Benjamin Sabatier

Posted: January 6th, 2010 | Author: | Filed under: interviews | Tags: , , | No Comments »

Benjamin Sabatier’s recent show at the Point Ephémère, Paris was titled Manifeste.
You could see the exhibition space from the outside through a large window. White placards with messages were displayed against one of the walls. These messages were collected in various public toilets in the city and the recording was the ceaseless flow of a flush.
The placards are usually used in the public sphere to express demands during protests; for the show they recorded a series of anonymous messages left in an intimate place. Benjamin Sabatier refers to the placards as screens, showing some odd collective word with a sense of humour.

Manifeste, exhibition view at the Point Ephémère, from 13 November to 08 December 2009

Benjamin Sabatier in conversation with Adeline Wessang

I graduated from Rennes 2 University with a postgraduate certificate and an aggregation in Arts, which also allows me to be a teacher. I’m teaching at La Sorbonne and I’m also involved with the CERAP (center of studies and research in Arts).

I want my work to be accessible, it is very important. It is part of what I call the ‘aesthetics of the viewer’. When confronted to my work, the viewer is not in virgin territory: he sees things he knows about because he sees them regularly but this time they are displayed in unusual positions and combinations.
To me, art is a transcription of the real, a way of looking at the world around us. Indeed art allows to access the real in an unusual way. The beginning point does exist concretely: materials, objects or processes that everyone is supposed to know. Then they are used in a different way in order to show some specific aspects and to include the viewer as one of the modalities for the work.
The fact that my work is usually ‘reproducible’ is also a ‘way of doing’, not far from what we call ‘Do It Yourself’.
Besides, a part of my work fully includes reproducibility and is displayed in the form of kits. It seems usually ‘reproducible’ because you can easily imitate the pieces.

7728Rondin Les 3 Suisses II, 2004
mail order catalogue and half log, 25 cm height, 41,7 cm diameter
Courtesy of Galerie Jérôme de Noirmont

The viewer can say ‘I could do it myself’, and he is right.
DIY means ‘Faîtes-le vous-même’ in French and I think that it is not only some activity you do on Sundays. It is a true way of thinking, referring to hippies’ utopiae from the 1960s. All the counter culture from the next decades comes from that. The French translation for DIY Faîtes-le-vous-même is more appropriate than bricolage or système D.
It is also a way of doing hand made things, finding again some autonomy and being more manual. I am referring to the Whole Earth catalog (Access to tools), first released in 1968. It was the first mail-order catalogue, written by Stewart Brand and it has quickly become the counter culture bible in the US.
The book is not only a catalogue of tools, it is also filled with visionary ideas and articles about Earth protection, bio farming, self-sufficiency, self-education, cooperation…
DIY philosophy is in progress. Not only it is a way of reducing costs but it is also an alternative to mass production. It is no accident that it is currently regaining across the Atlantic. It is supposed to be some kind of reaction to consumer society excesses and its dangerous effects on the planet. Moreover, it is a survival strategy when there is an economical crisis.

I was looking for something which could involve the audience in the making. It was also a way of delegating to the audience some part of the work (DIY again). First I created a decorative pictorial pattern with pins stuck into the wall. Then I asked myself how I could distribute this work created onto a specific location. I ended up with a kit. This reproduction system quickly interested me more than the product itself. I was inspired by a firm like IKEA. I produced multilingual guides, I designed tools to make the assembling easier. Each object is edited in three copies. Two copies: the work and its reproduction. From three copies, I would say it is about editing with the concept of a product.
The kit questions about the work status as a merchandise, as well as the current functioning of consumption and the marketing strategies.

Installation de présentation du Kit
pins, cardboard box, instructions book, pattern and tools
Courtesy of Galerie Jérôme de Noirmont

Then I designed a logo: IBK (International Benjamin’s Kit). The name came to me naturally, with reference to IKEA and to Yves Klein’s IKB (International Klein Blue). He is to me one of the first artists who has thought about the market value in a relevant way. Let’s remember his show at the Apollinaire gallery, Milan in 1957. Eleven blue Monochrome were displayed, all the same size but at different selling prices. Klein thought the paintings were not exactly the same because they were perceived in a different way by the audience. The price is part of the work.
Of course IBK is also a reference to Walter Benjamin, whose name is similar to my first name.
IBK is more than a brand, it is a concept, a kind of vision which is related to DIY in my opinion.
IBK has also became a structure which produces things and allows to collaborate with people on different projects.

For the past years I have been called an artiste entrepreneur. It is true that I do have my say on economy and business. But I am not an entrepreneur per say, such as famous artists like Jeff Koons or Takashi Murakami. IBK is not a firm, socially or economically speaking. It is more of a concept, a work of art in itself. But as IBK has some of the characteristics of a firm, I guess it is easier to say I am an entrepreneur.
I do not intend to pretend to be one (it has been done previously a lot by others) and I do not want to mimic current economic structures. I am not interested in mimesis or copy. I would also like to add that I am not attracted to this world, I am rather interested in the fact that it cannot be ignored because it is the main structure for individuals in current society.

The relationship to the body is important in my work. I am also interested in the relationship with materials. This confrontation or association leads to produce shapes. Learning something is what I am looking for and I could say that I am challenging myself each time I am starting a project. I feel like I always gain some knowledge, which can be practical but more often critical. Then again DIY is not far.  Carrying rocks, piling Scotch-tapes, sticking nails, drawing pins, sharpening pencils… All my projects have repetitive gestures and you will not be surprised to learn that performance art is special to me.

The End, DIY 1388, 2008
hammer, nails, pattern, instructions book and cardboard box, 88 x 162 cm
Courtesy of Galerie Jérôme de Noirmont

In 2008 I performed at the MAK, Vienna. It was called SUPERPARTYCYCLES and I had a free hand. I wanted to turn this several-stages old bunker into some place for partying. On the last floor in an empty room I put 80kg of pallet (my own weight) covered with sheets of coloured paper. I was continually tearing up the sheets to make confetti. After a while, a few people in the audience imitated me by tearing up the paper sheets. The performance was working as long as more and more people were participating. The destructive gesture towards some manufactured material changed the performance into a party.
Long before the performance 35 Heures de travail (2002) at the Palais de Tokyo (I was entirely sharpening pencils manually during 35 hours), I produced some works involving sharpened pencils. Each one was then stored into a plastic bag mentioning the brand of the pencil. I put the bags at the supermarket so the consumer could buy his pencil already sharpened! That was the whole idea. The product was somehow already a waste in that context. The consumer became a viewer and gained some critical opinion towards mass consumption.
I dropped about fifty of these bags in various supermarkets.
I never saw someone actually staring at my bags, I never waited to see people’s reactions… But it does not matter. This project was indeed my first real performance…
I am interested in putting objects or products back in some different kind of consumption cycle or giving these things a second life. I’m thinking of Paul Auster’s In The Country of Last Things (1989) which French title is Le Voyage d’Anna Blume. Main characters are scavengers who survive by collecting garbage in a city that has collapsed into chaos and disorder. I was more interested in the title, referring to Kurt Schwitters’ An Anna Blume (1919), his book of poems and collages. This was the starting point for my thoughts on merchandise and packaging, further extended with kits.

I collected squashed things in the street (Etalage, 2004). These flattened objects seemed to be images of merchandise to me.
They were not objects per say anymore, as they had lost their shape and their use at the same time. They had become two dimensional pictures, colored spots on the ground. I placed them into plaster blocks to make them look ‘marketable’ like bricks or boxes. Then I displayed them stacked on pallets as if they were average goods.
Later I purchased a large amount of objects in blister packaging. Blister is a rounded, bulging, usually transparent structure for display and protection of packaged products. I use blisters as molds and I pour cement inside. I did an Action Man series. It is all about packaging, box, carriage and merchandising the world and Art in general.

7691Action man I, 2007
Blisters series, cement, 30 x 22,5 x 10 cm
Courtesy of Galerie Jérôme de Noirmont

Recycling materials is interesting. A few years ago I used to keep mail order catalogues such as La Redoute or 3 Suisses for recycling. The reason I was collecting them was mainly because they don’t last. Plus I like when the materials are available in a large amount easily.
Sheets of the catalogues were stored in ice cubes boxes, each sheet in one single compartment. I was trying to focus on short-term preservation by reproducing seasonal advertising commonly used for these mail order catalogues: Fall/Winter, Spring/Summer. In the end, I think that the whole idea was also referring to the Whole Earth Catalog.

Bacs 019, 2005
Bacs series, ice cubes boxes, paper and wood, 95 x 95 cm
Courtesy of Galerie Jérôme de Noirmont

Yes indeed packaging is recurring in my work: bags, blisters, kits…
In contemporary art history the box cannot be ignored. I am thinking of Duchamp’s Boîte en Valise, Warhol’s Brillo Boxes, Manzoni’s used cans, Judd, Arman, Raynaud… It would be good to write a book on the subject.
I am still working on packaging. The box which protects and informs on its content at the same time, must be practical and a promotional material.
Right now I am more interested in its usage, that is to say carriage and stocking.
I fixed climbing grips to rocks (Prises, 2008). These colored grips usually allow the body to climb on the wall. The relationship to the body is somehow perverted since in that case, the grips allow to carry the object. I wanted to add some sort of ergonomics to it.
In a way, this project extends a part of work of art history which is said to have influenced the shape of the work of art. Take donkey painting for instance, it allowed paintings to be spread widely. It also demonstrated the connections between work of art and merchandise.

Typical day?
I spend some time on my computer, mainly sending emails, getting informed. The network matters. I have been in touch with artists from abroad. I can also work on projects from a distance, sending patterns by email allowing the work to be done without me. I like this circulation linked with ubiquity.
I do a lot of sketches. I put up them on a notice board in my studio, along with notes. Sometimes I can give up on some ideas then I will go back and make them happen. I do not work on a project if its achievement is not possible.
In the end I would say that I always focus on gathering and stocking.

Tableau n.3, 2008
felt-tip, pencil, pinned paper and wood, 150 x 150 cm
Courtesy of Galerie Jérôme de Noirmont

I am currently working on a performance which will take place at Centre George Pompidou in February 2010.
I am also supposed to exhibit at Delicatessy gallery in Cracovia, Poland. Delicatessy refers to food shops, such as butcher shops. So the name has to do with merchandise and it is really interesting to me.
Moreover, I am currently focusing on projects involving brick as main material. Brick  does have attractive features: it is a module, made to fit in man’s hand, you can handle it easily for carrying. So we go back on the carriage thing, and the relationship with the body (previously discussed) and more specifically with the hand. In conclusion I would like to quote the essay written by art historian Henri Focillon L’Eloge de la Main (1934).

This interview has taken place in Benjamin’s studio on November 2009.

Benjamin Sabatier, born 1977.
Lives and works in Paris.


Jérôme de Noirmont art gallery, Paris:

FRAGILE, Ville d’Issoire edition, 2008
S.A.V., Galerie Jérôme de Noirmont edition, 2005 (sold out)
Peinture en Kit, Noirmont Prospect edition, 2003 (sold out)

IBK’s Scotch Tower V, 2007
Scotch-tape rolls, concrete and PVC, 241.5 x 17 cm
Courtesy of Galerie Jérôme de Noirmont

Benjamin Sabatier (version française)

Posted: December 14th, 2009 | Author: | Filed under: interviews | Tags: , , | 1 Comment »

Au Point Ephémère, à Paris, se tenait récemment l’exposition Manifeste, une proposition de Benjamin Sabatier.
La salle d’exposition était visible depuis l’extérieur par une grande vitrine. Le long d’un des murs, on avait disposé des pancartes blanches sur lesquelles des messages étaient projetés. Ces messages avaient été récupérés dans diverses toilettes publiques de la ville et la bande sonore de l’écoulement continu d’une chasse d’eau emplissait l’espace.
Les pancartes, qui sont traditionnellement utilisées dans la sphère publique pour exprimer des revendications lors de manifestations, recueillaient ici une série de messages anonymes laissés dans un espace intime. Les panneaux sont envisagés par l’artiste comme des écrans de projection, accueillant une parole collective décalée et non dénuée d’humour.


Vue de l’exposition Manifeste, du 13 novembre au 08 décembre 2009 au Point Ephémère

Benjamin Sabatier en conversation avec Adeline Wessang

Parcours ?
J’ai étudié à l’université de Rennes 2, j’ai obtenu un DEA et une agrégation en Arts Plastiques, ce qui me permet d’être également enseignant. J’enseigne à Paris I Panthéon-Sorbonne et où je fais partie du CERAP (Centre d’Etudes et de Recherches en Arts Plastiques).

Que mon travail soit accessible est une chose très importante pour moi. Cela fait partie de ce que j’appelle “l’esthétique du spectateur”. On peut dire que celui-ci se trouve, face à mes oeuvres, en terrain connu. Il est confronté à des choses qu’il connait bien, qu’il côtoie régulièrement mais dans des postures et des associations qui posent un certain nombre de questions.
L’art c’est pour moi une retranscription du réel, qui médiatise une manière de voir le monde. L’art est par là un accès singulier au réel. Le fait de partir d’un réel commun – que ce soit des matériaux, des objets ou des procédures, que tout un chacun est censé connaître et reconnaître- et de le réemployer afin d’en révéler certains aspects est une manière d’intégrer le spectateur comme l’une des modalités de l’oeuvre.
Que mes oeuvres soient dans l’ensemble “reproductibles”, c’est aussi une “manière de faire”, proche de ce que l’on appelle le “Do It Yourself”. D’ailleurs certaines de mes oeuvres intègrent totalement cette reproductibilité et se présentent sous forme de kits. Mais le plus souvent les oeuvres semblent “re-productibles” car elles sont facilement modélisables.

7728Rondin Les 3 Suisses II, 2004
catalogue de vente par correspondance et demi rondin de bois, hauteur : 25 cm, diamètre : 41,7 cm
Courtesy de la Galerie Jérôme de Noirmont

Le spectateur peut ainsi dire “moi aussi je peux le faire”, et il aura tout à fait raison.
Le DIY qui peut être traduit en français par “bricolage”,  n’est pas seulement pour moi, une activité à laquelle on s’adonne le dimanche. C’est plutôt un véritable mode de pensée, qui se réfère aux utopies Hippies des années soixante, dont toute la contre-culture des décennies suivantes est issue. En Français, la traduction littérale de DIY : Faites-le vous-même est plus porteuse que celles de simple bricolage ou système D.
C’est aussi une manière de faire “hand made” pourrait-on dire, qui est un moyen de retrouver une autonomie, une certaine “manualité”, face au réel contemporain, d’avoir prise sur lui.
Je pense ici au Whole Earth catalog, sous-titré Access to tools dont la première édition date de 1968. Ce catalogue de vente par correspondance, le premier du genre, inventé par Stewart Brand, est devenu très vite la bible de la contre-culture aux Etats-Unis.
Le catalogue n’est pas seulement un réservoir d’outils, il est aussi rempli d’idées visionnaires. On y trouve des articles sur la préservation de la planète, l’agriculture bio, l’autosuffisance, l’auto éducation, la coopération…
La philosophie du DIY est une pensée en devenir. C’est en premier lieu un moyen de réduire les coûts mais c’est aussi un moyen de proposer une alternative à la production de masse. Ce n’est pas un hasard si elle fait un retour en force outre Atlantique. Elle est considérée comme une réaction aux excès de la société de consommation et ses effets dévastateurs sur la planète mais elle est surtout en période de crise une stratégie de survie.

Je cherchais à produire une oeuvre qui impliquait le spectateur, qu’il puisse s’investir réellement dans la fabrication. C’était également un moyen de lui déléguer une partie de l’oeuvre (encore le concept du DIY). Dans un premier temps j’ai créé une forme picturale décorative avec des punaises plantées directement au mur. Je me suis ensuite demandé par quels moyens je pourrai diffuser cette oeuvre réalisée in situ. J’ai donc proposé cette oeuvre en kit. Ce système de reproduction m’a intéressé très vite davantage que l’objet produit lui-même. Je me suis inspiré du mode de fonctionnement d’une entreprise telle que IKEA, en éditant des systèmes de montage multilingues, en créant des outils conçus pour faciliter le montage. Chaque objet est diffusé par série de trois. Un objet édité en deux exemplaires, c’est l’oeuvre et sa reproduction. A partir de trois, je dirais que c’est une pratique proche de l’édition, avec le concept de produit.
Le Kit interroge le statut de l’oeuvre d’art en tant que marchandise ainsi que le fonctionnement contemporain de la consommation et des stratégies marketing afférantes.


Installation de présentation du Kit
punaises, boîte en carton, manuel de montage, patron et outils
Courtesy de la Galerie Jérôme de Noirmont

J’ai ensuite créé un logo : IBK (International Benjamin’s Kit). Le nom m’est venu assez naturellement, en référence à IKEA donc, et également à Yves Klein et à son IKB (International Klein Blue). Il est, pour moi, l’un des premiers artistes qui pose d’une manière pertinente la question de la valeur marchande de l’oeuvre d’art; rappelons cette exposition qui a lieu à la Galerie Apollinaire à Milan en 1957, pour laquelle il présentait onze monochromes bleus de taille identique à des prix différents. Selon lui, les toiles n’étaient pas exactement les mêmes, car appréciées de manière différente par le public. Le prix fait partie intégrante de l’oeuvre.
Bien évidemment, le choix du nom est aussi une référence à Walter Benjamin, dont le nom se confond avec mon prénom.
Plus qu’une marque, IBK est avant tout un concept, une sorte de vision, que je rapproche du concept de DIY.
IBK est devenu aussi une structure de production qui permet de travailler collectivement sur différents projets.

L’artiste entrepreneur ?
Depuis quelques années, on a tendance à me ranger dans la catégorie de l’artiste entrepreneur. S’il est vrai que j’ai un regard particulier sur la question de l’économie et de l’entreprise, je ne suis pas un entrepreneur à proprement parler, comme peuvent l’être certains méga-artistes contemporains, tels Jeff Koons ou Takashi Murakami. IBK n’est pas une entreprise, dans le sens où on l’entend dans la réalité sociale et économique, c’est davantage un concept, ou une oeuvre à part entière. Mais dans la mesure où IBK adopte certains codes de l’entreprise et les met en jeux il est facile de le réduire à un questionnement sur celle-ci.
Mon but à travers cela n’est surtout pas de rejouer, une énième fois, au chef d’entreprise ni de mimer le fonctionnement des structures économiques actuelles. Je ne suis pas dans la mimésis, copier ou représenter la réalité ne m’intéresse pas.
Je tiens aussi à dire que je n’ai aucune fascination pour cet univers. Il m’intéresse simplement par le fait qu’il est aujourd’hui une figure incontournable qui structure l’individu dans la société.

Performances ?
Tout mon travail s’intéresse au rapport au corps et par là même, d’un geste à une matière ou à des matériaux.  Cette confrontation ou cette association amenant à la production de formes. L’idée de l’apprentissage n’est pas étrangère et je pourrais dire qu’à chaque fois que je m’attelle à une nouvelle oeuvre, je me lance une sorte de défi. Et il en sort toujours une connaissance, qui peut être simplement pratique mais souvent s’avère critique. Là encore, le DIY n’est pas loin.
Porter des rochers, empiler les rouleaux de scotch, planter des clous, des punaises, tailler des crayons… Les gestes répétitifs sont présents dans tous mes projets… et ce n’est pas une surprise si la performance est un medium particulier pour moi.


The End, DIY 1388, 2008
marteau, clous, patron, manuel de montage et boîte en carton, 88 x 162 cm
Courtesy de la Galerie Jérôme de Noirmont

J’ai effectué une performance en 2008 lors d’une exposition au MAK de Vienne intitulée SUPERPARTYCYCLES. L’institution m’avait donné carte blanche.
Je souhaitais transformer momentanément cette institution qui est un ancien bunker de plusieurs étages en un lieu festif. Au dernier étage de celui-ci dans une immense salle vide, j’avais disposé une palette de 80 kg (mon propre poids) de feuilles de papier de différentes couleurs que je déchirais de manière continue, pour en faire des confettis.  Au bout d’un certain temps, des spectateurs m’ont imité et ont également commencé à s’attaquer aux blocs de feuilles en les déchirant. L’installation, et par là la performance, fonctionnait tant qu’il y avait des gens pour l’animer.
Par un geste destructeur vis-à-vis d’une matière sortie de l’usine, l’action s’est véritablement transformée en fête.
Bien avant la réalisation de la performance 35 Heures de travail (2002), présentée au Palais de Tokyo (ou je taillais entièrement et manuellement des crayons de papier pendant 35 heures), j’ai produit une série d’oeuvres à partir de crayons taillés ou épluchés entièrement. Chaque crayon était ensuite placé dans un sachet plastique sur lequel j’apposais une étiquette portant la marque du crayon ainsi que ses caractéristiques. Je replaçais ensuite le tout dans les rayons de supermarché, ce qui symbolisait la possibilité du consommateur d’acheter directement son crayon entièrement taillé. La marchandise pointait dans l’espace marchand son devenir de déchet. Ce qui pouvait déjà représenter pour le consommateur devenu spectateur le premier pas vers un regard critique envers la consommation de masse, envers ce qu’on peut lui vendre.
J’ai déposé une cinquantaine des ces sachets dans différents Super et Hyper.
Il faut ajouter que je n’ai jamais vu un consommateur s’arrêter devant mes sachets, je n’ai jamais attendu pour voir les réactions… Mais je ne suis pas sûr que cela soit vraiment important.
En fait, cette expérience était ma première véritable performance… On peut associer cela à une sorte d’actionnisme, comme lorsque l’on parle d’actionnisme politique.
Réintégrer des objets ou des produits dans un cycle de consommation ou redonner une seconde vie aux objets m’intéresse. Je pense ici au titre d’un ouvrage écrit par Paul Auster : Le Voyage d’Anna Blume (1989). Les principaux personnages, des chiffonniers, survivent au sein d’une société anéantie en ramassant des déchets. Ce n’est pas l’ouvrage qui m’intéressait particulièrement, mais davantage son titre, qui est une référence directe à Kurt Schwitters et son recueil de poèmes et collages : An Anna Blume (1919). Cela marque le début de ma réflexion sur la question de la marchandise et de l’emballage, que j’ai poursuivi avec les œuvres en kit.

Objets ?
J’ai collecté une série d’emballages trouvés dans la rue qui avaient la particularité d’être écrasés (Etalage, 2004). Ces objets aplatis me sont apparus comme des images de la marchandisation, des représentations de celle-ci.
Ils n’étaient plus des objets à proprement parler, ils avaient perdu leur forme et leur fonction. Ils étaient devenus des images bidimensionnelles, des tâches colorées sur le sol. J’ai ensuite intégré ces divers emballages dans des blocs de plâtre afin de leur donner un aspect “commercialisable”, comme des briques ou des boîtes. Pour pouvoir notamment les réintégrer à un circuit marchand. Je les ai d’ailleurs exposé superposés les uns aux autres sur des palettes de transport comme de simples marchandises à consommer.
Dans une série suivante, j’ai acheté une importante quantité d’objets vendus sous blister en magasin. Le blister est la coque thermoformée qui emballe l’objet afin de le protéger. Il en épouse grossièrement la forme et permet de voir l’objet car il est généralement transparent. J’utilise ces blisters comme moules et j’y coule du ciment. J’ai notamment réalisé une série d’Action man. Cela s’inscrit bien évidemment dans ce questionnement sur l’emballage, la boîte, le transport et de manière plus générale, la marchandisation du monde et de l’art.


Action man I, 2007
série Blisters, ciment, 30 x 22,5 x 10 cm
Courtesy de la Galerie Jérôme de Noirmont

Je m’intéresse également aux matériaux de récupération. Il y a quelques années, je conservais les catalogues de vente par correspondance tels que La Redoute, 3 Suisses etc. que je recyclais en œuvres. Je les collectai au départ principalement  parce qu’ils ont une durée de vie très courte et sont par cela, disponibles rapidement en grand nombre. Ce qui est souvent la première chose qui attire mon attention sur une classe d’objets : il faut que la matière première soit disponible facilement et en grande quantité.
Des assemblages de bacs à glaçons servaient à contenir des pages de ces catalogues, à raison d’une feuille par compartiment. Il s’agissait ici d’évoquer, par un même geste, l’idée d’une conservation à court terme qui affichait sous un aspect pictural, le travail publicitaire des graphistes selon les différentes saisons : automne-hiver, printemps-été, caractéristiques de ces catalogues de VPC.
Cette idée d’utiliser des catalogues de vente par correspondance n’était d’ailleurs pas sans rapport référentiel au Whole Earth Catalog.


Bacs 019, 2005
série Bacs, bacs à glaçons, papier et bois, 95 x 95 cm
Courtesy de la Galerie Jérôme de Noirmont

Packaging ?
Oui l’emballage est un terme qui revient beaucoup dans mon travail : les sachets, les blisters, les kits…
La boîte est d’ailleurs une figure incontournable de l’histoire de l’art du XXe siècle.
Je pense à la Boîte en Valise de Duchamp, mais aussi à Warhol et ses Brillo Boxes, à Manzoni qui utilise des boîtes de conserve, Judd, Arman, Raynaud…  Enfin il serait intéressant d’écrire un livre à ce sujet.
Je continue de travailler et de questionner cette notion de packaging. Cette boîte qui protège et doit informer sur ce qu’elle contient. Elle doit être fonctionnelle et informationnelle, et dans le même temps elle est un support publicitaire.
En ce moment je m’intéresse davantage à sa fonctionnalité; la boîte servant à faciliter le transport, à protéger et à stocker les marchandises qu’elle contient.
Sur une série de rochers (Prises, 2008), j’ai fixé des prises d’escalade, ces mêmes prises colorées qui servent normalement à porter le corps sur le mur d’entrainement. Le rapport au corps est donc détourné puisqu’ici, ce sont ces prises qui permettent de transporter l’objet. Je voulais associer à ces rochers une certaine ergonomie. Comme si l’oeuvre d’art intégrait, à ses possibles transports et déplacements, des questions très pragmatiques, comme lorsque l’on doit déménager son frigo.
Il prolonge quelque part tout un pan de l’histoire de l’oeuvre d’art qui influencerait la forme de l’oeuvre. La création du tableau de chevalet, par exemple, qui a permis de faciliter le transport et les transactions des images peintes, est une manifestation matérielle forte des relations qu’entretiennent l’oeuvre d’art et la marchandise. Dans cette perspective, l’art aurait tout à voir avec le capitalisme marchand et son fonctionnement.

Journée type ?
Je passe beaucoup de temps sur l’ordinateur, pour communiquer, c’est-à-dire envoyer des mails, m’informer. Le réseau est très important, j’ai pu être mis en contact avec des artistes qui sont à l’étranger par exemple. Je peux également développer des projets à distance, en envoyant un patron par e-mail et l’oeuvre peut ainsi être réalisée sans que je me déplace. Cela me permet de multiplier les projets sans avoir à être présent physiquement. J’aime beaucoup cette idée de diffusion qui permet véritablement le don d’ubiquité.
Je dessine énormément. J’ai un panneau dans mon atelier qui me permet d’afficher tous mes croquis, mes notes prises lors de mes lectures, des projets d’exposition. J’accumule ces dessins, qui expriment des idées, qui sont parfois abandonnées pour un temps, avant que j’y revienne pour décider leur réalisation concrète. A part certains projets particuliers qui n’ont pas besoin de lieu particulier pour s’actualiser,  je ne réalise pratiquement plus rien dans le vide. C’est seulement quand la proposition d’exposition est concrète que les oeuvres se matérialisent et que je me permets de passer à la réalisation.
Ce qui revient à poser des questions toujours hautement pratiques, et non sans importance dans mon travail,  celles de l’accumulation et du stockage.


Tableau n.3, 2008
feutre, crayon, papier punaisé et bois, 150 x 150 cm
Courtesy de la Galerie Jérôme de Noirmont

Projets ?
Je prépare actuellement une performance pour le Centre Pompidou qui se déroulera en février prochain.
J’ai aussi une exposition prévue à Cracovie en Pologne à la galerie Delicatessy pour 2010. Le nom de “Delicatessy” désigne normalement des magasins d’alimentation, de type charcuterie. Ce nom est donc lié au système marchand et m’intéresse particulièrement.
D’autre part, je suis actuellement en train de réfléchir à des projets utilisant la brique comme matériau principal. La brique présente des caractéristiques attrayantes : c’est un module, fabriqué pour épouser la forme de la main, on peut donc la manipuler facilement et la transporter. On revient là encore à la question du transport, mais surtout à une problématique plus générale qui est perceptible dans l’ensemble de ma production, c’est le rapport au corps, et à la main de manière plus spécifique. Je citerai en mot de conclusion l’essai de l’historien d’art Henri Focillon L’Eloge de la Main, paru en 1934.

Entretien réalisé en novembre 2009 à l’atelier de l’artiste.

J’entreprends cet éloge de la main comme on remplit un devoir d’amitié. Au moment où je commence à écrire, je vois les miennes qui sollicitent mon esprit, qui l’entraînent. Elles sont là, ces compagnes inlassables, qui, pendant tant d’années, ont fait leur besogne, l’une maintenant en place le papier, l’autre multipliant sur la page blanche ces petits signes pressés, sombres et actifs. Par elles l’homme prend contact avec la dureté de la pensée. Elles dégagent le bloc. Elles lui imposent une forme, un contour et, dans l’écriture même, un style.”
Henri Focillon, introduction à L’Eloge de la Main (1934).

Benjamin Sabatier est né en 1977.
Il vit et travaille à Paris.


Galerie Jérôme de Noirmont, Paris :

Ouvrages monographiques :
FRAGILE, Édition ville d’Issoire, 2008
S.A.V., Édition Galerie Jérôme de Noirmont, 2005 (épuisé)
Peinture en Kit, Édition Noirmont Prospect, 2003 (épuisé)


IBK’s Scotch Tower V, 2007
rouleaux de scotch divers, béton et PVC, 241,5 x 17 cm
Courtesy de la Galerie Jérôme de Noirmont