Julien Langendorff

Posted: February 4th, 2015 | Author: | Filed under: interviews | Tags: , , | No Comments »
Share on FacebookTweet about this on TwitterShare on Google+Pin on Pinterest

05Sleepwalking Free (i am the light), collage, acrylic on paper (2014)

The questionnaire you are about to read was quite some achievement: it took nearly six months to release, with many emails and text messages. For two individuals living in the same city, one can say that we took our time to meet.
Julien Langendorff is a French artist who is doing mainly collage. He works with vintage magazines and books he collects at the Salvation Army, thrift shops and occasionally in the street.
The door opens on a friendly face that night when I arrived at his home studio. Some song is playing from the laptop (‘music is very important to me’ he later told me) and the floor is covered with books, magazines and torn papers.
– ‘Is smoking OK?’
– ‘Of course.
We spent a few hours discussing art galleries, New York, Kenneth Anger, rock music… He lived in NY on several occasions, confessing that he sometimes misses its typical exuberant energy. He has some friends there too, such as Sonic Youth’s former frontman Thurston Moore for whom Julien directed a music video last year.
We also share the same ‘heroes’ in music or movies and agree to say that the role they play in shaping someone psyche is so important that it is worth all the degrees or studies in the world.
He is currently having a solo show at agnès b.’s librairie gallery in Hong Kong, Tiptoe Through The Other Side, on view until February 28.

17-lowLookin For The Magic, collage, acrylic on paper (2014)

What is your idea of perfect happiness?

To be a piece of dust and just float.

What is your greatest fear?

Going to jail.

What is the trait you most deplore in yourself?

Way too neurotic.

What is the trait you most deplore in others?

This certain mix of nastiness and stupidity.

Which living person do you most admire?

Alejandro Jodorowsky.

What is your greatest extravagance?

Taking cabs at night when i’m sleepless just to be driven around the city.

What is your current state of mind?


What do you consider the most overrated virtue?


On what occasion do you lie?

I’m a very bad liar so i usually try to avoid lies, but i can make up some excuses when i don’t feel like meeting someone and want to stay on my own – my apologies to people i know who might read this.. (though i want to add i’m actually often busy or ill)

What do you most dislike about your appearance?

I don’t like most of my facial features.


Kiss #1 (Drink The Silver, Drink The Gold), collage on paper (2014)

Which living person do you most despise?

It would have to be someone i know personally and there are several, so i won’t give them the honor to be named here.

What is the quality you most like in a man?

I like loyal, free-spirited men with a heart of gold and a solid sense of humour.

What is the quality you most like in a woman?

I like tough and intelligent women with natural elegancy and one little crooked tooth.

04The Loneliest Soul, collage, acrylic on paper (2014)

Which words or phrases do you most overuse?

« The problem is, .. » — « Thank you so much » – « A pack of Muratti light please » – « I’m sorry » – « Tomorrow would be better » –

What or who is the greatest love of your life?

Every new woman I fall in love with.

When and where were you happiest?

I’m never happy.

Which talent would you most like to have?

I would like to come with something more spiritual, but right now i wish i was better at making a living.

If you could change one thing about yourself, what would it be?

My voice.

02spread-een no-ledge (In The Land Of Teenage Christs), collage,acrylic on paper (2014)

What do you consider your greatest achievement?

Being still around.

If you were to die and come back as a person or a thing, what would it be?

A forest haunted by beautiful naked ghosts.

Where would you most like to live?

Anywhere but here.

What is your most treasured possession?

My notebooks and journals.

What do you regard as the lowest depth of misery?

Losing complete touch with reality.

What is your favorite occupation?

Smoking cigarettes doing nothing. I can be a very contemplative person.

What is your most marked characteristic?

Making things complicated.

01 Tiptoe Through The Other Side, collage on paper (2014)

What do you most value in your friends?

Caring, loyal and funny friends.

Who are your favorite writers?

William Blake. Aleister Crowley. Edgar Allan Poe. Charles Bukowski. Albert Camus.

Who is your hero of fiction?

Lord Byron’s Manfred.

Which historical figure do you most identify with?

My knowledge in history is too little to answer this.

Who are your heroes in real life?

John Cassavetes. William Burroughs. John Waterhouse. Matteah Baim. Patti Smith. Sylvia Plath. Gram Parsons. Jana Hunter.

What are your favorite names?

Rozz. Lux. Uma. Zuma. Eve. Matteah. Jana.

What is it that you most dislike?

Animal exploitation.

What is your greatest regret?

I only have one regret and it’s too personal to share.

How would you like to die?

In my sleep while dreaming about sex.

What is your motto?

I don’t have any.




Spectral Astral Unspo-oken Trial ,collage, acrylic, glitter on paper (2012)

Larry Niehues

Posted: January 29th, 2015 | Author: | Filed under: interviews | Tags: , | No Comments »
Share on FacebookTweet about this on TwitterShare on Google+Pin on Pinterest

“Une fois de plus, nos valises cabossées s’empilaient sur le trottoir; on avait du chemin devant nous. Mais qu’importe : la route, c’est la vie”. Jack Kerouac, Sur la route (1957)

En voyant vos images pour la première fois, j’ai été frappée par leur intemporalité : si elles sont bien contemporaines, elles auraient pu être prises il y a quelques décennies.

C’est cool quand les gens pensent que mon travail date, cela me flatte.
C’est justement le but recherché, je veux montrer et prouver que cette vieille Amérique se trouve toujours au coin des rues.

Un certain nombre de photographies ont été prises en roulant, en voiture ou à moto. Est-ce-que l’itinérance, dans la lignée des auteurs de la beat generation, fait partie intégrante de votre travail ?

Oui complètement, pour moi le “Road Trip” est le meilleur moyen d’explorer un pays. Se procurer une carte afin de traverser des petites villes permet de découvrir des endroits et rencontrer des personnes extraordinaire qui représentent l’Amérique profonde.



J’ai l’impression de vous prenez les photos “sur le vif”, c’est à dire de manière instantanée. Pourtant, si certains personnages n’ont pas pris la pose, ils savaient qu’ils étaient pris en photo. Comment procédez-vous pour obtenir ce rendu si naturel ?

J’essaye de mettre à l’aise ma présence avec ma camera, en shootant autour, avant de prendre la photo que j’ai en tête avec mon personnage. Ceci dit, il m’arrive aussi de demander l’autorisation afin d’avoir le résultat voulu.

Avec quels appareils travaillez-vous ?

J’utilise des appareils argentiques au format 35mm uniquement: Nikon FE 1982 , Nikon F3 1985 , Nikon 100 1999 , Leica minilux.

Outre certaines qualités formelles, travailler avec de l’argentique implique de ne pas voir le résultat immédiatement. Est-ce-que cette attente nourrit votre travail d’une certaine manière ?

J’aime le procédé qui implique l’argentique. En effet, je n’ai pas le résultat immédiatement, je ne sais pas quel va être le rendu et je ne peux pas prendre une même photo plusieurs fois et sous tous les angles pour être sur de l’avoir capturé. C’est justement ce qui est excitant: shooter 36 ou 25 photos dépendantes de la pellicule achetée, essayer d’avoir un maximum de photos différentes sur chacune de ces pellicules, et ne pas savoir si l’on en a capturé une bonne. La surprise y est a chaque fois que je vais récupérer mes négatifs chez Marvin (l’artisan de Beverly blvd qui me les développe), je fonce à mon bureau et je scanne tout. J’apprécie tout ce process. Y compris les déceptions parfois lorsqu’une photo n’est pas sortie, ou le contraire -et le meilleur-, une photo où l’on ne s’attendait pas à un tel résultat.


Sur votre site il existe une section intitulée “digital work”. Je me demandais à quoi elle correspondait.

La section “digital work” sur mon site est tout le travail que je faisais à mes débuts, de ma première camera jusqu’à mon passage exclusif à l’argentique.

Justement, revenons à vos débuts. Quel parcours avez-vous suivi ?

Je n’ai pas fait d’école de Photographie ou autres… j’ai appris sur le terrain en étant commissionné pour divers jobs ( Fashion, Musique, Editorial….). Mes professeurs sont ceux qui m’inspirent comme Dennis Hopper, William Eggleston, Robert Frank. Depuis maintenant trois ans j’essaie de me concentrer essentiellement sur mon propre projet, à savoir une documentation sur l’Amérique.


Quels sont vos projets ?

Je viens tout juste de terminer une exposition à Brighton, UK qui avait lieu à la galerie One Eyed Jacks (www.oneeyedjacksgallery.com). Mes projets sont de futures expositions bien sûr ! Je suis en contact avec une galerie à Sydney pour la prochaine, et je travaille actuellement sur la création d’un livre qui j’espère verra le jour rapidement.




















Ezra Stoller

Posted: October 18th, 2014 | Author: | Filed under: portfolios | Tags: , , | No Comments »
Share on FacebookTweet about this on TwitterShare on Google+Pin on Pinterest

American photographer (1915 – 2004)








































Jesse Treece

Posted: February 8th, 2014 | Author: | Filed under: portfolios | Tags: , , | No Comments »
Share on FacebookTweet about this on TwitterShare on Google+Pin on Pinterest

American collage artist











































Tacita Dean

Posted: February 3rd, 2014 | Author: | Filed under: art sur canapé: exhibition reviews | Tags: , , , | No Comments »
Share on FacebookTweet about this on TwitterShare on Google+Pin on Pinterest

Génèse d’une œuvre : JG de Tacita Dean, une conversation entre Robert Smithson, J.G. Ballard et Tacita Dean


JG est un film en grande partie inspiré par la correspondance que l’artiste Tacita Dean a entretenue avec l’écrivain J.G. Ballard (1930 – 2009) au sujet de sa nouvelle Les Voix du Temps (1960) et les connections que celle-ci entretient avec l’œuvre iconique de Robert Smithson, Spiral Jetty (en français : Jetée en spirale).

Effectivement, Tacita Dean et J.G. Ballard partagent le même intérêt pour l’œuvre emblématique de Smithson, érigée en 1970 au nord-est du Grand Lac Salé dans l’Utah et prenant la forme d’une spirale de 457 mètres de long sur 4,6 mètres de large, s’enroulant dans le sens inverse des aiguilles d’une montre. Pour sa réalisation, Robert Smithson a utilisé de la boue, des roches de basalte, des cristaux de sel, du bois et de l’eau.

Dans les lettres qu’ils s’adressent l’un à l’autre, ils expriment leur fascination mutuelle pour l’œuvre du land art et tentent de dénouer le mystère entourant cette pièce. De son côté, Tacita Dean avait commencé à s’intéresser à l’œuvre lors d’un voyage aux Etats-Unis entrepris en 1997. Elle décide alors de se rendre à Rozel Point, sans toutefois parvenir à localiser l’œuvre de Smithson, alors immergée par les eaux du lac. Ce périple marque l’artiste qui en tire une pièce sonore intitulée tout simplement Trying to find the Spiral Jetty. Peu de temps après, Ballard prend contact avec Dean en lui faisant parvenir un court texte qu’il a écrit sur Smithson. La boucle prend forme lorsqu’on entrevoit la possibilité que la nouvelle de Ballard Les Voix du temps aurait pu influencer Smithson pour l’érection de la spirale une décennie plus tard. L’ouvrage figurait en effet dans la bibliothèque de l’artiste.

J.G. Ballard, qui disparaît en 2009, lance une sorte de défi à Tacita Dean peu avant sa mort : « Traitez-là [Spiral Jetty] comme un mystère que votre film résoudra ». *

Le film a été tourné principalement dans l’Utah, près de Wendower et en Californie à Death Valley. Les images évoquent tour à tour les paysages de déserts, de lacs salés, l’ouvrage de science-fiction écrit par Ballard et Spiral Jetty, qui apparaît comme le pivot emblématique de JG.
Certains croient même que Spiral Jetty est implantée sur un emplacement quasiment sacré, information que Smithson n’était pas sans ignorer au moment de la conception de son œuvre.

Sur le plan technique, JG est une suite de FILM, également réalisé par Tacita Dean et montré en 2011 dans la Turbine Hall de la Tate Gallery à Londres. C’est une technique spécifiquement cinématographique qu’elle a utilisée pour FILM et qu’elle reprend pour JG. Utilisant du 35mm au lieu du 16mm précédemment employé pour ses films, Dean fait en sorte que l’obturateur de la caméra soit parfois masqué de manière partielle au moyen de caches aux formes différentes, qui seraient inutilisables avec le format numérique. Cette technique particulière – qui n’est pas sans évoquer les techniques du pochoir et du collage – confère à l’ensemble un caractère labile.

Le Temps est au cœur du film, un thème récurrent dans l’oeuvre de Ballard et également en écho à la pièce de Smithson qui induit également le concept du temps qui passe, le passé et le futur et par extension, au concept de pérennité. L’œuvre est en effet visible pendant les périodes de sécheresse, durant lesquelles le niveau du lac diminue, et s’est récemment retrouvée au cœur d’un débat concernant sa préservation puisque des possibles forages pétroliers pourraient être entrepris non loin du site, présentant une menace potentielle pour sa survie.
Spiral Jetty se laisse (re)découvrir au fil du visionnage de JG, avec ces correspondances visuelles et littéraires qui sollicitent l’imagination, tout en préservant le mystère qui entoure l’œuvre.

* J.G. Ballard dans une lettre adressée à Tacita Dean datée du 4 décembre 2007

An image from Tacita Dean's film JG

JG, film anamorphique 35mm en couleur et noir & blanc, son optique, 26.5 min

Le film est projeté en boucle au sous-sol de la galerie Marian Goodman à Paris jusqu’au 1er mars 2014.

Tacita Dean, née en 1965 en Angleterre, vit et travaille à Berlin.
Elle travaille avec des médiums aussi divers que le dessin, la gravure, les objets trouvés, l’installation photographique  et sonore et principalement le film.


croquis de Robert Smithson pour Spiral Jetty

Julien Salaud

Posted: January 1st, 2014 | Author: | Filed under: interviews | Tags: , , , , | No Comments »
Share on FacebookTweet about this on TwitterShare on Google+Pin on Pinterest


Constellation du chevreuil, trophée de chevreuil, clous, perles, coton, colle

Le travail de Julien Salaud rassemble tout un panthéon d’animaux représentés en utilisant différentes techniques telles que le dessin, la gravure ou la sculpture. Il est commun de penser que le thème principal de son travail est un questionnement sur la nature des liens unissant l’homme et l’animal. S’il s’agit bien d’un aspect de son travail, c’est davantage la transformation qui est au coeur de sa réflexion : transformer des dépouilles d’animaux de la forêt principalement, mais aussi des insectes, qu’il orne, qu’il pare de perles, de clous, de plumes ou de strass.
Julien Salaud vit et travaille à Orléans.
Il est représenté par la galerie Suzanne Tarasiève à Paris.

D’où vient votre intérêt pour l’utilisation d’animaux empaillés ?

Au début de l’année 2008 j’ai fabriqué deux petites sculptures avec des os, des plumes, des morceaux de bois et quelques graines ramenés de Guyane. L’une d’elle ressemblait à un perroquet empaillé lorsqu’on la regardait d’une de ses deux faces. J’étais inscrit en Master d’arts plastiques à l’université Paris 8 à l’époque, et lorsque j’ai montré ces travaux à ma directrice de recherche, elle m’a conseillé la lecture de The Postmodern Animal, livre dans lequel Steve Baker parle de taxidermie. Il y explique notamment comment les œuvres de Thomas Grunfeld, en renvoyant à la chimère antique, appellent l’imagination plutôt que la raison. Au même moment, j’ai découvert Chantal Jègues-Wolkiewiez, une ethno astronome qui a travaillé sur les peintures de la grotte de Lascaux. Elle a prouvé que les peintures zoomorphes de la Salle des Taureaux correspondaient à une carte du ciel de l’époque. Les taxidermies ont fait irruption dans mon travail à ce moment précis, et dans cette conjoncture, avec les Animaux stellaires. Ces pièces sont à la fois une mise en œuvre de l’animal étrange de Baker et une interprétation des découvertes de Jègues-Wolkiewiez. J’ajouterai que les taxidermies ont été un bon support de réflexion pour tout ce qui a pu m’intriguer au sujet de la mort.




Vieux Piraï emplumé, piranha séché, plumes de perruches ondulées, fourmis manioc, perles de rocaille, bois, coton sauvage, feuilles de cuivre, gouache, colle

Vous avez étudié la biochimie à l’université.
Pensez-vous que cela ait pu avoir une influence sur votre travail ?

Oui, définitivement. Mes premières années d’études étaient tournées vers les sciences dures. Durant cette période je me suis acharné à essayer de développer un esprit logique… Sans le moindre succès. Plus tard, mon premier emploi aura consisté à récolter les données de programmes d’études concernant l’impact des activités humaines sur la faune sauvage guyanaise. A vrai dire, je n’étais pas captivé par ces études, par contre j’adorais passer des journées entières à pister les animaux. Au final il ne m’aura donc pas fallu moins de dix ans pour admettre que je n’étais compatible ni avec les sciences et ni avec leurs systèmes d’appréhension du monde par l’ordre et la logique. Je me suis donc plongé dans l’art – la seule constante de mon parcours chaotique – sans pour autant abandonner les problématiques qui motivaient mes actions. Celles induisant un rapport à l’environnement par exemple.

La réalisation de vos pièces demande du temps, de la méticulosité ainsi que des volontaires.
Comment travaillez-vous ?

Il y a plusieurs sortes de beautés, je suppose que la mienne fonctionne plutôt comme un fruit : elle mature avec le temps. Du coup mon travail est très chronophage. Il l’est par goût : je ne suis pas dans la logique, pas plus dans le concept. Je cherche plutôt quelque chose qui serait de l’ordre de la contemplation. La contemplation demande du temps, alors si je veux la déclencher chez les autres, il faut que je commence par donner du temps quand je tente de faire un objet de contemplation. Il y a deux ans encore, je pouvais travailler seul sur mes pièces. Certaines me prenaient plusieurs mois, comme la Constellation du cerf (harpe) II par exemple. Mais le rythme de travail a considérablement augmenté dès la fin de l’année 2011, me forçant à appeler au secours pour que les œuvres soient prêtes à temps… Depuis je travaille régulièrement avec l’aide de tierces personnes, des amis ou bien des étudiants en art qui viennent faire leurs stages chez moi. L’été dernier nous avons été jusqu’à douze personnes à travailler dans le jardin pour préparer les expositions d’octobre ! Il y a quelque chose de très énergisant dans le travail en équipe. Les œuvres peuvent prendre une ampleur qu’il serait impossible de développer seul, et puis le partage du travail n’est jamais à sens unique. Travailler deux mois et demi à vingt-quatre mains une pièce demandant patience et méticulosité comme Printemps (nymphe de cerf) m’a récemment permis d’observer les conséquences du processus de création sur d’autres personnes que moi. Pour un peu ça me donnerait envie de faire des expositions-ateliers durant lesquelles les visiteurs de l’expo se transformeraient en créateurs des pièces exposées. J’ai l’impression que la meilleure façon d’entrer dans une œuvre, c’est de participer à sa réalisation.


Précieuse Goliath, goliathus goliathus albatus femelle, strass, colle, épingles

Vous travaillez avec une variété de médiums différents : le dessin, la peinture et bien sûr la sculpture.
Cela vous permet-il d’exprimer la même chose de manière différente ?
Est-ce important pour vous d’avoir recours à ces techniques différentes ?

Changer de média, c’est un peu comme prendre l’air ou partir en vacances. Ça permet de garder un bon équilibre de vie. Je crois que je m’ennuierai vite si je ne devais faire que du dessin, ou que de la sculpture. Ces deux médiums fonctionnent de concert chez moi : les dessins que je fais dans des carnets vont passer en sculptures, les sculptures vont être prétextes à des petites histoires en dessins, et puis, quand je ne peux pas transformer un dessin en sculpture ou inversement parce que ça ne correspondrait pas, alors je fais des photos. Donc oui, en effet, le changement de média peut permettre d’exprimer plusieurs formes d’une même chose. Mais il existe une deuxième possibilité : le changement de média peut entrainer une métamorphose de la pratique artistique. Dans ce cas, l’avant et l’après ne sont semblables ni dans la forme, ni sur le fond. Et pourtant, l’un et l’autre sont en continuité.
Pour l’instant, je n’ai vécu cette transformation qu’une seule fois. Mais je continue à pratiquer différents médias en espérant qu’un jour une prochaine métamorphose se réalise.

02Poisson à plumes I, gravure (étapes I, II et III)


In Julien Salaud’s work there is a whole pantheon filled with animals depicted in different ways, such as drawing, etching and sculpture. It is generally accepted that his work examines the connections between man and animal. That is indeed one side of his work, but transformation is really the core of it: wood animals skins or insects turning into something else with additional beads, nails, feathers or rhinestone.
Julien Salaud lives and works in Orléans.
He is represented by Suzanne Tarasiève art gallery in Paris.

Where does your interest in working with stuffed animals come from?

In early 2008 I did two tiny sculptures made of bones, feathers, wood pieces and some seeds that I brought back from French Guyana. One of them looked like a stuffed parrot from a specific angle. I was then studying Arts at Paris 8 University and when my professor saw it, she recommended the reading of Steve Baker’s The Postmodern Animal, which is about taxidermy. Baker states that the works of Thomas Grunfeld, by referring to ancient chimera, carries imagination rather than reason. Meanwhile I discovered the work of Chantal Jègues-Wolkiewiez, an ethno astronomer who previously studied Lascaux cave paintings. She demonstrated that the zoomorphic paintings from The Hall of the Bulls correspond with the sky map at the time. Taxidermy occurred in my work at the same time with the piece les Animaux stellaires. These are both some application of Baker’s book and Jègues-Wolkiewiez investigations. And taxidermy was also a good way to think about death and the way I’m intrigued by the concept of it.

Do you think studying biochemistry at the University influenced your choices as an artist?

Definitely. The first years I studied hard science and I unsuccessfully attempted to develop logical thinking for myself… Later on my first job consisted of gathering data regarding the impact of human activity on the wildlife in French Guyana. I was not really passionate about it to be honest, but I really enjoyed spending entire days tracking the animals. In the end it took me ten years to admit that I was neither compatible with science, nor with its way of studying the world through order and logic. I then focused on Arts – the one and only continual thing in my chaotic process – without actually giving up the things that interest me for my work. I’m thinking about the ones dealing with environment or nature for example.


Constellation sans perle (daim), détail

You make pieces that require time, meticulousness and people to help in the process.
How do you usually work?

There are different kinds of beauty. I suppose the one I am interested in is like a fruit: I am not following a logical analysis, and I am not trying to have some concept. I am rather into contemplation, which implies taking some time. So if I want the audience to be aroused by contemplation, I have to take some time to be able to create an object that will provoke the same effect. Until two years ago I was still able to work on my own. It may take several months to finish a piece, like the Constellation du cerf (harpe) II. Since the end of the year 2011 the rhythm has increased, and I was no longer in the position to work on my own, I had to call for assistance to make sure the work would be ready on time… And I have been working with various people, friends or art students since then. Last summer we were like twelve people working in my garden to prepare exhibitions scheduled in October! Working among a team is somehow very inspiring. Works can exist in a way that you would never achieve on your own. In addition to that, working with different people is never a one-way thing. Twenty four hands worked with a lot of patience and precision on the piece entitled Printemps (nymphe de cerf) during two months and a half. I then witnessed the consequences of the creating process on other individuals than myself. It almost convinces me to do workshops-exhibitions where the visitors could also be involved in the making.
In a way I do think that the best way to understand a work of art is to participate in the creative process.


Constellation sans perle (daim), trophée de daim, clous, colle

You are also working with various media, such as drawing, painting, and sculpture of course.
Does it allow you to express the same things in different ways?
Is it important for you to work with all these media?

Working with various media feels like getting some air or taking holidays. It balances the whole thing you know. I think I would get bored if I was only into drawing or sculpture.
In my case these two media work well together: some drawings from my notebook will transform into sculptures and sculptures will become sketches sometimes. When I cannot make a drawing evolving into a sculpture or the opposite – because it would not match – I take pictures. So changing media is definitely a way of expressing several aspects of a same thing. But there is another possibility too: different media could also alter the artistic process. In that case what comes before and what comes after is totally different, visually speaking and regarding its contents. They are aligned with each other though.
I have experienced it once at the moment. But I keep on working with different media hoping that some metamorphosis would happen someday.



Marc Held

Posted: December 7th, 2013 | Author: | Filed under: interviews | Tags: , , , , , | No Comments »
Share on FacebookTweet about this on TwitterShare on Google+Pin on Pinterest


L’Echoppe, Paris



L’Echoppe, Paris

Aujourd’hui vous vivez en Grèce, sur une île. A quoi ressemble une journée type ?

Je vis sur une île peu touristique, ma maison est isolée, au-dessus de l’eau. Je me lève de bonne heure et je me mets à ma table à dessin dès le matin surtout lorsque j’ai un projet en cours. En général, je travaille sur un seul projet à la fois. Comme je fais de l’architecture purement artisanale, faire appel aux ressources locales me tient très à coeur. Je me rends souvent sur les chantiers, cela me permet d’échanger avec les artisans, voir l’avancée du projet. Je déjeune à l’heure grecque, c’est à dire vers 14 heures, puis je fais une sieste. En général, j’ai beaucoup d’énergie au réveil et je repars sur mes chantiers. Le soir, je me détends en écoutant de la musique, en lisant ou parfois en regardant les programmes français à la télévision.

A quel moment vous êtes-vous installé en Grèce ?

En 1989, c’était presque sur un coup de tête.


Villa Myrto, Grèce


Villa Myrto, Grèce

C’est une maison que vous avez vous-même conçu ?

Dans un premier temps ma femme et moi avions acheté la ruine d’une petite maison paysanne qui dominait la mer. Je l’avais restaurée à l’ancienne avec des matériaux traditionnels et le savoir-faire local. On y a vécu sept ans, sans téléphone, loin de tout. Ensuite, j’ai construit une maison de mes propres mains.

Dans la galerie où nous nous trouvons sont exposées un grand nombre de photos en noir et blanc que vous avez prises dans les années 1950-60. Cet aspect de votre production est moins connu du grand public, on y trouve principalement des scènes de vie quotidienne, avec beaucoup de portraits.

Cette production de photos suit le courant de cette époque-là, un courant humaniste. Il y avait ces grandes illusions quant à notamment, la capacité de la politique à changer le monde, le fait d’être plus humain, plus fraternel etc. Nous sortions de cette guerre, que j’ai vécu enfant, et nous étions en faveur de ces valeurs. Nous pensions que nous allions changer le monde grâce à la politique. Et puis cette période précédait un développement économique sans précédent, qu’on a nommé Les Trente Glorieuses.
J’avais de l’empathie pour les gens qui m’entouraient, nous étions pauvres mais plein d’espoir. J’ai également pris en photo la vie politique de l’époque : 1958, la menace de la prise de pouvoir par les parachutistes, les manifestations…

Ces photos n’ont été montrées que récemment…

Je n’avais pas l’ambition de devenir photographe, mais je m’intéressais à la composition – un point commun avec mon travail d’architecte ou de designer. Ces photos sont restées classées, et elles sont ressorties il y a quelques années de mes archives.


Fauteuil Culbuto (1965-1967)

Pensez-vous qu’il y a des expériences de votre enfance qui auraient pu vous prédisposer à devenir un designer ?

Non, en tout cas, pas dans mon enfance. Pour échapper aux Nazis et aux collaborateurs, ma mère et moi nous étions cachés dans une ferme du Limousin pendant la guerre. Cette famille d’accueil est d’ailleurs devenue notre famille par la suite. J’y ai découvert l’amour de la ruralité, un intérêt pour le paysage si vous préférez. Mon père est rentré dans le maquis et il m’a fait rentrer avec lui comme agent de liaison à onze ans, sans doute parce que j’étais intenable. De temps en temps, on me faisait monter sur le camion et tirer dans les champs à la mitraillette. Pour résumer, j’ai eu une enfance qui a fait de moi un insoumis et accepter la discipline scolaire a été un gros problème pour moi.
Après le lycée, j’ai eu envie de faire du théâtre – j’adorais aller voir Gérard Philippe sur scène – mais j’étais assez timide et je me suis dégonflé.


Fauteuil Culbuto (1965-1967)

Comment êtes-vous devenu designer ?

C’est par l’intermédiaire de mon beau-père, un bourgeois communiste, cultivé, engagé politiquement lui aussi. Lors d’un voyage collectif, j’ai découvert la chapelle de Ronchamp du Corbusier et la Rotonda de Palladio, deux oeuvres initiatiques pour moi. J’étais prof de gym à l’époque mais je ne n’avais plus de doute sur ce que je voulais faire. Le terme de design n’existait pas à ce moment là. J’ai commencé à faire des meubles, en hommage au Bauhaus notamment. Entre temps, j’avais intégré une société de vente par correspondance, j’y avais un très bon poste. J’ai acheté un grand appartement que je décore avec mes meubles. Je fais venir un photographe professionnel pour documenter le tout. Les clichés sont publiés dans la revue Maison Française et tout s’emballe. On me contacte pour des petits chantiers d’architecture intérieure. J’apprends sur le tas mais je ne me sens pas prêt pour faire de l’architecture.


Etagères en contreplaqué moulé (1966)

Comment est né L’Echoppe ?

C’est mon ami le peintre Robert Wogensky qui m’a conseillé d’ouvrir un showroom pour montrer des créations internationales et les miennes. J’ai vendu mon appartement pour m’installer avec ma femme Marianne dans un immeuble HLM et je prends un magasin situé rue de Seine. C’est le milieu des années 60, je fais venir des meubles de Scandinavie, d’Allemagne, d’Italie etc. J’avais du mal à rentrer dans mes frais, pour être tout à fait honnête. Et puis, le bouche à oreille fonctionne et le succès arrive. Les gens faisaient la queue, déposaient leurs listes de mariage…


L’Echoppe, Paris

Cette expérience a-t-elle facilité le passage à l’architecture ?

Oui d’une certaine manière puisque j’ai été approché par le promoteur d’Avoriaz, un jeune type ambitieux après la publication d’un article dans le Nouvel Observateur où j’étais considéré comme “un pionnier du beau”. Il m’a proposé de rejoindre l’équipe des architectes de la station de ski. J’y ai travaillé pendant trois ans, dessinant des meubles, participant à l’architecture. J’ai pris conscience de mes lacunes, ce qui était une bonne chose. Et j’ai eu envie de me lancer en architecture, tout en continuant à concevoir des meubles.

Quels sont les liens entre design et architecture d’après vous ?

Ces métiers sont extrêmement proches. La démarche est assez similaire, même si l’architecture est plus complexe de par ses volumes plus importants que ceux d’un objet. Pour les percevoir, l’observateur, selon l’endroit où il se trouve, et l’orientation à partir de laquelle il regarde l’objet, a une perception différente. Pour le cerveau, c’est infiniment plus complexe à mémoriser. S’ajoute à cela le fait que le cerveau fait ensuite une synthèse entre ce qu’il a perçu de l’extérieur et les volumes intérieurs. Il y a également la relation du bâtiment avec l’extérieur, le graphisme (les lignes du bâtiment) et enfin le toucher (les matériaux).
Etre architecte, c’est un peu être comme un samouraï : il faut toujours essayer de faire mieux.


Bureau en fibre de verre (1965-1968)

Parlez-moi du projet pour IBM.

Je venais de terminer la réalisation d’un centre commercial à Clermont-Ferrand et j’ai reçu ce coup de fil de leur part. Ils veulent me rencontrer et je dois leur présenter un dossier.
A cette époque, IBM dans le monde entier avait une politique immobilière qui consistait à être propriétaire de ses lieux.
On me fait venir à Montpellier pour me montrer un site industriel avec des usines. Leur idée était d’y implanter un centre social pour les employés, avec un restaurant d’entreprise etc. Ce projet était très passionnant et j’ai bien sûr accepté. La philosophie de cette compagnie, c’est l’austérité, la réserve; des caractéristiques que j’apprécie aussi. J’ai proposé un projet très high-tech, qui utilisait des ressources et des matériaux locaux, pour le même budget et dans le même délai. Tout autour, j’ai réintroduit la végétation locale, en faisant planter des pins, des oliviers. J’ai passé presque un an sur place.
Je l’ai su par la suite, mais chaque projet était noté et si tout se passait bien, les projets devenaient de plus en plus ambitieux. Ce qui a été mon cas puisque j’ai eu la chance d’être l’architecte d’IBM en France.
Je suis retourné récemment sur le site et la végétation a poussé, le béton a blanchi mais il a bien vieilli. Le bâtiment est parfaitement bien intégré au paysage.


“La Lande”, pour la compagnie IBM, Montpellier (1984-1985)


“Le B5”, pour la compagnie IBM, Montpellier (1984-1985)

Je crois que l’architecture s’inscrit dans la durée. C’est aussi le temps qui détermine si un projet est réussi ou pas.

Oui tout à fait. Et lorsque je travaille sur un projet d’architecture, j’ai ça en tête.
“Comment sera mon bâtiment dans dix, trente ans, cent ans ?”

Toutes les images : Courtesy de Marc Held


Merci à Emma Lindgren et à l’équipe du Brio sans qui cette rencontre n’aurait pas pu se produire.

b_wLit en plastique (1966)

Corey Arnold

Posted: November 5th, 2013 | Author: | Filed under: portfolios | Tags: , , | No Comments »
Share on FacebookTweet about this on TwitterShare on Google+Pin on Pinterest

Alaskan photographer and commercial fisherman




























Ryan Gander

Posted: October 13th, 2013 | Author: | Filed under: art sur canapé: exhibition reviews | Tags: , , | No Comments »
Share on FacebookTweet about this on TwitterShare on Google+Pin on Pinterest

Really good artworks start in one place but go to multiple places, have multiple readings, different possibilities and outcomes.
Ryan Gander interviewed by Lorena Muñoz-Alonso, 8 Nov 2011


Make every show like it’s your last. The title Ryan Gander picked for his current show at Le Plateau in Paris sounds like some advertising motto. In a way, it could also recall Steve Jobs’ famous quote: ‘Live each day as if it was your last‘. The title induces that when people are committed to a creative process, such as artists, they are expected to be genuinely brilliant each time they produce a work or a show. The whole concept is about imagination, a notion that is widely asserted in the show.

In the main lobby, the audience is welcomed by some advertising light box by JC Decaux, the same you can find around the streets of Paris. Behind a black curtain, the visitor is welcomed by a monolithic sculpture made of mirrored glass which stands in the middle of a darkened room. He then could expect something to happen, such as a video projection as the set up recalls the ones generally used in contemporary art exhibitions, but there is nothing going on. He may wonder if the work is broken, he does not even know if he is facing a work of art or not. Those kinds of questions is what Ryan Gander is interesting in as an artist exhibiting work in a show: making objects that remain ambiguous to the spectator.

In the next room a short video is screened, its title, Imagineering, which combines the words ‘imagination’ and ‘engineering’, was inspired by Walt Disney who believed that imagination could allow everyone to fulfil their own dreams. The video running time is less than a minute and it is very similar to a typical British TV commercial. It was commissioned by Ryan Gander to a professional advertising agency to promote creativity in Britain, as if the actual client was the British government’s Department for Business, Innovation & Skills. Gander says he was very interested in the idea of promoting a concept, something that was not a product or an object. So the video is at the same time a TV commercial and a work of art or only one of these two options. There are multiple readings in the work of Ryan Gander and it is up to the audience to decide.

Then the visitor steps into a narrow hall in the dark and discover a framed glass window on the left wall. It seems to lead into some forest, a place the artist refers to as ‘Culturefield’, a territory where creativity is experienced without any intellectual or conceptual boundaries. Tank with ‘Entrance to a clearing‘ is fiction, it is not real, it suggest something else, it says ‘use your imagination‘.

The next room is empty, except for a pair of eyes emerging from a white wall and staring at the visitor who passes by. They adopt various expressions such as curiosity, boredom, anger, confusion, concentration or happiness; the ones that exhibition goers usually experience when confronted to an artwork. With Magnus Opus, the spectator becomes the one who is watched.

Make every show like it’s your last – Ryan Gander
Le Plateau
September 19 to November 17, 2013
Curator: Xavier Franceschi

Ryan Gander is an artist based in London and Suffolk, UK.
He is represented by GB Agency in Paris, and Lisson Gallery in London.


Make everything like it’s your last, digital print, Decaux panel, 2013


Make everything like it’s your last, digital print, Decaux panel, 2013


The Useless Machine with Blowing Curtain, mirrored perspex, electrical components, curtain, 2013


Imagineering, video HD, sound, 2013


A lamp made by the artist for his wife (Thirty-first attempt), homewares and DIY materials from BHV, 2013


Tank with ‘Entrance to a clearing’, metal, glass, wood, artificial plants, lighting, 2013


Magnus Opus, animatronic eyes, sensors, computer, 2013


I is… (ii), marble resin, 2013. Image by Ken Adlard

All pictures: Courtesy Ryan Gander Studio

Gillian Laub

Posted: October 6th, 2013 | Author: | Filed under: portfolios | Tags: , , | No Comments »
Share on FacebookTweet about this on TwitterShare on Google+Pin on Pinterest

American photographer born in 1975