard porté par la société contemporaine sur les valeurs véhiculées par le Christ. Cette image pose des questions d’ordre théologique, en particulier sur le rapport du Christianisme avec cette logique du sacrifice. Piss Christ semble subvertir la mort sacrificielle du Christ et donc remettre en question le geste même. Les défenseurs de l’œuvre controversée arguent pour leur part qu’elle témoigne de la liberté artistique et encore plus de la liberté de parole, des notions qui sont largement soutenues aux USA.

Controverse
Andres Serrano serait-il facétieux ?
Une chose est sûre, il apprivoise ses sujets, au sens où les thèmes abordés sont délicats ou marginaux, provoquant bien souvent des levées de boucliers de la part de l’Amérique puritaine.

Piss Christ, montrée en 1989, a causé un scandale. Ses détracteurs : Al D’Amato et Jesse Helms, tous deux sénateurs républicains du Congrès américain, se disent choqués que l’artiste ait reçu 15 0000 Dollars de la Fondation nationale des Arts pour cette œuvre jugée vulgaire. Ainsi, la bourse perçue par Serrano aurait violé la séparation entre État et Église, telle qu’elle existe dans le 1er amendement de la Constitution des États-Unis. Ceux pour qui Piss Christ apparaît comme blasphématoire considèrent que Serrano a profané un objet sacré, qui doit demeurer respecté et protégé. En l’occurrence, Serrano a pissé sur Dieu. Pour avoir fait cela, il est vilipendé avec violence. L’artiste s’est toujours défendu d’avoir voulu créer une œuvre impie, bien que le titre même soit délibérément provocateur. En 2007, plusieurs de ses œuvres exposées dans une galerie d’art suédoise sont vandalisées par un groupe vraisemblablement proche des mouvements néo-nazis.* Après avoir saccagé à la hache la moitié des photographies, soit  pour près de 200 000 Dollars, ils laisseront des tracts portant l’inscription suivante: “Contre la décadence et pour une culture plus saine.”

“Il n’y a pas d’image interdite. On ne peut que s’interdire de voir. (…) Il n’y a pas d’image interdite parce que le photographe nous pousse à regarder un morceau de réalité en face. Toute image est confrontation. Toute tentative de censure est lâcheté. Certaines confrontations sont majeures. Les photographies d’Andres Serrano sont de celles-là.” Louise Charbonnier, Mortel, souviens-toi de ce que tu as vu, mars 2007

*The History of Sex, Kulturen Gallery, Lund, Suède, 2007

Fèces

La dernière série de photographies d’Andres Serrano, intitulée Shit, est présentée simultanément dans les galeries Yvon Lambert de Paris et New York. Dans l’antenne parisienne sont présentées 66 images de grand format d’excréments appartenant à différentes espèces, parmi lesquelles la tortue, le taureau, le cochon et l’homme. Les sujets sont traités comme des sculptures, qui se détachent sur un fond aux couleurs vives, récurrent dans le travail de l’artiste. Les titres des œuvres témoignent d’un sens de l’humour certain : Bull Shit, Bad Shit, etc. Le tout est présenté à la manière d’une enquête, permettant au spectateur de contempler à loisir toutes les formes étranges produites par le corps, mais sans avoir à en subir les désagréments car la photo n’a pas d’odeur… Cette fois-ci, le photographe a choisi de travailler sur ce que l’on nomme communément les restes, en d’autres termes sur la merde, sujet ô combien provocant, auparavant exploité dans l’art contemporain à plusieurs reprises. Citons Piero Manzoni et ses boîtes remplies de Merda d’artista. En 1961, Manzoni remplit 90 boîtes de conserve de 30 grammes chacune de ses propres excréments. Elles seront vendues par la suite au prix de 30 grammes d’or selon la valeur de son cours. À noter que ces boîtes se négocient de nos jours à un prix très élevé, environ 30 000 Euros chacune.

En 1977, c’est Andy Warhol qui s’adonne à ce type de pratique avec les Oxidation Paintings. Warhol et son assistant urinent sur des toiles recouvertes de pigments métalliques, provoquant ainsi une oxydation qui colore l’ensemble.
Plus récemment, Wim Delvoye a mis au point Cloaca, une machine créée en 2000 qui représente un tube digestif humain dans lequel sont introduits des aliments en vue de produire des excréments.
Voir http://www.cloaca.be/

Bibliographie sélective
Daniel Arasse, The Morgue, éd. La tête d’obsidienne, 1993
Andres Serrano, Shit – An Investigation, Les Presses du Réel, 2008 (catalogue publié à l’occasion des expositions éponymes présentées simultanément aux galeries Yvon Lambert de New York et de Paris)

Les œuvres d’Andres Serrano sont présentes dans de nombreuses collections de par le monde (liste non-exhaustive) :

CAPC musée d’art contemporain, Bordeaux
Museo Reina Sofia, Madrid
Centro Cultural Arte Contemporaneo, Mexico City
Whitney Museum of American Art, New York
Israel Museum, Jérusalem

http://www.andresserrano.org/
http://www.yvon-lambert.com/