Simon Kerola

Posted: January 22nd, 2019 | Author: | Filed under: interviews | Tags: , , , | No Comments »

It is important to create stories for yourself
Simon Kerola

During Paris Photo fair last November, I had coffee with photographer Simon Kerola while he was spending a couple of days in Paris. He had a picture exhibited at Image Nation during Paris Photo and was enjoying time off.

What is a typical day of work?
It’s strange you know because I used to wake up,  leave my house and go to work. But nowadays I just wake up, make some coffee and go downstairs and my office is right there. Going through what’s new is always first on the list and then I just keep pushing on different projects and ideas. 
I try to check out at least one location a day. Sometimes they are new places or places that I already visited but I want to experience its difference in light. 

Who are the people in your photographs? Are they close to you?
They are people I see or meet, friends from friends. It is not really about who the person is, it is more about the characteristics: how he or she looks, behaves… Creating a character is important for me. I am trying to stay somewhat far from fashion photography but leaving it open. 

On your Instagram account, the name is Johnny Keethon, is it an alter ego?
There were a lot of abandoned houses in the neighborhood where I grew up. And there was this one house, in particular, the common family villa but really strange. I went there when I was younger, to smoke cigarettes, hang around, and eventually start taking photos. It said ‘Keethon died here’ on a kitchen cabinet. A few years later the house was gone and when I made my Instagram the name Keethon came to use and put together with the first name Johnny. I choose that name with the meaning it could be anyone. Just like Keethon.

As a photographer, were you influenced by movies?
I never watched a movie and told myself ‘I want to do the same thing for my own work’. My photographs are pieces from my everyday surroundings put together into what you see.
But since I’ve watched a lot of them, I think it plays its part. 
When I started doing photography, I discovered other works from people like Kyle J. Thompson. These images of abandoned America gave me a feeling that was the first introduction to where I wanted to take my passion. 

I was struck by the use of color in your pictures, somehow it looks eerie.
I remember reading ‘to print as a painter’ giving myself a completely new mindset for everything I did with my work from that point. 
I worked my way towards the idea of what a painting looks like. A lot of happy mistakes took me there. The photograph possible to achieve this color with is instantly noticeable when first going through developed rolls. It doesn’t work every time. 

Which camera do you have?
I have a digital Canon 5D Mark II that barely works and a Contax G2 that is a recent buy. I got a broken wrapped up in tape Canon A-1 that I rarely use, but is hard to throw away because of it’s amazing light leaks!

What about your current projects?
When I look at my work, I see differences with what I was doing a year ago and now. And that’s the kind of progression I expect myself to see every year, hopefully. 
This kind of development leaves me with more knowledge and much more care about what I do. Projects are starting to take a longer time for me these days because I get really selective in what is worth doing. And how to put perfection into everything. 
It’s all a struggle but I can’t see myself doing anything else.

Simon Kerola lives and works in Sweden.

Brian Finke

Posted: July 3rd, 2018 | Author: | Filed under: interviews | Tags: , , | No Comments »

There is a lot to say…
Brian Finke works mainly on U.S. subcultures.
His work is featured in the pages of The New York Times, Wired Magazine, National Geographic, The New Yorker, Esquire and Newsweek.

We met in Paris, where photojournalism has deep roots with Magnum agency. While studying photography, were you influenced by these documentary pictures?

Yes. I first fell in love with photography through the work of W. Eugene Smith. I was in high school taking a ton of photography classes and a teacher recommended that I check out the book Let Truth be the Prejudice. It was a collection of Eugene Smith’s life’s work, along with the photographs also included were all the correspondences and letters that he wrote to family members while traveling and photographing. The whole life style was extremely inspiring.

I feel like I come from a generation of photographers that were inspired to become photographers from seeing previous photographers work. And the process of documentary photography really spoke to me: a story being told, being out in the world having experiences and all the learning that takes place along the way. Being a photographer is a very rich life.

What do you prefer: commissioned works or personal stuff?

The right balance of both is ideal. Doing personal work, publishing books, doing exhibitions, is what propels my assignment work and what leads to my most interesting commissions. My first book American Cheerleaders & Football Players, focusing on athletes lead to assignments with W+K for Nike. I remember the AD saying while I was shooting women runners, that’s it’s just like my cheerleading photographs. I love that connection. And it’s continued through all my books. My Flight Attendants book lead to photographing campaigns for Delta Airlines and Air New Zealand. My Construction book to campaigns for Mobil with BBDO photographing truck drivers down South. U.S. Marshals book to photographing gun related stories and an amazing assignment for Wired magazine about John McAfee. And most recently my Hip Hop Honeys book, getting an assignment for W Magazine to photograph Rihanna’s pool party at Coachella.

Also creatively having both commissions and personal work is the best. I really enjoy how assignments are always sending me out in the world, having new experiences and being introduced to new subject matter. It feels great to get on a plane, arrive to a new place, start exploring and photographing. Recently I went to Haiti on assignment for AFAR magazine to photograph a story about a local rum called Clairin. I was shooting at these small distilleries out in the woods with dirt floors where the production was taking place, then bars in the city, also at voodoo ceremonies that incorporate the drink into their ceremonies. The assignment was an incredible way to see Haiti. That commission along with a few others over the past few years for publications like National Geographic photographing the history of booze, are leading to a book about alcohol around the world.

My guess is that you must devote yourself during quite some time for most of these projects. Possibly months or years. The series Flight Attendants is pretty amazing in that way, it caught my eye years ago. Was the whole setting process difficult, asking clearance etc.?

The Flight Attendants series was shot over three years, on an off in-between assignment and family life. To get access with airlines I would pitch travel and fashion stories to magazines. It was a time when airlines were hiring high-end designers to designer their uniforms. I photographed the Christian Lacroix uniforms designed for Air France. Through putting together a long list of airlines I would approach the PR departments pitching magazine stories, the airlines would either right away be totally into it, seeing the value of the press or want nothing to do with it. In the end I photographed approximately 20 airlines around the world to make up the book.

Apart from your books, do you sell your pictures through your art dealers? I saw your work on artnet as well.

I exhibit with ClampArt gallery here in NYC, just had my sixth show at the gallery to coincide with my latest book entitled Hip Hop Honeys. I’ve also exhibited with galleries in Paris, Amsterdam, Los Angeles and Chicago. It’s an important creative outlet showing the images across many different platforms, from galleries, to magazines, books, and online. Each venue requires a new way interrupting the work and reaches a new audience.

Looking at your series on food or alcohol, you succeed in making them not boring at all. How did you do that? By shooting it the same way than people?

I appreciate that, it’s great to hear. You’re exactly right, I do approach food and drink in the same way as photographing people. I’m interested in capturing a moment, people interacting with the food and drink, weather that being shooting food deconstructed, being eaten, drinks being poured, toasting, anything that creates a moment that brings it to life.

Some photographers say photography shows the truth. Do you agree?

I think that’s too simple of a question … My photography shows my interpretation of the truth. The whole truth is everything. For example when telling a story with images only a select number of moments can be shown, all of which are my choice, but there were of course so many more. This question can be interpreted many ways.

I’d say when referring to an individual photograph my images very much show the truth, they are very straightforward and immediate. The flash highlights all the information in the photograph in great detail and when taking a photograph I like to be very close, sharing the same space, with who I’m photographing. Every little detail is revealed in my photographs.

What is a typical day of work?

A typical day is getting on a plane to fly somewhere to photograph. Last week it was Kentucky and Texas, recently it’s been Kyoto, Japan and Dubai. It’s what I love about photography, it’s always something new. When I’m not traveling I’m researching personal shoots and handling the day to day of being a freelancer.

Could you live in another place than New York City?

With frequent travels, I haven’t felt the need to live any other place. But after NYC being home for 25 years now, a little change could be good at some point. Maybe LA, Austin, Paris, Tokyo, somewhere in Italy or Spain. Who knows…? Someplace different at some point would be fun.

 The last word of the interview would be for you Brian.

Oh no. I have to think of the last thing to say .. That’s way too much pressure .. I have really enjoyed speaking, sharing my two cents worth. Photography and the experience of photographing makes for a really wonderful and very fortunate life, which I am immensely grateful.

American photographer
Lives and works in New York City


Hamid Rad

Posted: May 3rd, 2018 | Author: | Filed under: interviews | Tags: , , | No Comments »

La silhouette profilée se détache sur un fond bleu et la surface de l’eau, toute proche, se laisse deviner par les rayons du soleil qui transpercent la surface. Il s’agit d’un requin bleu et l’image apparait sur le compte instagram du photographe Hamid Rad.
La photographie sous-marine s’est considérablement démocratisée tout au long de ces dix dernières années. L’allègement du matériel requis, la diminution du prix d’un caisson et la diversification des loisirs ont rendu possible cette évolution. Désormais plus accessible, le monde sous-marin n’en finit pas néanmoins d’exercer cette fascination sur les hommes. On se souvient bien entendu du roman d’aventures de Jules Verne Vingt mille lieues sous les mers ou plus récemment des émissions du Commandant Cousteau qui ont permis de mieux faire connaître le monde sous-marin et les espèces qu’il abrite.
Aujourd’hui, si l’idée d’une « planète Mer » commence à faire son chemin, on ne peut pas s’empêcher de penser que la situation écologique est assez dramatique et qu’il est important, voire primordial de regarder ces images en ayant en tête la préservation de la vie marine.

Entretien avec Hamid Rad, photographe et vidéaste basé à Paris.

Comment vous êtes-vous retrouvé à l’autre bout du monde pour étudier les espèces sous-marines ?
J’ai grandi à Nice, ce qui m’a permis d’avoir un contact avec la mer en étant très jeune. A l’âge de dix ans, je suis parti vivre à Paris où j’ai fait des études de géographie et ethnologie par la suite. Je ne voulais me tourner vers le professorat; une carrière académique ne m’intéressait pas. Vers trente ans, j’ai eu envie de me rapprocher de la mer et je suis parti faire du volontariat au Mexique où j’ai travaillé pour une ONG.

Et c’est à ce moment précis que vous commencez à faire de la photo ?
Oui, en pratiquant la plongée, j’ai eu envie de faire des images du monde sous-marin même si je n’avais aucune formation. Petit à petit, j’ai pu acheter du matériel photo de meilleure qualité. J’ai commencé au Mexique, puis je suis allé en Amérique Centrale, et dernièrement j’ai passé beaucoup de temps aux Seychelles et aux Maldives.
La photo sous-marine consiste principalement à illustrer des magazines. En général, les images sont très colorées et très éclairées, ultra saturées si vous préférez, assez difficiles à lire finalement. Et j’ai préféré suivre mon instinct, c’est à dire privilégier une image plus simple, avec des silhouettes ou deschoses plus figuratives. Je voulais que ceux qui ne sont pas familiers avec le monde sous-marin puissent reconnaître les espèces représentées.

Sur votre site Internet, on découvre une série de photos prises en Iran.
Je ne faisais pas de photo hors de l’eau à cette époque. Lorsque j’ai eu quarante ans, j’ai décidé de me rendre dans mon pays d’origine. J’avais quitté l’Iran quand j’avais un an et je n’y étais jamais retourné. Mes parents ont fui la révolution mais sont repartis vivre à Téhéran depuis. C’était certainement symbolique pour moi. C’est un pays magnifique, assez mystérieux. J’ai eu envie de prendre en photo ce que j’avais sous les yeux, et faire des portraits principalement. Au début, c’était assez difficile : il y a le regard des gens. Et puis je ne voulais pas être intrusif ou voyeuriste.

Vous utilisez le même appareil, qu’il s’agisse des photos sous-marines ou en extérieur ?
Oui. J’ai un Canon 5 D. C’est un appareil très pratique, qui permet de faire des grands tirages. J’utilise l’objectif fisheye qui permet d’avoir un angle très large.

Quelles sont selon vous les qualités requises pour faire de la photo sous-marine ?
Plus on descend en profondeur, plus les couleurs disparaissent. Donc il faut de la lumière pour éclairer sous l’eau mais en prenant garde à ne pas surexposer. C’est assez complexe et puis il y a énormément de particules qui scintillent. Une photo sous-marine n’a rien de spontané ! (rires). Outre les compétences techniques, qui sont indispensables en photo sous-marine, je pense qu’il faut avoir l’œil tout simplement. Je suis captivé par les formes simples comme les silhouettes de poissons ou ce genre de choses. C’est pour cette raison que j’aime beaucoup le noir et blanc. C’est plus graphique, ça fait appel à notre imagination. Le travail de Nick Brandt m’a inspiré, sans aucun doute : ses photos en noir et blanc de lions dans la savane. Rien à voir avec ce qu’on trouve dans les pages de National Geographic – qui sont de très belles images par ailleurs.

Il faut également essayer de ne pas effrayer les espèces…
Effectivement. Il faut prendre le temps d’observer, rester calme, comprendre son environnement. Il y
a un aspect très aléatoire dans la photo sous-marine.

Vous avez plongé avec des requins. Est-ce que vous avez déjà eu peur sous l’eau ?
Pas vraiment. Au-delà du plaisir que j’éprouve en faisant ces images, je me suis rendu compte que ces animaux sont éphémères. Nous sommes certainement l’une des dernières générations à pouvoir observer des espèces telles que les raies manta, les requins baleines, qui deviennent de plus en plus rares. Pour moi, c’est une façon de témoigner. Le requin est un bon exemple puisqu’il est constamment menacé. La perception des gens commence à peine à changer. On ne le voit plus nécessairement comme un animal dangereux ou comme une menace qu’il faut éliminer. C’est un animal assez timide en réalité. Mais pour répondre à votre question, je ne me suis jamais senti menacé par un animal en étant sous l’eau.

Que pensez-vous de la démocratisation de la photo sous-marine ?
Plus de gens, cela signifie plus de menaces sur l’environnement. Mais cela me semble important que les gens aient accès à ce monde pour le comprendre et le respecter davantage.
En ce qui concerne la photo sous-marine à proprement parler, cela ne veut pas dire qu’il y aura davantage de meilleures photos. Au contraire, on voit toujours les mêmes images ultra saturées. Je me suis désabonné de certaines pages Facebook dédiées à la photo sous-marine parce que j’en avais assez de voir des images de tortues au loin avec la main d’un plongeur au premier plan.

Faut-il être un plongeur aguerri pour pouvoir vous suivre ?
Le premier niveau permet de descendre à dix-huit mètres et c’est largement suffisant pour observer les poissons ou le corail. La plupart de mes photos sont prises entre zéro et vingt mètres environ où la luminosité est idéale pour permettre une grande diversité d’espèces.
C’est vraiment la découverte d’un nouveau monde, en trois dimensions, un environnement dans lequel on est contraint de se déplacer moins vite, on respire plus lentement. Pour moi, le monde sous-marin est le dernier lieu sauvage car rien ne rappelle l’humain. C’est magique.

On parle de “monde du silence”. Il n’y a vraiment aucun son ?
Nous ne les percevons pas mais il y a beaucoup de bruits sous la surface de l’eau en réalité. Les poissons coraliens par exemple émettent des sons pour se repérer, une sorte de brouhaha qui est à peine perceptible. Donc ça reste un monde du silence relatif pour nous humains.

Quel spectacle vous a le plus émerveillé ?
Il y a un archipel en Indonésie qui s’appelle Raja Ampat, un triangle coralien avec une diversité d’espèces sous-marines absolument incroyable. Imaginez un ballet permanent de poissons colorés.
Complètement enivrant… Je tremblais tellement j’étais émerveillé !

site Internet :
sur instagram : hamidradphoto

Yan Morvan

Posted: November 8th, 2016 | Author: | Filed under: interviews | Tags: , , | No Comments »

Un café avec Yan Morvan


On a beaucoup parlé de Yan Morvan aux dernières Rencontres de la Photographie d’Arles. Il y présentait les Champs de Bataille. Un travail entamé en 2004 pour lequel il a parcouru le monde muni de son trépied et de sa Deardoff 20x25cm à la recherche des lieux où s’est déroulé un conflit armé ou une guerre. De Verdun au Mexique, en passant par l’Espagne et les Etats-Unis, il a rassemblé 430 images qui ont la particularité d’évoquer la guerre sans la montrer de manière frontale. Son travail invite plutôt à une réflexion plus globale sur l’Histoire.
Comment le présenter ? Photoreporter de guerre serait trop réducteur.
Il s’intéresse au chaos, à la violence, qu’elle soit manifeste ou juste suggérée. La série Blousons noirs avait choqué au moment de sa publication. Le sentiment de transgression est véhiculé par les photos de ces loubards en noir et blanc prises à la volée, dans l’action.
Il y a du Danny Lyon chez Morvan, car tout comme le photographe américain, il prend le temps de suivre ceux qu’il documente. Il en fait l’expérience. Il a passé près de trois ans avec ces bandes de rockers marginaux et les Hell’s Angels. Le résultat est époustouflant.
Je retrouve Yan Morvan à une terrasse du Marais, non loin de la galerie Thierry Marlat où est exposée la série de photos en noir et blanc sur les blousons noirs.

Le livre sur les blousons noirs sort prochainement.
J’ai déjà publié trois livres. Le premier s’appelait Le Cuir et le Baston, au moment où je suivais toutes ces bandes. C’était un livre de textes incluant un cahier de photos de seize pages; à l’époque l’édition de livres de photos était assez rare en France. Ensuite j’ai publié un deuxième livre, Gang, qui documentait les années 75 à 95. Le point d’orgue de l’ouvrage était mon enlèvement par Guy Georges. Et enfin Gangs Story. L’histoire de ces bandes est indissociable des vagues d’immigration en France.

La page Wikipédia qui vous est consacrée vous présente comme un photojournaliste de guerre.
On dit “Yan Morvan est sulfureux”. Je suis un peu comme un Pygmalion, chaque journaliste a tendance à me mettre dans une catégorie : ça va de l’intellectuel cynique au va-t-en guerre. Donc tout ça est très relatif puisque cela dépend de la personne que j’ai en face de moi. On a écrit que j’avais pris des balles, ce n’est pas le cas; je n’ai jamais été blessé.
Après la sortie des Champs de Bataille, qui m’a apporté une certaine notoriété, j’ai eu envie de faire quelque chose de plus personnel. Blousons noirs tel qu’il sort aujourd’hui est ce que j’avais en tête il y a quarante ans. Ce n’est pas un livre sur les gangs à proprement parler mais c’est un travail politique sur la fracture sociale de la société.

C’est un travail qui traite du déracinement.
Tout à fait. J’avais vingt ans, j’étudiais à la fac de Vincennes. Dans les années 70, les journaux ne publiaient pas de reportages sur le prolétariat. Je documentais un phénomène que personne ne comprenait à l’époque. Ces gens étaient en rupture avec la société, ils n’avaient pas fréquenté les bancs de l’école, ils portaient des croix gammées pour faire chier le monde. Ils allaient chercher des symboles de toute puissance sans en connaître la signification. C’est un comportement typique chez ceux qui sont en perte de repères. N’oubliez pas qu’à l’époque, la photographie sociale ne s’intéresse qu’au monde ouvrier et aux manifestations. Mais ce n’était pas du tout mon truc.

Parlez-moi de vos débuts.
J’ai étudié les maths mais je voulais faire du cinéma. L’un de mes profs m’a mis en contact avec le journal Libération et je me suis retrouvé à faire des photos pour eux. Donc j’ai fait de la presse pour gagner ma vie. J’ai documenté la guerre pendant longtemps, ça ne me dérangeait pas. Et finalement, la photo me convient mieux. Certains vont hurler mais la photo est plus complexe que le cinéma d’une certaine manière. Une photo doit rassembler toute une histoire en une seule image.

Alors que le cinéma déroule l’histoire…
Je présume que vous avez appris la photo par vous-même ?
Les écoles de photo n’existaient pas à l’époque. J’ai tout fait à l’instinct, sans être “pollué”. Je n’avais rien vu avant. Il y a des images dans les blousons noirs qui sont d’une violence et d’une spontanéité que je ne retrouverai probablement jamais.

J’ai entendu dire qu’il y a une histoire de bague à l’origine de votre incursion chez les blousons noirs…
C’était en juin 75. Je vendais des bagues sur la place du Tertre à Montmartre et j’ai croisé ce gars tout maigre avec son Perfecto en simili cuir et ses badges. Je l’ai suivi un moment avant d’oser l’aborder. Il accepte de poser et c’est le début d’une aventure chez les blousons noirs qui va durer trois ans. La grande majorité d’entre eux est issue de l’immigration. Ils vivent en périphérie chez leurs parents et se retrouvent le samedi soir pour une virée sur les Champs-Elysées ou dans un bar. Ils sont dans un état de révolte permanent, armés d’une simple chaîne de vélo ou d’un cran d’arrêt.

J’ai l’impression que votre travail porte sur la violence : elle est présente en filigrane sans être montrée de manière manifeste.
C’est difficile de vous répondre. En tout cas, la question que je me pose c’est “pourquoi je fais ça ?”. Pour moi, le monde est un chaos et l’homme est un loup pour l’homme. Les gens ne s’en rendent pas compte parce qu’ils sont préservés dans leur vie quotidienne.
J’ai été condamné à mort deux fois. Mais je suis toujours là !

Vous êtes un inconditionnel de l’argentique.
Oui, depuis toujours. J’ai quelques appareils numériques mais je l’utilise comme des gadgets. Les blousons noirs ont été faits au Leica en noir et blanc. Nous avons rassemblé toutes mes planches contact pour le livre. Et pour l’exposition à la galerie, nous avons utilisé un procédé de tirage assez inédit. La subligraphie est une technique de reproduction d’images de très haute qualité sur des matériaux durs recouverts d’un vernis polyester. L’impact visuel est saisissant.













Merci à Thierry Marlat (Galerie Thierry Marlat), Pierre Fourniaud (la Manufacture de livres) et Yan Morvan

Toutes les images sont reproduites avec l’aimable autorisation de Yan Morvan

Mathilde Veyrunes

Posted: October 20th, 2015 | Author: | Filed under: interviews | Tags: , , | No Comments »


One of your project, a film titled The Run, was shot in San Francisco while you were living there.
How did you end up living in San Francisco?

Seven years ago I started reading a book by Richard Brautigan, Trout Fishing in America, written in 1961. It depicted North California mainly. Then I started to think, ‘I should go there’. I first came in 2009, I was on holidays and I stayed a few days in San Francisco. I was on a road trip, and I drove also to Death Valley, Las Vegas…
But my goal was to come back to San Francisco. Also for its musical scene – both from the past and from today.

San Francisco is also heavily depicted in the movies. Did it play a role?

I think so. I was struck by Norman Foster’s film noir from the 1950s, Woman on the Run. And it influenced me for my project called The Run. It is a black and white movie about a woman looking for her husband all over the city as he disappeared. The more she discovers San Francisco, the merrier she founds herself.
I wanted to create a portrait of the same character today. It allowed me to tell a different story with additional personal content.

When I think about San Francisco and the movies, I end up with the same idea: San Francisco is a character. The city is “the” character.

I see what you mean. San Francisco is one of the main characters of my film The Run. Like many artists I was attracted by its energy, and movies like Vertigo, Zodiac, Chan is missing, The Conversation, The Game…made it in a way. You can’t avoid the background set which is San Francisco. I tried to use it as a set as well.


You studied at Fine Arts School. I was wondering if you specialized in video.

Yes I focused on video for my diploma, and before that I studied photography and writing.

You write, direct and produce your films. Did you choose to become a filmmaker while studying there?

I think I was 20 something, already in that school. Discovering David Cronenberg and David Lynch had a huge impact on me.
Around the same period, I found out my dad used to love the same directors. So I enjoyed watching a lot of movies at home. From that time cinema became important – as I did not really care before.

So it was obvious: you wanted to direct movies.

Yeah. I remember telling my friends I want to make films. Like a statement you know.
But it mattered for me to complete my studies. I took profit of the video class. I started to do installations with videos. I wanted to learn from that device.

Photography seems important for you as well.

I think so. I studied both photography and video.
And photography is video without motion, right?
My first pieces looked very much like photography: fixed shots, and there were no characters. It took me some time to include characters -or life if you prefer – and possibly tell a story if I can say so.


How much did you learn from this medium? I mean how much is the training and how much is you?

I was glad because I was not trained to learn technics. I learn everything about video by myself. Except for the editing, we had a studio at school for post production and people who were good at it. And I learned from them. But I wasn’t taught how to direct a movie, which is good I think. I just grabbed a camera and I was trying to do things. In the beginning I did some shots in the dark and there was a lot of noise in my pictures. At first, I was disappointed but then I became more interested in it. These accidents are good in a way.

What kind of camera do you use?

I use a Canon Mark III, I bought it three years ago when I got a grant from the DRAC. My goal was to learn more technical stuff as well. And the challenge is to make images at night. And I use Avid technology for the editing.

When I first looked at your website, I was intrigued by a series of old photographs called The Oversights. Where are they coming from?

I found them while I was in Los Angeles for a few days. It was in a shop selling old stuff and a lot of photographs from the 1950s. There were all disordered in huge boxes, obviously from different families photographs. I took photographs I liked and I guess I was interested in making connections between them. They already tell a story, I am just using them for something different. It is a work in progress as I could get more like these.


Could one of these pictures become the starting point for a new project of yours?

Yeah sure, why not? I think I bought these in the first place because I was interested in doing a film in Los Angeles. So it was a kind of portrait of the city in that time. Maybe they are the first clues for something. We’ll see (laughs).

You also have an ongoing musical project.

I am writing songs on my own with my guitar before working on the arrangements with other musicians. It is what we usually call folk rock music. I started this work last year with a guitarist, we used to be called Sailor, but right now it is just me.

What about your current plans?

I am still doing research on the 1950s area. The last book I read was Minor Characters by Joyce Johnson. She is a writer from the Beat Generation and she wrote this book about her friends from this period, mainly about Jack Kerouac. I am very interested in the research of identity, like these writers. I would like to go back to San Francisco to make another film.


Mathilde Veyrunes lives and works in Paris.

Léo Dorfner

Posted: July 8th, 2015 | Author: | Filed under: interviews | Tags: , , , | No Comments »

If I thought about Léo Dorfner (in some attempt to define his work), I would come with two pictures: drawing and Gitanes cigarettes. Speaking of cigarettes, he keeps his packs and draws some of his favorite albums artwork on it. It ranges from Queens Of The Stone Age to Elvis Presley, including Serge Gainsbourg and David Bowie among many others.
He is working with digital photography, Polaroid, drawing and watercolor painting. He usually takes pictures first and works from them. Watercolor painting has an immediate effect: no remorse is allowed. He is also the man behind Branded magazine.
He is currently living and working in Paris. He is represented by Anouk Le Bourdiec gallery.

smoke_petitsmoke signals, watercolor, pencils and felt pen on Gitanes packs

What is your idea of perfect happiness?
A full wine cellar
What is your greatest fear?
What is the trait you most deplore in yourself?
My shyness
What is the trait you most deplore in others?
Which living person do you most admire?
What is your greatest extravagance?
Art books
What is your current state of mind?
What do you consider the most overrated virtue?

Le mythe du dragon des piscines - 105 x 150 cm - 2014_web

Le mythe du dragon des piscines, watercolor on paper

On what occasion do you lie?
When I speak about myself
What do you most dislike about your appearance?
My legs
Which living person do you most despise?
Francis Huster, Robert Hossein and Claire Chazal
What is the quality you most like in a man?
What is the quality you most like in a woman?
Which words or phrases do you most overuse?
Les gros
What or who is the greatest love of your life?
A woman
When and where were you happiest?
When I was a child, at home
Which talent would you most like to have?
Play the piano
If you could change one thing about yourself, what would it be?
See question 3 & 10
What do you consider your greatest achievement?
I don’t know
If you were to die and come back as a person or a thing, what would it be?
Léo Dorfner
Where would you most like to live?
Paris or New York
What is your most treasured possession?
What do you regard as the lowest depth of misery?
Hunger, I guess
What is your favorite occupation?
Look out by the window

Alpha Centauri - 65 x 50 cmAlpha Centauri, watercolor on paper

What is your most marked characteristic?
My perfume
What do you most value in your friends?
Kindness, and when they bring some drinks
Who are your favorite writers?
Michel Houellebecq and Alex Barbier
Who is your hero of fiction?
Don Draper
Which historical figure do you most identify with?
No one
Who are your heroes in real life?
A lot
What are your favorite names?
Those I know
What is it that you most dislike?
Mouth sounds and endives
What is your greatest regret?
No regrets
How would you like to die?
Of a heart attack
What is your motto?

born to kill01

born to kill02

Born to kill, engraving on Zippo lighter

Hans-Walter Müller

Posted: April 4th, 2015 | Author: | Filed under: interviews | Tags: , , | No Comments »

L’art et l’architecture

vassiviereIle de Vassivière

Quel parcours avez-vous suivi ?

Je suis le fils d’un architecte et donc profondément lié à l’architecture qui est ma première préoccupation. J’ai fait des études d’architecture. L’art intervient automatiquement dans l’architecture si on la considère comme elle doit l’être. Si on fait de l’architecture pour les gens, ce n’est pas seulement un abri ou quelque chose dans lequel il y a toutes les fonctions nécessaires, il faut également y apporter un plus, ayant à voir avec l’art de préférence, tout en maîtrisant l’espace, c’est-à-dire en prenant en compte les proportions. S’intéresser aux proportions est passionnant lorsqu’on est architecte car il y a là l’essentiel de l’architecture. Tout autre chose n’est qu’apparence, comme une façade par exemple. Il faut pénétrer dans l’architecture pour la vivre, il ne faut pas faire du tape à l’œil, ou alors juste un peu…

L’architecture gonflable

L’architecture gonflable est au cœur de votre travail. Les gonflables sont des structures en plastique mises en tension par de l’air sous-pression. Elles peuvent se gonfler et se dégonfler et sont donc, par définition dynamiques. Comment s’articule la filiation entre l’art cinétique et les gonflables ?

C’est l’art cinétique qui m’a conduit à faire des gonflables. Et effectivement, j’ai immédiatement compris que les gonflables étaient la continuité de l’art cinétique appliqué à l’architecture. C’est-à-dire que d’un seul coup, ce n’est plus un élément ou le spectateur qui est en mouvement, c’est l’architecture elle-même, qui peut apparaître et disparaître. L’apparition et la disparition, le volume extrêmement réduit d’une maison de 2000 m2 qui peut devenir 1m3 de matière proprement dite –en ce qui concerne la bâche-  tout ça m’a plu. C’était un peu comme au pays des merveilles, tant cela me paraissait impossible au départ. Et aujourd’hui, beaucoup d’architectes célèbres aimeraient bien enlever la pesanteur. Ils font des essais en mettant des poteaux au travers, mais il faut toujours quelque chose pour donner l’illusion que la matière n’existe pas. Alors qu’avec les structures gonflables, la matière est extrêmement réduite et il n’y a quasiment pas d’épaisseur. Car l’épaisseur pose des problèmes dans l’architecture dite traditionnelle, car en effet toutes les maisons ont une épaisseur. Avec les gonflables, cette épaisseur est réduite à 1mm. Cela comporte beaucoup d’avantages car on ne sait jamais où placer les trames dans la construction d’une architecture traditionnelle. Il n’y a que la peau dans les gonflables, et une sorte de vêtement. Dans ce sens, je travaille comme un couturier : je fais de la haute-couture en architecture. Et la démarche est quasiment la même, je fais des découpes et des gabarits avec des ciseaux. C’est ensuite assemblé, par la couture ou par la soudure à haute fréquence. Le résultat est meilleur en utilisant la seconde technique. Ce qui m’a frappé avec ce nouveau type de construction, ce sont les nouvelles lois qu’il engendre : la mécanique des fluides, qui n’a plus rien à voir avec la pesanteur. C’est une façon différente de construire, car ce n’est plus pierre sur pierre suivant le principe de l’accumulation.


Une architecture de la mobilité

Comme vous venez de le dire, les gonflables ont instauré une nouvelle façon de construire, incluant le principe de mobilité. Semblables à une deuxième peau, ces structures légères évoquent le corps en mouvement, le nomadisme. Quelle est selon vous la manière idéale pour l’homme d’habiter son environnement ?

Si je dis aux gens que j’habite dans une bulle, ils pensent à une bulle telle qu’on en voit dans les bandes-dessinées, avec une autre bulle pour s’assoir etc. Mais si vous venez chez moi, vous verrez que ce n’est pas le cas. Une partie de ma maison est en gonflable et j’ai creusé dans le sol, en aménageant des ouvertures aux deux extrémités. Je tire parti de la terre pour ses qualités d’isolation. Je pense que nous avons tout intérêt à utiliser la terre pour construire, au lieu d’édifier des tours se développant en hauteur. Cela permettrait d’éviter – entres autres – que certains architectes fassent juste des jolies façades, en oubliant l’intérieur. J’ai toujours rêvé de faire un concours d’architectes qui aurait lieu dans le sol.

Etes-vous d’accord avec le fait que l’architecture gonflable induise le principe de mobilité ?

Effectivement, un gonflable est beaucoup plus mobile qu’une architecture traditionnelle, mais un gonflable peut aussi rester pérenne. Par exemple, je vis depuis quarante ans dans un gonflable qui est resté au même endroit, même si j’aurais pu le déplacer. Mais c’est vrai que les gonflables se sont surtout multipliés avec les théâtres ou les expositions itinérantes. Ils constituent ma clientèle principale. Il y a plusieurs raisons à cela : le montage se fait au sol, on étale la bâche, on met de l’air, puis ça prend la forme. Et l’ensemble est plutôt léger.

L’héritage des utopies

La période couvrant la fin des années 60 et le début des années 70 se caractérise notamment par les utopies, qu’elles soient politiques, sociales ou culturelles. Vous semblez pratiquer, encore à ce jour, une architecture engagée, semblant relever de ces principes utopistes.

J’ai été influencé par Mai 68, c’est incontestable. Je me considère presque comme un rescapé de cette période car je continue à faire ce que je faisais déjà, alors que d’autres ont arrêté et ont juste cherché à améliorer leur vie de la façon la plus pratique. De mon côté, je considère que je n’ai jamais travaillé, tant ma passion est grande. Et je n’ai jamais travaillé pour l’argent, tout ce que j’ai gagné, je l’ai réinvesti pour mes projets. Les années 60 m’ont naturellement influencé, notamment l’art cinétique puis les gonflables mais je crois que les gonflables ne sont pas encore tout à fait reconnus. Il faut encore un peu de temps. Les gonflables sont assez méconnus en fin de compte.

Pensez-vous que c’est du au fait que la plupart des gens considèrent l’architecture gonflable comme étant éphémère ?

Oui, certainement. Les gens ne connaissent pas le principe de la mécanique des fluides. Aujourd’hui, la plupart des constructions comportent une peau à l’intérieur, on y met de la pression – à la manière d’un gonflable – et s’il n’y a pas de perte d’air, la maison est agrée comme étant d’avant-garde et consommant peu d’énergie. La ventilation est mécanique et les gens qui y vivent n’ont plus le droit d’ouvrir les fenêtres. C’est catastrophique. Il faut savoir qu’un gonflable est très étanche, et qu’on ne peut pas ouvrir les fenêtres – on me le reproche d’ailleurs assez souvent. Il y a  un important changement d’air dans un gonflable et l’air y est toujours frais. Je compare souvent le gonflable à une rivière avec des truites, qui doit être riche en oxygène, afin que les truites puissent être en bonne santé.


Vous avez précédemment mentionné la notion d’énergie en ce qu’elle est indissociable des gonflables. Qu’entendez-vous par là ?

Je dirais que l’énergie, c’est la vie avant tout. S’il n’y a pas d’énergie, il n’y a pas de vie. C’est pour cette raison que nous mangeons tous les jours : pour trouver de l’énergie. Le cœur est une pompe qui ne s’arrête jamais, et notre corps fonctionne avec des fluides. Je trouve cet exemple intéressant, parce que c’est quasiment la même chose avec les gonflables, qui sont régis par mécanique des fluides, avec son fonctionnement par tension et pression. Toute la nature est conçue avec des fluides si on réfléchit bien. Mais je me dois de préciser que si je parle en faveur des gonflables, je ne suis pas du tout opposé à l’architecture « en dur », celle qui utilise des pierres, comme les cathédrales ou les réalisations de Le Corbusier. Au contraire, je pense que les deux peuvent se compléter et se combiner. Pour revenir à la question sur l’énergie, je disais que c’est l’énergie que nous absorbons qui fait marcher notre cœur, qui doit battre en permanence. Et bien, c’est la même chose avec les gonflables. Il y a une source d’énergie : un ventilateur, qui doit tourner en permanence. On doit faire la différence entre un gonflable à simple paroi et un gonflable à double paroi. Pour ma part, je construis essentiellement des gonflables à paroi simple. C’est la surpression produite à l’intérieur du gonflable qui le tient dans sa forme. Dans le cas des gonflables à double paroi, il y a des sortes de boudins gonflés entre les parois pour tenir l’ensemble. Si l’on produit une pression avec un ventilateur à l’intérieur d’un gonflable, elle sera la même partout. C’est un phénomène intéressant de la mécanique des fluides. Par contre, la tension dans la toile est produite par la pression et la tension dépend du rayon de la courbure. Plus le rayon est grand, plus la tension est grande, avec la même pression cela dit. Et d’ailleurs, il y a parfois des paradoxes : c’est presque plus compliqué de gonfler un petit qu’un grand gonflable. Car on met davantage de pression dans un petit volume que dans un grand. C’est la même chose avec les pneus. La pression produite qui se répartit perpendiculairement à la tangente de la courbure s’apparente à des colonnes invisibles, allant vers la toile.

Est-ce la recherche de la perfection qui vous pousse à continuer ?

Peut-être… C’est comme lorsque l’on fait l’amour !

Jean de Loisy pense le Palais de Tokyo comme un lieu où les langages sont constamment réinventés, et dont les visiteurs sont invités à faire l’expérience. Ainsi, afin de donner une forte identité aux différents territoires qui composeront le Palais de Tokyo, Jean de Loisy souhaite confier l’aménagement de ceux-ci à des artistes.

Je trouve que son projet est extrêmement intéressant. Le fait qu’il y ait différents lieux pensés par des artistes au sein d’un musée et que ceux-ci soient renouvelables.

Jean de Loisy était également le commissaire de Monumenta l’an passé, qui mettait en scène le Leviathan d’Anish Kapoor. Avez-vous vu l’exposition au Grand Palais ?

Oui bien sûr, j’ai visité l’exposition. Je connais les équipes qui ont fabriqué le gonflable car j’ai déjà travaillé avec eux. C’est la même chose.
Jean de Loisy a fait figurer dans le catalogue une photo de l’église gonflable que j’avais réalisée. La photo la montre empaquetée, une sorte de Christo par obligation. J’ai été très touché qu’il y fasse référence. Et d’autre part, Kapoor a maîtrisé l’espace du Grand Palais – c’est le seul à mon sens. Kapoor était sculpteur à l’origine, ce n’est pas un architecte et il ne prétend pas avoir une connaissance des gonflables, mais c’était la seule possibilité pour lui. Le gonflable a été réalisé en 4 parties, assemblées ensuite dans la nef du Grand Palais avec des machines venant du Danemark. L’ensemble a ensuite été redécoupé en quatre parties. C’était important que le grand public puisse enfin être informé sur les gonflables car peu de gens connaissent les gonflables.
Kapoor a apporté quelque chose d’essentiel car il a permis au public de rencontrer les gonflables.  Le public a pu se rendre compte de la qualité d’un gonflable, de sa translucidité et de son fonctionnement, avec les moteurs qu’on entend.

Lorsque l’on se trouve à l’intérieur d’un gonflable, on ressent souvent une réaction physique. Peut-on l’anticiper à votre avis ?

Il y a toujours cette surprise, c’est certain. Chez moi par exemple, vous voyez le gonflable de l’extérieur en entier, son épaisseur est d’un millimètre et lorsque vous pénétrez à l’intérieur, vous êtes surpris car vous n’auriez jamais imaginé l’intérieur. Dans le cas d’une sphère, c’est possible d’imaginer l’intérieur. Car le gonflable n’est pas de l’architecture à proprement parler, il n’a qu’un seul rayon donc il ne peut être qu’ajouté à une architecture. Un exemple : la Géode a été ajoutée à la Villette, mais elle n’est pas en elle-même une architecture. Lorsque vous rentrez dans une sphère, qu’elle soit petite ou grande, vous avez la même sensation.

Buckminster FULLER before his geode dome at Montreal World Fair.Buckminster Fuller devant sa Biosphère à Montréal

Les recherches de Buckminster Fuller vous ont-elles influencées ?

J’ai rencontré Buckminster Fuller, j’apprécie beaucoup son travail, même si ça n’a rien à voir avec mes recherches. Il utilise une structure tridimensionnelle. Je ne sais pas si vous connaissez le travail d’un architecte nommé Novak, qui réalise des bâtiments en béton projeté qui s’achèvent par une courbe. Si l’on se trouve à l’intérieur d’un de ces bâtiments –ou même à l’intérieur du Leviathan de Kapoor- nos oreilles perçoivent les sons de manière plus vive, alors que nos yeux sont plus calmes parce qu’il n’y a pas de rupture.
Pour revenir à Buckminster Fuller, la particularité de la construction chez lui est très intéressante, mais c’est la pesanteur. Il voulait couvrir New York par une structure tridimensionnelle. Il faut rappeler que les matériaux ont un inconvénient : ils se cassent. Ceci est du à leur propre poids. Si vous tendez un fil en acier, il se cassera tout seul à partir d’une certaine longueur. C’est pour cette raison que les barges qui remorquent des bateaux sur la Seine n’ont jamais leur câble tendu. La structure que Fuller voulait construire à Manhattan aurait eu 300 mètres d’épaisseur. Ce n’était pas une bulle, à l’inverse de ce qu’on pourrait croire, mais une structure tridimensionnelle de forme géodésique. Le tout aurait été en métal, avec des rues à l’intérieur de la structure. En cela, le projet de Fuller s’apparentait à une vision d’un futur urbanisme. Je partage cette conception avec lui, et c’est l’une de mes préoccupations également. Je compte d’ailleurs –si j’ai le temps- écrire quelque chose sur l’urbanisme futur.


Hans-Walter Müller est né à Worms en 1935. Il vit et travaille dans une maison gonflable à la Ferté Allais.

Cet entretien a été réalisé au Palais de Tokyo en décembre 2011.


Julien Langendorff

Posted: February 4th, 2015 | Author: | Filed under: interviews | Tags: , , | No Comments »

05Sleepwalking Free (i am the light), collage, acrylic on paper (2014)

The questionnaire you are about to read was quite some achievement: it took nearly six months to release, with many emails and text messages. For two individuals living in the same city, one can say that we took our time to meet.
Julien Langendorff is a French artist who is doing mainly collage. He works with vintage magazines and books he collects at the Salvation Army, thrift shops and occasionally in the street.
The door opens on a friendly face that night when I arrived at his home studio. Some song is playing from the laptop (‘music is very important to me’ he later told me) and the floor is covered with books, magazines and torn papers.
– ‘Is smoking OK?’
– ‘Of course.
We spent a few hours discussing art galleries, New York, Kenneth Anger, rock music… He lived in NY on several occasions, confessing that he sometimes misses its typical exuberant energy. He has some friends there too, such as Sonic Youth’s former frontman Thurston Moore for whom Julien directed a music video last year.
We also share the same ‘heroes’ in music or movies and agree to say that the role they play in shaping someone psyche is so important that it is worth all the degrees or studies in the world.
He is currently having a solo show at agnès b.’s librairie gallery in Hong Kong, Tiptoe Through The Other Side, on view until February 28.

17-lowLookin For The Magic, collage, acrylic on paper (2014)

What is your idea of perfect happiness?

To be a piece of dust and just float.

What is your greatest fear?

Going to jail.

What is the trait you most deplore in yourself?

Way too neurotic.

What is the trait you most deplore in others?

This certain mix of nastiness and stupidity.

Which living person do you most admire?

Alejandro Jodorowsky.

What is your greatest extravagance?

Taking cabs at night when i’m sleepless just to be driven around the city.

What is your current state of mind?


What do you consider the most overrated virtue?


On what occasion do you lie?

I’m a very bad liar so i usually try to avoid lies, but i can make up some excuses when i don’t feel like meeting someone and want to stay on my own – my apologies to people i know who might read this.. (though i want to add i’m actually often busy or ill)

What do you most dislike about your appearance?

I don’t like most of my facial features.


Kiss #1 (Drink The Silver, Drink The Gold), collage on paper (2014)

Which living person do you most despise?

It would have to be someone i know personally and there are several, so i won’t give them the honor to be named here.

What is the quality you most like in a man?

I like loyal, free-spirited men with a heart of gold and a solid sense of humour.

What is the quality you most like in a woman?

I like tough and intelligent women with natural elegancy and one little crooked tooth.

04The Loneliest Soul, collage, acrylic on paper (2014)

Which words or phrases do you most overuse?

« The problem is, .. » — « Thank you so much » – « A pack of Muratti light please » – « I’m sorry » – « Tomorrow would be better » –

What or who is the greatest love of your life?

Every new woman I fall in love with.

When and where were you happiest?

I’m never happy.

Which talent would you most like to have?

I would like to come with something more spiritual, but right now i wish i was better at making a living.

If you could change one thing about yourself, what would it be?

My voice.

02spread-een no-ledge (In The Land Of Teenage Christs), collage,acrylic on paper (2014)

What do you consider your greatest achievement?

Being still around.

If you were to die and come back as a person or a thing, what would it be?

A forest haunted by beautiful naked ghosts.

Where would you most like to live?

Anywhere but here.

What is your most treasured possession?

My notebooks and journals.

What do you regard as the lowest depth of misery?

Losing complete touch with reality.

What is your favorite occupation?

Smoking cigarettes doing nothing. I can be a very contemplative person.

What is your most marked characteristic?

Making things complicated.

01 Tiptoe Through The Other Side, collage on paper (2014)

What do you most value in your friends?

Caring, loyal and funny friends.

Who are your favorite writers?

William Blake. Aleister Crowley. Edgar Allan Poe. Charles Bukowski. Albert Camus.

Who is your hero of fiction?

Lord Byron’s Manfred.

Which historical figure do you most identify with?

My knowledge in history is too little to answer this.

Who are your heroes in real life?

John Cassavetes. William Burroughs. John Waterhouse. Matteah Baim. Patti Smith. Sylvia Plath. Gram Parsons. Jana Hunter.

What are your favorite names?

Rozz. Lux. Uma. Zuma. Eve. Matteah. Jana.

What is it that you most dislike?

Animal exploitation.

What is your greatest regret?

I only have one regret and it’s too personal to share.

How would you like to die?

In my sleep while dreaming about sex.

What is your motto?

I don’t have any.


Spectral Astral Unspo-oken Trial ,collage, acrylic, glitter on paper (2012)

Larry Niehues

Posted: January 29th, 2015 | Author: | Filed under: interviews | Tags: , | No Comments »

“Une fois de plus, nos valises cabossées s’empilaient sur le trottoir; on avait du chemin devant nous. Mais qu’importe : la route, c’est la vie”. Jack Kerouac, Sur la route (1957)

En voyant vos images pour la première fois, j’ai été frappée par leur intemporalité : si elles sont bien contemporaines, elles auraient pu être prises il y a quelques décennies.

C’est cool quand les gens pensent que mon travail date, cela me flatte.
C’est justement le but recherché, je veux montrer et prouver que cette vieille Amérique se trouve toujours au coin des rues.

Un certain nombre de photographies ont été prises en roulant, en voiture ou à moto. Est-ce-que l’itinérance, dans la lignée des auteurs de la beat generation, fait partie intégrante de votre travail ?

Oui complètement, pour moi le “Road Trip” est le meilleur moyen d’explorer un pays. Se procurer une carte afin de traverser des petites villes permet de découvrir des endroits et rencontrer des personnes extraordinaire qui représentent l’Amérique profonde.



J’ai l’impression de vous prenez les photos “sur le vif”, c’est à dire de manière instantanée. Pourtant, si certains personnages n’ont pas pris la pose, ils savaient qu’ils étaient pris en photo. Comment procédez-vous pour obtenir ce rendu si naturel ?

J’essaye de mettre à l’aise ma présence avec ma camera, en shootant autour, avant de prendre la photo que j’ai en tête avec mon personnage. Ceci dit, il m’arrive aussi de demander l’autorisation afin d’avoir le résultat voulu.

Avec quels appareils travaillez-vous ?

J’utilise des appareils argentiques au format 35mm uniquement: Nikon FE 1982 , Nikon F3 1985 , Nikon 100 1999 , Leica minilux.

Outre certaines qualités formelles, travailler avec de l’argentique implique de ne pas voir le résultat immédiatement. Est-ce-que cette attente nourrit votre travail d’une certaine manière ?

J’aime le procédé qui implique l’argentique. En effet, je n’ai pas le résultat immédiatement, je ne sais pas quel va être le rendu et je ne peux pas prendre une même photo plusieurs fois et sous tous les angles pour être sur de l’avoir capturé. C’est justement ce qui est excitant: shooter 36 ou 25 photos dépendantes de la pellicule achetée, essayer d’avoir un maximum de photos différentes sur chacune de ces pellicules, et ne pas savoir si l’on en a capturé une bonne. La surprise y est a chaque fois que je vais récupérer mes négatifs chez Marvin (l’artisan de Beverly blvd qui me les développe), je fonce à mon bureau et je scanne tout. J’apprécie tout ce process. Y compris les déceptions parfois lorsqu’une photo n’est pas sortie, ou le contraire -et le meilleur-, une photo où l’on ne s’attendait pas à un tel résultat.


Sur votre site il existe une section intitulée “digital work”. Je me demandais à quoi elle correspondait.

La section “digital work” sur mon site est tout le travail que je faisais à mes débuts, de ma première camera jusqu’à mon passage exclusif à l’argentique.

Justement, revenons à vos débuts. Quel parcours avez-vous suivi ?

Je n’ai pas fait d’école de Photographie ou autres… j’ai appris sur le terrain en étant commissionné pour divers jobs ( Fashion, Musique, Editorial….). Mes professeurs sont ceux qui m’inspirent comme Dennis Hopper, William Eggleston, Robert Frank. Depuis maintenant trois ans j’essaie de me concentrer essentiellement sur mon propre projet, à savoir une documentation sur l’Amérique.


Quels sont vos projets ?

Je viens tout juste de terminer une exposition à Brighton, UK qui avait lieu à la galerie One Eyed Jacks ( Mes projets sont de futures expositions bien sûr ! Je suis en contact avec une galerie à Sydney pour la prochaine, et je travaille actuellement sur la création d’un livre qui j’espère verra le jour rapidement.



















Julien Salaud

Posted: January 1st, 2014 | Author: | Filed under: interviews | Tags: , , , , | No Comments »


Constellation du chevreuil, trophée de chevreuil, clous, perles, coton, colle

Le travail de Julien Salaud rassemble tout un panthéon d’animaux représentés en utilisant différentes techniques telles que le dessin, la gravure ou la sculpture. Il est commun de penser que le thème principal de son travail est un questionnement sur la nature des liens unissant l’homme et l’animal. S’il s’agit bien d’un aspect de son travail, c’est davantage la transformation qui est au coeur de sa réflexion : transformer des dépouilles d’animaux de la forêt principalement, mais aussi des insectes, qu’il orne, qu’il pare de perles, de clous, de plumes ou de strass.
Julien Salaud vit et travaille à Orléans.
Il est représenté par la galerie Suzanne Tarasiève à Paris.

D’où vient votre intérêt pour l’utilisation d’animaux empaillés ?

Au début de l’année 2008 j’ai fabriqué deux petites sculptures avec des os, des plumes, des morceaux de bois et quelques graines ramenés de Guyane. L’une d’elle ressemblait à un perroquet empaillé lorsqu’on la regardait d’une de ses deux faces. J’étais inscrit en Master d’arts plastiques à l’université Paris 8 à l’époque, et lorsque j’ai montré ces travaux à ma directrice de recherche, elle m’a conseillé la lecture de The Postmodern Animal, livre dans lequel Steve Baker parle de taxidermie. Il y explique notamment comment les œuvres de Thomas Grunfeld, en renvoyant à la chimère antique, appellent l’imagination plutôt que la raison. Au même moment, j’ai découvert Chantal Jègues-Wolkiewiez, une ethno astronome qui a travaillé sur les peintures de la grotte de Lascaux. Elle a prouvé que les peintures zoomorphes de la Salle des Taureaux correspondaient à une carte du ciel de l’époque. Les taxidermies ont fait irruption dans mon travail à ce moment précis, et dans cette conjoncture, avec les Animaux stellaires. Ces pièces sont à la fois une mise en œuvre de l’animal étrange de Baker et une interprétation des découvertes de Jègues-Wolkiewiez. J’ajouterai que les taxidermies ont été un bon support de réflexion pour tout ce qui a pu m’intriguer au sujet de la mort.




Vieux Piraï emplumé, piranha séché, plumes de perruches ondulées, fourmis manioc, perles de rocaille, bois, coton sauvage, feuilles de cuivre, gouache, colle

Vous avez étudié la biochimie à l’université.
Pensez-vous que cela ait pu avoir une influence sur votre travail ?

Oui, définitivement. Mes premières années d’études étaient tournées vers les sciences dures. Durant cette période je me suis acharné à essayer de développer un esprit logique… Sans le moindre succès. Plus tard, mon premier emploi aura consisté à récolter les données de programmes d’études concernant l’impact des activités humaines sur la faune sauvage guyanaise. A vrai dire, je n’étais pas captivé par ces études, par contre j’adorais passer des journées entières à pister les animaux. Au final il ne m’aura donc pas fallu moins de dix ans pour admettre que je n’étais compatible ni avec les sciences et ni avec leurs systèmes d’appréhension du monde par l’ordre et la logique. Je me suis donc plongé dans l’art – la seule constante de mon parcours chaotique – sans pour autant abandonner les problématiques qui motivaient mes actions. Celles induisant un rapport à l’environnement par exemple.

La réalisation de vos pièces demande du temps, de la méticulosité ainsi que des volontaires.
Comment travaillez-vous ?

Il y a plusieurs sortes de beautés, je suppose que la mienne fonctionne plutôt comme un fruit : elle mature avec le temps. Du coup mon travail est très chronophage. Il l’est par goût : je ne suis pas dans la logique, pas plus dans le concept. Je cherche plutôt quelque chose qui serait de l’ordre de la contemplation. La contemplation demande du temps, alors si je veux la déclencher chez les autres, il faut que je commence par donner du temps quand je tente de faire un objet de contemplation. Il y a deux ans encore, je pouvais travailler seul sur mes pièces. Certaines me prenaient plusieurs mois, comme la Constellation du cerf (harpe) II par exemple. Mais le rythme de travail a considérablement augmenté dès la fin de l’année 2011, me forçant à appeler au secours pour que les œuvres soient prêtes à temps… Depuis je travaille régulièrement avec l’aide de tierces personnes, des amis ou bien des étudiants en art qui viennent faire leurs stages chez moi. L’été dernier nous avons été jusqu’à douze personnes à travailler dans le jardin pour préparer les expositions d’octobre ! Il y a quelque chose de très énergisant dans le travail en équipe. Les œuvres peuvent prendre une ampleur qu’il serait impossible de développer seul, et puis le partage du travail n’est jamais à sens unique. Travailler deux mois et demi à vingt-quatre mains une pièce demandant patience et méticulosité comme Printemps (nymphe de cerf) m’a récemment permis d’observer les conséquences du processus de création sur d’autres personnes que moi. Pour un peu ça me donnerait envie de faire des expositions-ateliers durant lesquelles les visiteurs de l’expo se transformeraient en créateurs des pièces exposées. J’ai l’impression que la meilleure façon d’entrer dans une œuvre, c’est de participer à sa réalisation.


Précieuse Goliath, goliathus goliathus albatus femelle, strass, colle, épingles

Vous travaillez avec une variété de médiums différents : le dessin, la peinture et bien sûr la sculpture.
Cela vous permet-il d’exprimer la même chose de manière différente ?
Est-ce important pour vous d’avoir recours à ces techniques différentes ?

Changer de média, c’est un peu comme prendre l’air ou partir en vacances. Ça permet de garder un bon équilibre de vie. Je crois que je m’ennuierai vite si je ne devais faire que du dessin, ou que de la sculpture. Ces deux médiums fonctionnent de concert chez moi : les dessins que je fais dans des carnets vont passer en sculptures, les sculptures vont être prétextes à des petites histoires en dessins, et puis, quand je ne peux pas transformer un dessin en sculpture ou inversement parce que ça ne correspondrait pas, alors je fais des photos. Donc oui, en effet, le changement de média peut permettre d’exprimer plusieurs formes d’une même chose. Mais il existe une deuxième possibilité : le changement de média peut entrainer une métamorphose de la pratique artistique. Dans ce cas, l’avant et l’après ne sont semblables ni dans la forme, ni sur le fond. Et pourtant, l’un et l’autre sont en continuité.
Pour l’instant, je n’ai vécu cette transformation qu’une seule fois. Mais je continue à pratiquer différents médias en espérant qu’un jour une prochaine métamorphose se réalise.

02Poisson à plumes I, gravure (étapes I, II et III)

In Julien Salaud’s work there is a whole pantheon filled with animals depicted in different ways, such as drawing, etching and sculpture. It is generally accepted that his work examines the connections between man and animal. That is indeed one side of his work, but transformation is really the core of it: wood animals skins or insects turning into something else with additional beads, nails, feathers or rhinestone.
Julien Salaud lives and works in Orléans.
He is represented by Suzanne Tarasiève art gallery in Paris.

Where does your interest in working with stuffed animals come from?

In early 2008 I did two tiny sculptures made of bones, feathers, wood pieces and some seeds that I brought back from French Guyana. One of them looked like a stuffed parrot from a specific angle. I was then studying Arts at Paris 8 University and when my professor saw it, she recommended the reading of Steve Baker’s The Postmodern Animal, which is about taxidermy. Baker states that the works of Thomas Grunfeld, by referring to ancient chimera, carries imagination rather than reason. Meanwhile I discovered the work of Chantal Jègues-Wolkiewiez, an ethno astronomer who previously studied Lascaux cave paintings. She demonstrated that the zoomorphic paintings from The Hall of the Bulls correspond with the sky map at the time. Taxidermy occurred in my work at the same time with the piece les Animaux stellaires. These are both some application of Baker’s book and Jègues-Wolkiewiez investigations. And taxidermy was also a good way to think about death and the way I’m intrigued by the concept of it.

Do you think studying biochemistry at the University influenced your choices as an artist?

Definitely. The first years I studied hard science and I unsuccessfully attempted to develop logical thinking for myself… Later on my first job consisted of gathering data regarding the impact of human activity on the wildlife in French Guyana. I was not really passionate about it to be honest, but I really enjoyed spending entire days tracking the animals. In the end it took me ten years to admit that I was neither compatible with science, nor with its way of studying the world through order and logic. I then focused on Arts – the one and only continual thing in my chaotic process – without actually giving up the things that interest me for my work. I’m thinking about the ones dealing with environment or nature for example.


Constellation sans perle (daim), détail

You make pieces that require time, meticulousness and people to help in the process.
How do you usually work?

There are different kinds of beauty. I suppose the one I am interested in is like a fruit: I am not following a logical analysis, and I am not trying to have some concept. I am rather into contemplation, which implies taking some time. So if I want the audience to be aroused by contemplation, I have to take some time to be able to create an object that will provoke the same effect. Until two years ago I was still able to work on my own. It may take several months to finish a piece, like the Constellation du cerf (harpe) II. Since the end of the year 2011 the rhythm has increased, and I was no longer in the position to work on my own, I had to call for assistance to make sure the work would be ready on time… And I have been working with various people, friends or art students since then. Last summer we were like twelve people working in my garden to prepare exhibitions scheduled in October! Working among a team is somehow very inspiring. Works can exist in a way that you would never achieve on your own. In addition to that, working with different people is never a one-way thing. Twenty four hands worked with a lot of patience and precision on the piece entitled Printemps (nymphe de cerf) during two months and a half. I then witnessed the consequences of the creating process on other individuals than myself. It almost convinces me to do workshops-exhibitions where the visitors could also be involved in the making.
In a way I do think that the best way to understand a work of art is to participate in the creative process.


Constellation sans perle (daim), trophée de daim, clous, colle

You are also working with various media, such as drawing, painting, and sculpture of course.
Does it allow you to express the same things in different ways?
Is it important for you to work with all these media?

Working with various media feels like getting some air or taking holidays. It balances the whole thing you know. I think I would get bored if I was only into drawing or sculpture.
In my case these two media work well together: some drawings from my notebook will transform into sculptures and sculptures will become sketches sometimes. When I cannot make a drawing evolving into a sculpture or the opposite – because it would not match – I take pictures. So changing media is definitely a way of expressing several aspects of a same thing. But there is another possibility too: different media could also alter the artistic process. In that case what comes before and what comes after is totally different, visually speaking and regarding its contents. They are aligned with each other though.
I have experienced it once at the moment. But I keep on working with different media hoping that some metamorphosis would happen someday.