Morrison Hotel Gallery

Posted: April 10th, 2009 | Author: | Filed under: art sur canapé: exhibition reviews | Tags: , , | No Comments »

doors

The Doors, Los Angeles, 1969, by Henry Diltz

Morrison Hotel is a name we all know.
First thing which probably would come to mind is the 1970 Doors’ album with the cover photo taken at the Morrison Hotel, located at 1246 South Hope Street in Los Angeles. The band is said to have asked the owners if they could photograph the front of the hotel and they declined. Then they supposedly took the photograph when nobody was looking.

There are actually other real hotels named Morrison Hotel. One is a fancy hotel located in Dublin, Ireland and the other is in some luxurious neighborhood of Bogotá, Colombia.

The last one is an art gallery dedicated to fine art music photography.
Founded in 2001 by former record company executive and producer Peter Blachley, former independent record store owner Rich Horowitz and music photographer Henry Diltz, The Morrison Hotel Gallery has grown to become the major brand in fine art music photography with five different galleries located in the US:

SoHo NYC Gallery
124 Prince Street
New York, NY 10012
11:00 – 6:00 (Mon – Thu)
11:00 – 7:00 (Fri – Sat)
12:00 – 6:00 (Sun)

Los Angeles Gallery
(currently relocated)

La Jolla Gallery
1230 Prospect Street
La Jolla, CA 92037
11:00 – 7:00 (Sun – Thur)
11:00 – 9:00 (Fri – Sat)

Bowery NYC Gallery
313 Bowery
New York, NY 10003
12:00 – 7:00 (Sun – Wed)
12:00 – 9:00 (Thur – Sat)

Americana Manhasset
2032 Northern Blvrd
Manhasset, NY 11030
10:00 – 6:00 (Mon – Sat)
12:00 – 6:00 (Sun)

punks
Punks, London, 1979, by Janette Beckman

byrne
David Byrne, Yucatan, 1980, by Lynn Goldsmith

jayz
Jay-Z, New York, 1999, by Danny Clinch

official website:
http://www.morrisonhotelgallery.com/


Dennis Hopper

Posted: April 7th, 2009 | Author: | Filed under: art sur canapé: exhibition reviews | Tags: , | 1 Comment »

I was 18 when I first went under contract for Warner Brothers. As soon as I was on the film set, I’ve got the feeling cinema was the fullest and most achieved artistic expression. None art involved photography, design, architecture, music, literature until then… Movies encompassed all the art I knew.” (Conversation between Dennis Hopper and Matthieu Orléan, Dennis Hopper & le Nouvel Hollywood, La Cinémathèque française, 2008)

edruscha

Edward Ruscha, 1964, silver print, Dennis Hopper collection, Los Angeles

Everybody knows about Dennis Hopper in the movie industry but I realize only a few people heard of his paintings or his photographs.
Last Fall at the Cinémathèque in Paris, the show Dennis Hopper & le Nouvel Hollywood displayed works by Hopper as well as his own contemporary art collection. On this occasion, I had the privilege to attend the screening of Out of the Blue, a 1980 film featuring and directed by Dennis Hopper which focuses on a rebellious teenage girl, her ex-convict father and her drug addict mother. The title was inspired by a song by his close friend Neil Young.
Visiting the exhibition, I was struck by the fact that Hopper has digested all the major artistic trends of the XXth century: Pop Art, Marcel Duchamp, Collage, Abstract Expressionism, Photojournalism…

afterthefall
After the Fall, 1961-1964, mixed media, Dennis Hopper collection, Los Angeles

Mr. Hopper’s arty bio
1945: the young Hopper moves to Missouri and starts acting and painting at the Nelson Art Gallery
1953: meets actor Vincent Price who becomes his mentor and introduced him to Modern Art. Dennis Hopper recalls: “When Vincent Price showed me his collection, I was both dismayed and relieved. Until now I thought my paintings were peculiar and suddenly I realized they follow the tradition of Abstract Expressionism, which I only heard of at the time
1955: meets James Dean on the set of Rebel Without a Cause who encouraged him to do photography
1959: spends some time in New York after being banned from Hollywood (he got into a confrontation with an influent director). On location he takes black and white photographs to improve composition. At the time he admits being influenced by Robert Capa
1961: almost 300 works are destroyed in the fire of his Bel Air house. Hopper is devastated and stops painting. Shortly after he bought some Pop Art: a Mona Lisa and a $75 Campbell Soup by Warhol
Double Standard was shot that year. It is a photograph of a street junction in Los Angeles with a billboard at its center where we can read Smart women cook with gas in balanced power homes. Hopper admits being inspired and struck by LA’s driving culture and its huge billboards

doublestandard
Double Standard, 1961, silver print, Dennis Hopper collection, Los Angeles

1964: first solo show of some of his mixed media works in Los Angeles. At the same time he goes by the nickname The Tourist because he always carries a camera. He takes photographs of movie stars and artists such as Jane Fonda, Paul Newman, Ed Ruscha, Robert Rauschenberg

paulnewman,jpg
Paul Newman, 1964, silver print, Dennis Hopper collection, Los Angeles

1967: gives up photography when Easy Rider, his first movie as director, went into production. “I didn’t take any photographs because I was acting and directing a movie and I didn’t know what to do with the camera
1971: opens a theater and an art gallery in Taos, New Mexico, where he just moved in
1972: shots twice at a Warhol’s Mao he bought previously
around 1990 he gets back to photography after he purchased a Nikon camera. He does mainly abstract photographs; the new thing being color photographs.
2000: designs vinyl billboards from his 60’s photos
from 2005 he uses digital cameras exclusively

American actor/director born 1936 in Kansas, USA.
He is currently living and working in Venice, California.

books:
Dennis Hopper: Paintings, Photographs, Films, NAi Publishers/Stedelijk Museum, Amsterdam, 2001
Dennis Hopper: Photographs from 1961-1967, Dennis Hopper, Art Pub Inc., 1993

art gallery:
Ace Gallery (Los Angeles)
http://www.acegallery.net/

survey
Dennis Hopper: A Survey, 2006, installation view, Ace Gallery, Los Angeles


Paul Thek

Posted: February 14th, 2009 | Author: | Filed under: art sur canapé: exhibition reviews | Tags: | No Comments »

Cet artiste américain, né en 1933, a fréquenté le Pratt Institute de Brooklyn d’où il est originaire.

Son travail, qui est encore largement méconnu, a été longtemps sous-estimé. Mike Kelley, que l’on ne présente plus, a déclaré : On a le sentiment que Paul Thek a été délibérément mal interprété, ou exclus de l’histoire de l’art. Il a toujours été relativement bien accueilli à son époque, mais pour diverses raisons, il n’a pas été perçu comme représentatif de son temps. Soudain, aujourd’hui il interroge cette même histoire de l’art. Pourquoi ? La raison est évidente : beaucoup d’oeuvres récentes ressemblent à celles de Paul Thek. (a)

Le corps, la chair, comptent parmi les thèmes importants chez lui. En 1962, il peint La Naissance de Vénus, un motif abstrait évoquant la chair humaine. Quelques années plus tard, il réalise ses premiers moulages : ses parties génitales en plâtre auxquelles il ajoute des feuilles d’argent, des cheveux et des ailes de papillon.

reliquaire2

Untitled, 1966

Entre 1964 et 1966, il initie la série des Technological Reliquaries (Reliquaires Technologiques), il s’agit de boîtes en plexiglas contenant des morceaux de cire imitant la chair humaine de manière incroyablement réaliste.

Il déclare dans un entretien pour le journal hollandais De Volkskrant : A ce moment-là à New York, il y avait une telle tendance en faveur du minimal, du non-émotionnel, même de l’anti-émotionnel, que je voulais dire de nouveau quelque chose à propos de l’émotion, à propos de la face horrible des choses. Je voulais ramener les caractéristiques crues de la chair humaine dans l’art.
Paul Thek se réfère explicitement au Minimalisme avec cette série, exprimant une réaction à l’encontre des formes épurées et froides de cette tendance, alors en vogue.

reliquaire
Untitled, (détail), 1966

Pour sa pièce la plus connue, aujourd’hui disparue, The Tomb – Death of a Hippie (1967), il moule son propre corps, censé représenter la mort de l’artiste bohémien. Son décès, des suites de la maladie du SIDA en 1988, achève de donner un sens à cette oeuvre.

(a) Mike Kelley, “Mort et Transfiguration, une lettre d’Amérique”, Paul Thek, Castello di Rivara, Turin, 1992, pp. 15-25.

Sources :

Paul Thek – The wonderful world that almost was, ouvrage collectif, Witte de With, Rotterdam, Neue Nationalgalerie, Berlin, Fundaciò Antoni Tàpies, Barcelone, Kunsthalle Zürich/Museum für Gegenwartskunst, Zürich, MAC et galeries contemporaines des Musées de Marseille, Marseille, 1995

Ouvrage à paraître le 27 février 2009 :

Paul Thek : Artist’s Artist, ouvrage collectif, ZKM et Center for Art and Media Technology, MIT Press, 2009

thek
Paul Thek dans son atelier à New York, 1967


Arcangelo Sassolino

Posted: December 5th, 2008 | Author: | Filed under: art sur canapé: exhibition reviews | Tags: , | No Comments »

Né en 1967 à Vicenza, Italie où il vit et travaille.

Il a d’abord étudié l’ingénierie mécanique, ce qui lui permet de concevoir des micro-composants de jouets pour Nextoy-Asahi, une filiale new-yorkaise de Casio au début des années 90. Il a notamment participé au développement des jeux comme Rhino Rush ou Turbo Shot. Quelques années plus tard, il fréquente la fameuse School of Visual Art de New York.
Il retourne en Italie en 1996, pour s’établir à Vicenza et démarrer une carrière artistique en collaboration avec la galerie Grossetti de Milan où se tiennent trois expositions personnelles.

Il a la particularité d’employer des matériaux industriels comme le ciment et l’acier avec lesquels il réalise des sculptures et des projets architecturaux réalisés spécifiquement pour un espace donné. Les travaux de l’artiste sont la plupart du temps conçus en totale symbiose avec l’espace qui les contient. Les mots qui viennent à l’esprit sont le poids, la tension et la forme dans l’espace. Son approche de la sculpture n’est pas sans rappeler celle des Minimalistes, pourtant dans le cas de Sassolino, c’est davantage son passé d’ingénieur qui l’incite à concevoir de telles formes.
Ses travaux explorent les comportements mécaniques et les propriétés physiques de la force. Chaque pièce requiert beaucoup de travail minutieux, de longues recherches, et le résultat est époustouflant : la densité des matériaux et la précision mécanique entrent en discussion avec les différentes forces appliquées à l’objet. Une particularité récurrente : ces objets ne sont pas fonctionnels, ils fonctionnent

Du 14 Septembre au 18 Novembre 2007 s’est tenue au FRAC Champagne-Ardenne l’exposition What You See is What You Guess / WYSIWYG sous le commissariat de la critique d’art italienne Alessandra Pace. Les œuvres présentées questionnent la notion d’intuition : jusqu’où la perception informe-t-elle la conscience ? Le titre de l’exposition est, bien entendu, un écho à la locution What you see is what you get signifiant ce que vous voyez est ce que vous obtenez.
La pièce de Sassolino n’a pas de titre (Untitled, 2006) mais elle est très vite rebaptisée l’Araignée ou le Crabe par les visiteurs. Il s’agit en effet de six pinces hydrauliques de couleur noire assemblées entre elles. La machine se déplace de manière aléatoire au moyen de celles-ci, les faisant par la même occasion crisser sur le sol, provoquant un son étrange et inquiétant. Les lames d’acier jouent le rôle de leviers, permettant le déplacement mais laissant des marques, exécutant alors un dessin aléatoire sur le sol.

spider

Untitled, 2006, Courtesy de la Galerie Nicola von Senger, Zürich

Il y a une certaine violence dans l’interaction de la machine avec son environnement, car elle entraîne de façon irrémédiable l’altération de la surface. De temps à autre, lorsque les pattes sont complètement repliées, elle vacille et semble être sur le point de basculer.
La machine, croisement du vivant et de la mécanique, semble dotée d’une âme. Le visiteur, quant à lui, se trouve à la fois amusé et pris d’effroi face à cet étrange objet menaçant.

Dans le cadre de l’exposition Superdome, qui se tient au Palais de Tokyo du 29 Mai au 24 Août 2008, Arcangelo Sassolino présente Afasia 1. Il s’agit d’une sculpture conçue pour projeter des bouteilles de bière à plus de 600km/h au moyen d’air comprimé. Les morceaux de verre s’accumulent au fur et à mesure que le temps de l’exposition passe pour former un amoncellement de débris.

afasia1

Afasia 1, vue de l’exposition “Superdome”, Courtesy du Palais de Tokyo, 2008

Photographie de Didier Barroso

La pièce se compose d’un bloc contenant 16 bouteilles d’azote de 50 litres chacune, empilées les unes sur les autres par rangée de quatre. L’azote se classe dans la catégorie des gaz inertes, c’est-à-dire présentant très peu de caractéristiques réactives du fait de leur couche externe saturée en électrons. Il est par ailleurs neutre et non-inflammable et constitue majoritairement l’atmosphère terrestre (78% de l’air).
Ces bouteilles d’azote sont la source d’énergie pour la pièce, couplées avec des batteries.
Là encore, le visiteur se trouve confronté à une menace potentielle : la machine elle-même.
“Mes sculptures sont les émetteurs d’un temps physiquement comprimé, d’une mémoire permanente, d’un équilibre dangereux. Je ne veux pas créer des images mais un état des choses tendu, que j’essaie de construire grâce à la pression, au poids, au son produit par le frottement de masses.”

Expositions personnelles (sélection)
2007 Galerie Nicola von Senger, Zürich
2006 Momento, Galerie Galica, Milan
2004 Rimozione, Galerie Arte Ricambi, Vérone
2001 Concrete Matters, Galerie Grossetti, Milan

Expositions collectives (sélection)
2007 What You See is What You Guess / WYSIWYG, Frac Champagne-Ardenne, Reims
2007 …e ricomincio da tre, Studio La Città, Vérone
2006 Progetti per C4, C4 (Regione Veneto / Guggenheim), cur. Luca Massimo Barbero et Elena Ciresola
2006 Faster / Bigger / Better, ZKM, Karlsruhe
2005 Constellations, Artissima, Turin


Oh Shit !

Posted: December 5th, 2008 | Author: | Filed under: art sur canapé: exhibition reviews | Tags: , | No Comments »

“Mon travail est motivé par la curiosité et par le désir de produire des images ayant un impact.”

portrait

Andres Serrano par Alexander Scott, 2006

On ne présente plus Andres Serrano, photographe américain né en 1950 à New York. D’origine hondurienne et afro-cubaine, il a reçu une éducation catholique assez stricte. Il fréquente l’école d‘art rattachée au Brooklyn Museum de 1967 à 1969. Il dit être inspiré par Luis Buñuel, Federico Fellini, Pedro Almodovar ou Marcel Duchamp. Le sexe, la religion et l’identité sociale sont des thèmes récurrents dans son travail. L’exposition de la série Shit à la galerie Yvon Lambert est une excellente occasion d’évoquer cet artiste qui fascine autant qu’il dérange. À ce jour, il existe de nombreuses publications sur son travail : quelques ouvrages lui sont consacrés, la liste des articles s’agrandit régulièrement et les essais critiques sont abondants.

Mort
La série The Morgue, réalisée en 1991, est constituée de photographies couleur de grand format (1,52 x 1,25 m). Comme son nom l’indique, elle montre certains détails de corps et de cadavres.
Les visages en gros plan laissent apparaître quelques tuméfactions. Serrano réalise des portraits de défunts dans une palette de tons froids, éclairés par une lumière blanche qui donne à voir le moindre détail.

meningitis
The Morgue (Fatal Meningitis II), 1991, Courtesy de la Galerie Yvon Lambert

Cette fascination pour la représentation de la mort était présente dans le Romantisme au XIXe siècle, et notamment chez Géricault. Évoquons aussi les portraits mortuaires de cette époque qui consistaient à prendre les défunts vêtus de leurs plus beaux atours sur leur lit de mort juste avant l’inhumation. Serrano a pu s’introduire dans une morgue et y travailler. Il a essayé de respecter l’intégrité des modèles tout en s’assurant que leur identité demeurerait secrète. C’est pourquoi les photographies ont toutes des cadrages très serrés, il n’y a aucune vue d’ensemble. Le mystère de leur mort reste donc intact. L’auteur s’en explique : “Les cadavres photographiés ne représentent pas la mort mais bien au contraire. Ils sont très présents, presque vivants. (…) La chair se ressent. D’ailleurs, dans la plupart des photographies, la couleur spécifique de la mort n’est pas encore visible. J’ai cherché avant tout à trouver la vie dans la mort.” Il décide de montrer la mort au plus près, prenant ainsi le contre-pied de la pensée occidentale, pour qui la mort est devenue sujet tabou. On pourrait dire qu’il montre ce que l’on ne saurait voir, ce que l’on considère comme abject, poussé à son paroxysme. On peut parler de photographie plasticienne car Serrano tente de rendre esthétique un sujet qui ne l’est – à priori – pas du tout, en ayant recours au clair-obscur. Il travaille avec cette matière : les corps des défunts, qu’il parvient à sculpter grâce aux jeux de lumière.

url
The Morgue (Heart Failure I), 1991, Courtesy de la Galerie Yvon Lambert

Beaucoup d’individus ressentent un malaise face à ces images, se sentent voyeurs et en même temps fascinés. En effet, la mort est un sujet universel qui nous concerne car c’est la fin inéluctable, celle qui nous attend tous.

Religion
En 1987, Andres Serrano plonge un petit crucifix en plastique dans un verre rempli d’urine et prend des clichés. Piss Christ fait couler beaucoup d’encre.  Car s’il est vrai que certaines cultures considèrent que l’urine renferme des propriétés bienfaitrices (beaucoup de yogis en Inde la consomment quotidiennement), elle suscite davantage le dégoût chez les Occidentaux. L’œuvre témoigne surtout de l’intérêt de Serrano pour les fluides corporels : il utilise souvent le sang, l’urine, le lait, le sperme.

pisschrist
Piss Christ (immersions), 1987, Courtesy de la Galerie Yvon Lambert

La relation entre le trivial et le sacré est ici explorée, pourtant, Serrano se défend d’avoir voulu créer une œuvre portant atteinte à Dieu (il se dit d’ailleurs croyant mais non pratiquant). “La photo et son titre sont provocants d’une manière ambiguë, mais certainement pas blasphématoires. Depuis des années, je me suis régulièrement intéressé à la religion dans mon travail. Cette œuvre dans laquelle mon éducation catholique transparaît, m’a permis de redéfinir et de personnaliser mon rapport à Dieu. Je mets en parallèle le fait d’utiliser des fluides corporels comme le sang ou l’urine -dans ce cas précis- avec l’obsession du catholicisme pour le corps et le sang du Christ. Dans mon travail, j’explore les symboles forts du Christianisme.” Wendy Beckett, nonne catholique et critique d’art, a déclaré dans une interview que Piss Christ ne lui paraissait pas sacrilège, mais qu’il s’agissait d’une représentation de “ce que nous avions fait au Christ” et du regard porté par la société contemporaine sur les valeurs véhiculées par le Christ. Cette image pose des questions d’ordre théologique, en particulier sur le rapport du Christianisme avec cette logique du sacrifice. Piss Christ semble subvertir la mort sacrificielle du Christ et donc remettre en question le geste même. Les défenseurs de l’œuvre controversée arguent pour leur part qu’elle témoigne de la liberté artistique et encore plus de la liberté de parole, des notions qui sont largement soutenues aux USA.

Controverse
Andres Serrano serait-il facétieux ?
Une chose est sûre, il apprivoise ses sujets, au sens où les thèmes abordés sont délicats ou marginaux, provoquant bien souvent des levées de boucliers de la part de l’Amérique puritaine.

Piss Christ, montrée en 1989, a causé un scandale. Ses détracteurs : Al D’Amato et Jesse Helms, tous deux sénateurs républicains du Congrès américain, se disent choqués que l’artiste ait reçu 15 0000 Dollars de la Fondation nationale des Arts pour cette œuvre jugée vulgaire. Ainsi, la bourse perçue par Serrano aurait violé la séparation entre État et Église, telle qu’elle existe dans le 1er amendement de la Constitution des États-Unis. Ceux pour qui Piss Christ apparaît comme blasphématoire considèrent que Serrano a profané un objet sacré, qui doit demeurer respecté et protégé. En l’occurrence, Serrano a pissé sur Dieu. Pour avoir fait cela, il est vilipendé avec violence. L’artiste s’est toujours défendu d’avoir voulu créer une œuvre impie, bien que le titre même soit délibérément provocateur. En 2007, plusieurs de ses œuvres exposées dans une galerie d’art suédoise sont vandalisées par un groupe vraisemblablement proche des mouvements néo-nazis.* Après avoir saccagé à la hache la moitié des photographies, soit  pour près de 200 000 Dollars, ils laisseront des tracts portant l’inscription suivante: “Contre la décadence et pour une culture plus saine.”

“Il n’y a pas d’image interdite. On ne peut que s’interdire de voir. (…) Il n’y a pas d’image interdite parce que le photographe nous pousse à regarder un morceau de réalité en face. Toute image est confrontation. Toute tentative de censure est lâcheté. Certaines confrontations sont majeures. Les photographies d’Andres Serrano sont de celles-là.” Louise Charbonnier, Mortel, souviens-toi de ce que tu as vu, mars 2007

*The History of Sex, Kulturen Gallery, Lund, Suède, 2007

Fèces

La dernière série de photographies d’Andres Serrano, intitulée Shit, est présentée simultanément dans les galeries Yvon Lambert de Paris et New York. Dans l’antenne parisienne sont présentées 66 images de grand format d’excréments appartenant à différentes espèces, parmi lesquelles la tortue, le taureau, le cochon et l’homme. Les sujets sont traités comme des sculptures, qui se détachent sur un fond aux couleurs vives, récurrent dans le travail de l’artiste. Les titres des œuvres témoignent d’un sens de l’humour certain : Bull Shit, Bad Shit, etc. Le tout est présenté à la manière d’une enquête, permettant au spectateur de contempler à loisir toutes les formes étranges produites par le corps, mais sans avoir à en subir les désagréments car la photo n’a pas d’odeur… Cette fois-ci, le photographe a choisi de travailler sur ce que l’on nomme communément les restes, en d’autres termes sur la merde, sujet ô combien provocant, auparavant exploité dans l’art contemporain à plusieurs reprises. Citons Piero Manzoni et ses boîtes remplies de Merda d’artista. En 1961, Manzoni remplit 90 boîtes de conserve de 30 grammes chacune de ses propres excréments. Elles seront vendues par la suite au prix de 30 grammes d’or selon la valeur de son cours. À noter que ces boîtes se négocient de nos jours à un prix très élevé, environ 30 000 Euros chacune.

En 1977, c’est Andy Warhol qui s’adonne à ce type de pratique avec les Oxidation Paintings. Warhol et son assistant urinent sur des toiles recouvertes de pigments métalliques, provoquant ainsi une oxydation qui colore l’ensemble.
Plus récemment, Wim Delvoye a mis au point Cloaca, une machine créée en 2000 qui représente un tube digestif humain dans lequel sont introduits des aliments en vue de produire des excréments.
Voir http://www.cloaca.be/

Bibliographie sélective
Daniel Arasse, The Morgue, éd. La tête d’obsidienne, 1993
Andres Serrano, Shit – An Investigation, Les Presses du Réel, 2008 (catalogue publié à l’occasion des expositions éponymes présentées simultanément aux galeries Yvon Lambert de New York et de Paris)

Les œuvres d’Andres Serrano sont présentes dans de nombreuses collections de par le monde (liste non-exhaustive) :

CAPC musée d’art contemporain, Bordeaux
Museo Reina Sofia, Madrid
Centro Cultural Arte Contemporaneo, Mexico City
Whitney Museum of American Art, New York
Israel Museum, Jérusalem

http://www.andresserrano.org/
http://www.yvon-lambert.com/


Les Inspirés

Posted: November 27th, 2008 | Author: | Filed under: art sur canapé: exhibition reviews | Tags: , , | No Comments »

ARTISTES EN TRANSE A LA MAISON ROUGE

Pour ce deuxième rendez-vous de la rubrique “Art Contemporain sur canapé”, je souhaitais aller hors des sentiers battus. L’exposition Les Inspirés qui se tenait à la Maison Rouge du 11 juin au 07 septembre 2008 a retenu mon attention. Elle confronte les oeuvres de deux artistes d’époques et de pratiques différentes : sept sculptures de l’artiste contemporain Elmar Trenkwalder, autour desquelles se déploient les peintures d’Augustin Lesage, exécutées au début du XXe siècle et rattachées à l’Art Brut.
Ces artistes sont très peu connus et leur face à face à la Maison Rouge n’est pas une étude comparative, mais plutôt une cohabitation entre deux productions singulières, réalisées par des personnalités inspirées, au sens où l’état de transe guide le processus créatif…

Elmar Trenkwalder (né en 1959)

Il étudie dans un premier temps la peinture à l’Académie des Beaux-Arts de Vienne. Sa découverte de l’argile est décisive : il se forme alors à la sculpture en autodidacte.
Depuis 2004, il conçoit des œuvres en céramique vernissée de plus en plus volumineuses et complexes. Les pièces montrées à la Maison Rouge sont un véritable défi technique, elles doivent être conçues en plusieurs parties afin de ne pas s’écrouler sous leur propre poids lorsque l’argile est encore humide (et donc plus lourde). Elles sont construites niveau par niveau, en commençant par la base. Chacune est réalisée individuellement, en commençant par le moulage d’une plaque d’argile, sur laquelle viennent s’ajouter des éléments en relief. Après la première cuisson, le vernissage, qui donne la couleur dominante et les effets de brillance. La pièce est ensuite recuite.
Cette technique ne permet pas à l’artiste d’avoir une vision d’ensemble de son travail puisqu’il n’y a que des pièces détachées, assemblées sur le lieu d’exposition.
Son travail semble se nourrir d’éléments empruntés à des époques et des cultures assez variées. On trouve des motifs rappelant l’architecture de la Grèce antique, des réminiscences d’architecture gothique, des éléments du Baroque. Trenkwalder s’en explique : “Je me sens comme une sorte d’aspirateur des images du monde. Je transforme ces images, comme dans le travail du rêve.”
Ses œuvres ressemblent à des constructions architectoniques, on pense à des fontaines, des tombeaux, des chapelles… Une profusion décorative caractérise son travail : colonnes, portes, fenêtres, plinthes se multiplient sous nos yeux et incitent à regarder de plus près. Et c’est à ce moment-là que l’on découvre des visages, des corps et surtout, des sexes. Profusion de sexes qui ne sont pas sans rappeler les linguas, ces pierres phalliques dressées représentant Shiva, que l’on trouve en grand nombre sur les temples hindous. Par ces images érotiques, Trenkwalder ne cherche aucunement à provoquer ou à être transgressif, il met en représentation ses fantasmes et ses visions oniriques. Ces images sont produites presque involontairement puisque l’artiste souffre d’épilepsie : “Les crises débutent toujours par des hallucinations, par une activité imaginative très dense, proche du rêve… J’essaie de retrouver les chemins de ces images.” Il est alors pris de spasmes assez violents, qui le plongent dans un état d’inconscience.
L’utilisation d’un matériau peu employé dans l’art contemporain, la technique artisanale et l’hypersexualité rendent l’œuvre de Trenkwalder difficile à classer dans le panorama de la création actuelle. Cette singularité le rapproche en cela de Lesage, lui aussi difficile à classer dans les courants artistiques de son époque.

expo

Vue d’exposition, Courtesy de La Maison Rouge, 2008

Augustin Lesage (1876-1954)

Curieux parcours que celui d’Augustin Lesage, dont le nom est peu connu, exception faite des cercles d’amateurs d’Art Brut.
Envoyé à la mine dès son plus jeune âge, il n’a jamais reçu d’enseignement artistique, pourtant, il a pu embrasser une carrière de peintre médium, rencontrant même un certain succès.
La révélation a lieu en 1911 ou 1912, il aurait entendu des voix alors qu’il travaillait dans la mine, 500 mètres sous terre : “Un jour tu seras peintre !” Effrayé dans un premier temps, il choisit de garder secret ce qu’il s’est passé dans le tunnel. Puis il s’adonne à des séances de spiritisme, persuadé que l’on peut entrer en contact avec des esprits.
Si le spiritisme a intéressé de nombreux intellectuels de la seconde moitié du XIXe siècle, c’est au sein des milieux populaires qu’il se répand à l’époque ou vit Lesage. Le spiritisme séduit à la fois par la possibilité qu’il offre de renouer avec ses morts, mais aussi comme croyance en une vie meilleure dans l’au-delà. C’est lors de ces séances que Lesage prend des crayons de couleur et commence à dessiner de manière quasi automatique. Le tracé est virulent et nul doute que rien de semblable n’existe à cette époque dans l’art dit académique. Seuls les milieux occultes peuvent s’intéresser à cette production.
Les premiers dessins sont des graphies automatiques, abstraites, saturant pratiquement toute la feuille et manifestant une certaine horreur du vide. Certains d’entre eux sont signés “Marie”, du nom de la jeune sœur de Lesage, décédée à l’âge de trois ans. En effet, Lesage affirme n’être “que la main qui exécute” et non “l’esprit qui conçoit”. Il aurait été par la suite guidé successivement par Léonard de Vinci, puis par un grand peintre hindou et plus tard par un peintre égyptien…
Très vite, il délaisse les crayons pour la peinture à l’huile. La première toile mesure près de neuf mètres carrés et lui demande plus d’un an de travail (Lesage peint le soir à son domicile, après sa journée de travail à la mine). Elle se caractérise par des enchevêtrements curvilinéaires et une répétition de motifs géométriques. Il est assez extraordinaire de noter qu’un homme, sans éducation artistique, ni bagage culturel ait pu aller de plain-pied dans l’abstraction, au moment même où des artistes comme Kandinsky ou Mondrian envisagent de leur côté la disparition du sujet au terme d’un long processus de réflexion.
Bien qu’il ait bénéficié d’une certaine reconnaissance de son vivant, Lesage n’a pas connu une grande circulation de ses œuvres. Il a toujours catégoriquement refusé d’en faire le commerce, préférant les céder à des personnes intéressées par le mouvement spirite. Les rares fois où il s’est laissé aller à vendre ses œuvres, il s’est basé sur le salaire moyen d’un ouvrier pour en fixer le prix, c’est-à-dire en additionnant le coût des matériaux à celui de la main d’œuvre.

La Maison Rouge

Située face au port de l’Arsenal, à deux pas de la place de la Bastille, la Maison Rouge est une fondation privée reconnue d’utilité publique à but non lucratif inaugurée en juin 2004. A l’initiative du projet, le collectionneur Antoine de Galbert. La collection d’art qu’il s’est constituée au fil des ans prenant de plus en plus de place dans sa vie, il décide de créer une fondation d’intérêt général, marquant ainsi ses positions et son engagement au sein de l’art contemporain.
Pourquoi la Maison Rouge ?
C’est l’épouse d’Antoine de Galbert qui lui aurait suggéré l’idée : peindre en rouge le bâtiment…
Ce pavillon rouge est situé au centre de l’espace qui était auparavant un vaste atelier de photogravure. L’architecte Jean-Paul Clément (de l’agence Amplitude à Grenoble) a rénové l’ensemble, en prenant soin de conserver le caractère industriel du lieu.

interieur

La Maison Rouge (détail), 2008

Sur plus de 2500 mètres carrés, la Maison Rouge se déploie sur trois niveaux autour de cet ancien pavillon d’habitation qui abrite les services administratifs de la fondation. Les expositions, quant à elles, bénéficient de 1300 mètres carrés.
La fondation a pour but d’exposer de grandes collections internationales, ne privilégiant aucun médium en particulier. Ces collections sont, bien entendu, constituées pour la plupart d’art contemporain, mais pas uniquement, car beaucoup de collectionneurs ont accumulé de l’art brut, de l’art africain ou des objets provenant de certaines civilisations présentes ou disparues.
Elle organise par ailleurs des cycles de conférences, des rencontres avec des collectionneurs. Elle est également attentive aux souhaits des Amis de la Fondation : une fois par an, ses adhérents ont carte blanche pour choisir l’artiste présenté dans le patio.
La Maison Rouge comble un vide dans le paysage culturel en France : trait d’union entre la monstration muséale d’acquisitions publiques choisies de manière anonyme par des commissions de fonctionnaires de la culture et les choix subjectifs d’un collectionneur prenant tous les risques : tant intellectuels que financiers.

Antoine de Galbert

Être collectionneur, c’est acheter au-delà de sa capacité d’accrochage.”
Né en 1955, il est l’un des héritiers du groupe Carrefour. Diplômé en Sciences Politiques, il a travaillé dans un premier temps dans la gestion des entreprises. Autodidacte en matière d’art contemporain, il ouvre à Grenoble une galerie pendant une dizaine d’années, et commence une collection “qui prend de plus en plus de place dans sa vie.
Lorsqu’il fonde la Maison Rouge, il dissocie sa collection, qui, selon lui, ne méritait pas un lieu à elle seule, de la fondation : “La fondation a une certaine pérennité maintenant, elle peut continuer après moi alors que la collection, c’est une entité mouvante, si je suis ruiné, elle peut être vendue, c’est quelque chose de beaucoup plus fragile.
Tout collectionneur passerait par trois étapes : il achète des œuvres pour orner son intérieur dans un premier temps, puis continue l’acquisition, allant au-delà de la surface d’accrochage dont il dispose (posant parfois les oeuvres à même le sol) et enfin, s’il le souhaite, il dépose les œuvres dans un musée.
Comment choisit-il les pièces dont il fait l’acquisition ?
Quand on collectionne beaucoup, on a le problème de choisir les oeuvres avec lesquelles on va vivre, on ne peut pas vivre avec toutes ! Et donc, la seule possibilité, c’est un choix un peu inconscient, c’est-à-dire, ce n’est pas nécessairement la plus chère, la plus connue. C’est davantage un acte intuitif.”
Remerciements à l’ensemble du personnel de la Maison Rouge, et plus particulièrement à Laurent Guy.

http://www.lamaisonrouge.org/


Richard Avedon

Posted: November 27th, 2008 | Author: | Filed under: art sur canapé: exhibition reviews | Tags: , | 1 Comment »

À l’occasion de la première grande rétrospective de Richard Avedon en France, qui se tient au Jeu de Paume jusqu’au 28 Septembre, Adeline Wessang évoque dans un premier temps la visite de l’exposition et revient ensuite sur le parcours du photographe.

RICHARD AVEDON AU JEU DE PAUME
Il est presque 20 heures ce lundi 30 juin lorsque j’arrive au jeu de Paume en compagnie de mon amie Margherita Balzerani. Le soleil inonde généreusement la place de la Concorde, la lumière est magnifique. Une file d’attente assez chic s’enroule autour du bâtiment : le Jeu de Paume distribue beaucoup de cartons d’invitation pour ses vernissages… Nous fendons la foule.
La visite démarre au rez-de-chaussée et se termine à l’étage. L’enfilade de salles propose un agencement des œuvres de manière thématique. Le parcours s’ouvre sur les photographies de mode, celles que nous connaissons tous : Dovima avec les éléphants, posant en robe du soir Dior au Cirque d’Hiver en 1955.

avedon-4

Dovima avec les éléphants, 1955, Courtesy of the Richard Avedon Foundation, NY

Effectivement, l’accrochage prend le parti d’amener petit à petit le spectateur vers les aspects les moins connus du travail de Richard Avedon.
Marta Gili, directrice du Jeu de Paume confie : « A mon sens injustement rangée du côté du glamour, de la célébrité et du pouvoir, l’œuvre de Richard Avedon témoigne au contraire d’un parcours artistique riche en positions critiques sur la photographie, la représentation du réel et la construction identitaire. »
Les salles se succèdent avec les portraits de célébrités puis les années 60. Derrière une cimaise en forme de paravent nous découvrons quelques images de son père, Jacob Israël Avedon, montrées ici de manière discrète.
À l’étage est présentée la série In the American West qui est probablement moins connue du grand public. Des portraits monumentaux nous font face de part et d’autre. Tous les personnages nous regardent droit dans les yeux. Cette frontalité en noir et blanc s’accorde parfaitement avec la sobriété de l’accrochage. En effet, pas de surenchère décorative, les cartels sont discrets, parfois même juste signifiés par un puits de lumière.

avedon-2
Red Owens, 1980, Courtesy of the Richard Avedon Foundation, NY

La plupart du temps, les sujets prenaient la pose à la lumière du jour, dans un champ ou devant un camion, un panneau blanc avait été au préalablement disposé en arrière-plan par Avedon. Les contrastes sont très forts, mettant en valeur les détails comme les taches de rousseur de ce jeune fermier de l’Idaho (Jay Greene, 1983) ou encore les traces de pétrole qui maculent le visage de cet ouvrier (Red Owens, 1980).
Les salles de l’exposition semblent envahies d’un silence ouaté. Pour cette galerie de portraits sur fond blanc, Avedon a délibérément choisi d’occulter l’environnement immédiat. Tout ce qui est bruyant  (tracteurs, outils, machines à écrire…) n’apparaît pas à l’image, au profit de ce fond blanc. Le blanc est, paraît-il, la couleur du silence.

RICHARD AVEDON : UN PORTRAIT
(1923-2004)

avedon-1
Autoportrait, 1980, Courtesy of the Richard Avedon Foundation, NY

Il est né en 1923 au sein d’une famille juive d’origine russe vivant à New York. Son père, un amateur de photographie éclairé, l’initie à la discipline. Agé de 10 ans, Avedon réalise son premier portrait : le pianiste Sergueï Rachmanivov, qui vit dans le voisinage. À 19 ans, il passe deux ans dans la marine marchande au service des photos d’identité.
En 1944, alors qu’il travaille comme photographe publicitaire pour un grand magasin, il est remarqué et débauché par le directeur artistique du célèbre magazine de mode Harper’s Bazaar. Il se rend à Paris pour photographier les collections de haute couture française, il le fera jusqu’en 1984.
Deux ans plus tard, il est à la tête du département photo du magazine.
Richard Avedon se démarque des autres photographes de mode en insufflant de la vie à ses modèles : ils rient, ils sourient. Ils agissent. Ils ne sont pas figés. Avedon est le premier à placer les mannequins dans les lieux publics tels que les magasins, la rue, les restaurants. Il veut donner l’impression que ses photographies sont prises sur le vif.
En 1966, il quitte Harper’s Bazaar pour rejoindre Vogue. Il y restera jusqu’en 1990. Il entame à ce moment-là une série de reportages. Il se rend dans des hôpitaux psychiatriques et photographie les patients internés. Il documente également les manifestations de protestation à l’égard de la guerre du Vietnam en 1969, et se rend sur place en 1971 afin de réaliser des portraits de responsables militaires et de victimes du napalm.
En 1967, il réalise deux séries de portraits des Beatles. L’une se compose de 4 portraits colorés au moyen d’une solarisation, c’est-à-dire une très forte surexposition de la pellicule. Au développement, l’image négative est inversée et persiste à rester sur l’image obtenue et donc à coexister avec l’image positive. Ces portraits très colorés s’intègrent parfaitement dans la mouvance psychédélique de l’époque.
L’autre série, en noir et blanc, montre chacun des membres vêtu de noir et posant sobrement devant l’objectif. Cette série sera d’ailleurs incluse dans le White Album, qui sort l’année suivante, en 1968.
Sa renommée croissant, Avedon photographie de nombreuses personnalités : Marilyn Monroe, Allen Ginsberg, John Ford, Andy Warhol, William Burroughs, Truman Capote, Rudolf Noureyev, Joan Baez, George Bush, Bob Dylan…
Ses portraits se caractérisent par une grande sobriété, le noir et blanc est préféré à la couleur et de manière générale, le sujet est présenté de face sur un fond blanc, et regarde directement l’objectif, établissant un rapport direct avec le spectateur.
En 1974, il expose au Musée d’art moderne de New York (MoMA) une série de portraits de son père alors atteint d’un cancer. Il réalisait des portraits de son père depuis quelques années. Lorsque l’on visionne toute la série, on voit le visage s’émacier davantage au fur et à mesure que les images défilent. Une illustration à la fois intimiste et émouvante du caractère inexorable du temps qui passe. Avedon utilise beaucoup les grands formats, dépassant parfois 1 mètre de haut. La série In the American West est consacrée aux cow-boys, pécheurs et mineurs du grand Ouest américain. C’est en 1979, à la demande du Amon Carter Museum à Fort Worth (Texas) qu’il se lance dans ce projet qui l’occupera 6 années durant. A terme, 125 portraits de gens ordinaires vivant dans l’Ouest des Etats-Unis.
Les travailleurs sont la plupart du temps montrés dans leurs vêtements de travail, qu’ils soient foreur pétrolier, ouvrier ou femme de ménage. Il s’agit quasiment d’une œuvre sociologique, évoquant ainsi le travail de photographes tels que Walker Evans ou Dorothea Lange qui avaient documenté la pauvreté dans les milieux ruraux après le krach de 1929.
Dans la série In the American West, les sujets se détachent sur un fond blanc et fixent tous l’objectif. Le spectateur est frappé par le traitement des modèles : c’est le même que celui qui est réservé aux personnalités. Avedon a d’ailleurs été vivement critiqué lorsque ces photographies sont parues. En effet, on lui reproche de montrer la face cachée des Etats-Unis, celle qui est moins flatteuse.

avedon-5
Appartement de Richard Avedon, photographié par Andrew Moore

“Mon sujet n’est pas l’Ouest ; j’aurais pu faire ces photos en n’importe quel lieu du monde. Ces portraits parlent des gens, comme tout ce que je fais. Peu importe l’Ouest.” Richard Avedon
Richard Avedon reçoit de nombreux prix pendant sa carrière : International Center of Photography (1993), Prix Nadar (1994), médaille du 150e anniversaire de la Royal Photographic Society (2003).
Il réalise l’édition 1997 du calendrier Pirelli.
En 2004, il est frappé d’une hémorragie cérébrale alors qu’il travaille sur le projet Democracy qui montre les préparatifs des élections présidentielles prévues cette même année. Il se rend aux Conventions de Boston et New York, voyage au Texas et au Nevada et va même jusqu’à San Francisco. Ce portfolio reste inachevé.
La Richard Avedon Foundation est créée l’année suivante.

Bibliographie sélective
Observations, texte de Truman Capote, New York, Simon and Schuster, 1959
Nothing Personal, texte de James Baldwin, New York, Atheneum, 1964
Portraits, texte de Harold Rosenberg, New York, Farrar, Straus & Giroux, 1976
In the Amercian West 1979-1984, New York, Harry N. Abrams, 1985
Avedon the Sixties, textes de Richard Avedon et Doon Arbus, New York, Random House, 1999

avedon-6
Appartement de Richard Avedon, photographié par Andrew Moore

The Richard Avedon Foundation
25 West 53rd Street, New York 10019
Tel : +1 212 581 5040
http://www.richardavedon.com/

Richard Avedon : Photographies 1946-2004
du 01 Juillet au 28 Septembre 2008
au Jeu de Paume, site Concorde
1, place de la Concorde
75008 Paris
le mardi de 12h à 21h
du mercredi au vendredi de 12h à 19h
samedi et dimanche de 12h à 19h
fermeture le lundi
Tel : +33 (0)1 47 03 12 50
http://www.jeudepaume.org/