Martin Parr

Posted: July 5th, 2009 | Author: | Filed under: art sur canapé: exhibition reviews | Tags: , , | No Comments »

The reason why I do this collecting is because it is part of how I operate as a photographer: taking photographs is putting together ideas, putting together subjects…” Martin Parr (May 2009)

British documentary photographer, photojournalist and collector born in Epsom, Surrey, UK, in 1952.
He studied photography at Manchester Polytechnic from 1970 to 1973.
In 1994 he became a full member of Magnum Photographic Corporation.
He was appointed professor of photography in 2004 at the University of Wales Newport campus.
He won a large amount of prizes and awards.
Martin Parr will be curating the 2010 Photo Biennal in Brighton.

Jeu de Paume is currently showing an important exhibition dedicated to Martin Parr. Parrworld, that is to say Planète Parr in French, consists of his latest projects, as well as books and objects from his own collection.

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Untitled, Mexico, 2002-2004

The show opens with memorabilia and postcards. The everyday objects gathered by Martin Parr evoke the reign of Margaret Thatcher, the Spice Girls or 9/11, all these events or phenomena are now part of the collective memory. Parr says he always tries to find the most trivial objects. The oldest postcards in Parr’s collection were printed at the end of 19th century. Postcards were always an economical way to produce imagery, whatever commercial or tourist.
Then the photography section with British social documentary shows Parr’s favourite themes. Are also displayed international photographers that have influenced him or which he feels a strong connection with.
Three films are screened upstairs: Vivian’s Hotel (1998), Think of England (1999) and It’s nice up North (2005). Then the Luxury series is displayed in two rooms. From 2004 to 2006 Martin Parr travelled everywhere attending fashion shows, luxury shops, art fairs or horse races in cities like Dubai or Moscow. This project is a study of this international jet set who is depicted by Parr with the same approach, that is to say with a lot of humour.

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from Luxury, Ascot, England, 2003

The shows ends with the Guardian Cities Project. In 2008 the daily newspaper The Guardian commissioned Martin Parr to do a report on ten UK towns: Belfast, Brighton, Bristol, Cambridge, Cardiff, Edinburgh, Leeds, Liverpool, Manchester and Newcastle. Each town was featured in a supplement distributed free with the newspaper, comprising a text by Martin Parr evoking his memories and personal impressions, and colour photographs of the cities and the people.
The Small World series (1986-2005) is dedicated to mass tourism. It is set in a suitable way in the Tuileries Gardens, highly tourist area in Paris.

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Small world series in the Tuileries Gardens, picture by the author

Since I did not interview Mr. Parr myself, here are following a few excerpts of Q & A taken on his website:

How did you start your career as a photographer?
I first got interested in photography when I was a teenager and went to visit my grandfather near Bradford. He was a keen amateur photographer and he lent me a camera and we would go out together shooting. We would come back, process the films and make prints and ever since this time I have always wanted to be a photographer.

What photographers were you influenced by in these early days?
Before college I had seen the work of Bill Brandt and Cartier-Bresson, as well as seeing copies of Creative Camera magazine with images by (Robert) Frank, (Lee) Friedlander and (Gary) Winogrand. However it was while I was at college that Bill Jay came round and showed the work of Tony Ray-Jones and this for me was a real moment of inspiration.

When and why did you change from black and white to colour?
I did do some colour within the Home Sweet Home project in the early 70s, but it wasn’t until 1982 when I moved back from Ireland that took to colour in a serious way. This was sparked off by seeing the colour work emerge from the US with photographers such as Joel Meyerowitz, William Eggleston and Stephen Shore. I had also encountered the postcards of John Hinde when I worked at Butlins in the early 70s and the bright satured colour of these had a big impact on me.

What cameras do you use?
For the 35mm it is a Nikon 60mm macro lens combined with a SB29 ring flash. This gives a shadow on both sides of the lens ad it is like a portable studio light…
For the early black and white work, it was a Leica M3 with a Makina Plaubel with a 55mm lens. I later bought a standard lens Plaubel and more recently Mamiya 7s.
I now own a small 7mgb Sony digital and a Canon 5D.

How do you achieve these bright colours?
I use amateur film, currently Fuji 400 Superior for the 6/7 cm camera and Agfa Ultra or Fuji 100 asa film for the ring flash and macro lens. This combined with flash gives very high colour saturation, there is no Photoshop used.

Do you think your work is exploitative?
I think that all photography involving people has an element of exploitation, and therefore I am no exception. However it would be a very sad world if photographers were not allowed to photograph in public places. I often think of what I photograph as a soap opera where I am waiting for the right cast to fall into place. In more recent years I have photographed much closer where bits of people and food become part of the big picture, and one advantage of this is that it means people are less recognisable.

Whose work do you admire from contemporary photographers?
I am a great fan of the work that emerged from the Becher school, indeed these photographers changed the way in which the art world viewed photography from a marginal activity to being a central player, and I guess we all benefit from this. I also like contemporaries such as Lorca diCorcia, Paul Shambroom, Joan Fontcuberta and many photographers from Japan. There are many of my colleagues in Magnum I admire like Bruce Gilden, Alec Soth, Gilles Peres and Jim Golberg.

Why did you start to make TV?
One thing I had noticed over the years was the dialogue I often had with my subjects was very entertaining, so I welcomed the chance to incorporate this into part of my work. You can see clips from some of these films on the website. I also did a video for the Pet Shop Boys in 2002.

April 2009.

Planète Parr: The Martin Parr Collection is at Jeu de Paume from 30 June until 27 September 2009
http://www.jeudepaume.org/

Official site of Martin Parr:
http://www.martinparr.com/

Magnum Photos:
http://www.magnumphotos.com/

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from Autoportraits series. He is peering through the gaping jaws of a painted shark in Benidorm, Spain


Richard Avedon

Posted: November 27th, 2008 | Author: | Filed under: art sur canapé: exhibition reviews | Tags: , | 1 Comment »

À l’occasion de la première grande rétrospective de Richard Avedon en France, qui se tient au Jeu de Paume jusqu’au 28 Septembre, Adeline Wessang évoque dans un premier temps la visite de l’exposition et revient ensuite sur le parcours du photographe.

RICHARD AVEDON AU JEU DE PAUME
Il est presque 20 heures ce lundi 30 juin lorsque j’arrive au jeu de Paume en compagnie de mon amie Margherita Balzerani. Le soleil inonde généreusement la place de la Concorde, la lumière est magnifique. Une file d’attente assez chic s’enroule autour du bâtiment : le Jeu de Paume distribue beaucoup de cartons d’invitation pour ses vernissages… Nous fendons la foule.
La visite démarre au rez-de-chaussée et se termine à l’étage. L’enfilade de salles propose un agencement des œuvres de manière thématique. Le parcours s’ouvre sur les photographies de mode, celles que nous connaissons tous : Dovima avec les éléphants, posant en robe du soir Dior au Cirque d’Hiver en 1955.

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Dovima avec les éléphants, 1955, Courtesy of the Richard Avedon Foundation, NY

Effectivement, l’accrochage prend le parti d’amener petit à petit le spectateur vers les aspects les moins connus du travail de Richard Avedon.
Marta Gili, directrice du Jeu de Paume confie : « A mon sens injustement rangée du côté du glamour, de la célébrité et du pouvoir, l’œuvre de Richard Avedon témoigne au contraire d’un parcours artistique riche en positions critiques sur la photographie, la représentation du réel et la construction identitaire. »
Les salles se succèdent avec les portraits de célébrités puis les années 60. Derrière une cimaise en forme de paravent nous découvrons quelques images de son père, Jacob Israël Avedon, montrées ici de manière discrète.
À l’étage est présentée la série In the American West qui est probablement moins connue du grand public. Des portraits monumentaux nous font face de part et d’autre. Tous les personnages nous regardent droit dans les yeux. Cette frontalité en noir et blanc s’accorde parfaitement avec la sobriété de l’accrochage. En effet, pas de surenchère décorative, les cartels sont discrets, parfois même juste signifiés par un puits de lumière.

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Red Owens, 1980, Courtesy of the Richard Avedon Foundation, NY

La plupart du temps, les sujets prenaient la pose à la lumière du jour, dans un champ ou devant un camion, un panneau blanc avait été au préalablement disposé en arrière-plan par Avedon. Les contrastes sont très forts, mettant en valeur les détails comme les taches de rousseur de ce jeune fermier de l’Idaho (Jay Greene, 1983) ou encore les traces de pétrole qui maculent le visage de cet ouvrier (Red Owens, 1980).
Les salles de l’exposition semblent envahies d’un silence ouaté. Pour cette galerie de portraits sur fond blanc, Avedon a délibérément choisi d’occulter l’environnement immédiat. Tout ce qui est bruyant  (tracteurs, outils, machines à écrire…) n’apparaît pas à l’image, au profit de ce fond blanc. Le blanc est, paraît-il, la couleur du silence.

RICHARD AVEDON : UN PORTRAIT
(1923-2004)

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Autoportrait, 1980, Courtesy of the Richard Avedon Foundation, NY

Il est né en 1923 au sein d’une famille juive d’origine russe vivant à New York. Son père, un amateur de photographie éclairé, l’initie à la discipline. Agé de 10 ans, Avedon réalise son premier portrait : le pianiste Sergueï Rachmanivov, qui vit dans le voisinage. À 19 ans, il passe deux ans dans la marine marchande au service des photos d’identité.
En 1944, alors qu’il travaille comme photographe publicitaire pour un grand magasin, il est remarqué et débauché par le directeur artistique du célèbre magazine de mode Harper’s Bazaar. Il se rend à Paris pour photographier les collections de haute couture française, il le fera jusqu’en 1984.
Deux ans plus tard, il est à la tête du département photo du magazine.
Richard Avedon se démarque des autres photographes de mode en insufflant de la vie à ses modèles : ils rient, ils sourient. Ils agissent. Ils ne sont pas figés. Avedon est le premier à placer les mannequins dans les lieux publics tels que les magasins, la rue, les restaurants. Il veut donner l’impression que ses photographies sont prises sur le vif.
En 1966, il quitte Harper’s Bazaar pour rejoindre Vogue. Il y restera jusqu’en 1990. Il entame à ce moment-là une série de reportages. Il se rend dans des hôpitaux psychiatriques et photographie les patients internés. Il documente également les manifestations de protestation à l’égard de la guerre du Vietnam en 1969, et se rend sur place en 1971 afin de réaliser des portraits de responsables militaires et de victimes du napalm.
En 1967, il réalise deux séries de portraits des Beatles. L’une se compose de 4 portraits colorés au moyen d’une solarisation, c’est-à-dire une très forte surexposition de la pellicule. Au développement, l’image négative est inversée et persiste à rester sur l’image obtenue et donc à coexister avec l’image positive. Ces portraits très colorés s’intègrent parfaitement dans la mouvance psychédélique de l’époque.
L’autre série, en noir et blanc, montre chacun des membres vêtu de noir et posant sobrement devant l’objectif. Cette série sera d’ailleurs incluse dans le White Album, qui sort l’année suivante, en 1968.
Sa renommée croissant, Avedon photographie de nombreuses personnalités : Marilyn Monroe, Allen Ginsberg, John Ford, Andy Warhol, William Burroughs, Truman Capote, Rudolf Noureyev, Joan Baez, George Bush, Bob Dylan…
Ses portraits se caractérisent par une grande sobriété, le noir et blanc est préféré à la couleur et de manière générale, le sujet est présenté de face sur un fond blanc, et regarde directement l’objectif, établissant un rapport direct avec le spectateur.
En 1974, il expose au Musée d’art moderne de New York (MoMA) une série de portraits de son père alors atteint d’un cancer. Il réalisait des portraits de son père depuis quelques années. Lorsque l’on visionne toute la série, on voit le visage s’émacier davantage au fur et à mesure que les images défilent. Une illustration à la fois intimiste et émouvante du caractère inexorable du temps qui passe. Avedon utilise beaucoup les grands formats, dépassant parfois 1 mètre de haut. La série In the American West est consacrée aux cow-boys, pécheurs et mineurs du grand Ouest américain. C’est en 1979, à la demande du Amon Carter Museum à Fort Worth (Texas) qu’il se lance dans ce projet qui l’occupera 6 années durant. A terme, 125 portraits de gens ordinaires vivant dans l’Ouest des Etats-Unis.
Les travailleurs sont la plupart du temps montrés dans leurs vêtements de travail, qu’ils soient foreur pétrolier, ouvrier ou femme de ménage. Il s’agit quasiment d’une œuvre sociologique, évoquant ainsi le travail de photographes tels que Walker Evans ou Dorothea Lange qui avaient documenté la pauvreté dans les milieux ruraux après le krach de 1929.
Dans la série In the American West, les sujets se détachent sur un fond blanc et fixent tous l’objectif. Le spectateur est frappé par le traitement des modèles : c’est le même que celui qui est réservé aux personnalités. Avedon a d’ailleurs été vivement critiqué lorsque ces photographies sont parues. En effet, on lui reproche de montrer la face cachée des Etats-Unis, celle qui est moins flatteuse.

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Appartement de Richard Avedon, photographié par Andrew Moore

“Mon sujet n’est pas l’Ouest ; j’aurais pu faire ces photos en n’importe quel lieu du monde. Ces portraits parlent des gens, comme tout ce que je fais. Peu importe l’Ouest.” Richard Avedon
Richard Avedon reçoit de nombreux prix pendant sa carrière : International Center of Photography (1993), Prix Nadar (1994), médaille du 150e anniversaire de la Royal Photographic Society (2003).
Il réalise l’édition 1997 du calendrier Pirelli.
En 2004, il est frappé d’une hémorragie cérébrale alors qu’il travaille sur le projet Democracy qui montre les préparatifs des élections présidentielles prévues cette même année. Il se rend aux Conventions de Boston et New York, voyage au Texas et au Nevada et va même jusqu’à San Francisco. Ce portfolio reste inachevé.
La Richard Avedon Foundation est créée l’année suivante.

Bibliographie sélective
Observations, texte de Truman Capote, New York, Simon and Schuster, 1959
Nothing Personal, texte de James Baldwin, New York, Atheneum, 1964
Portraits, texte de Harold Rosenberg, New York, Farrar, Straus & Giroux, 1976
In the Amercian West 1979-1984, New York, Harry N. Abrams, 1985
Avedon the Sixties, textes de Richard Avedon et Doon Arbus, New York, Random House, 1999

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Appartement de Richard Avedon, photographié par Andrew Moore

The Richard Avedon Foundation
25 West 53rd Street, New York 10019
Tel : +1 212 581 5040
http://www.richardavedon.com/

Richard Avedon : Photographies 1946-2004
du 01 Juillet au 28 Septembre 2008
au Jeu de Paume, site Concorde
1, place de la Concorde
75008 Paris
le mardi de 12h à 21h
du mercredi au vendredi de 12h à 19h
samedi et dimanche de 12h à 19h
fermeture le lundi
Tel : +33 (0)1 47 03 12 50
http://www.jeudepaume.org/